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Los 10 mejores discos de 2017

2017

Esta es una entrada en la que me gustaría repasar los que yo considero que han sido los mejores álbumes publicados en este año 2017 al que ya le quedan unos pocos días para terminarse.

Agoraphobia – Incoming Noise. Me vais a permitir que empiece este repaso con el producto local, sí, uno de esos grupos Gallegos que no tienen nada que envidiarle a ningún otro grupo. Además en este caso sé exactamente de lo que estoy hablando, pues he tenido la suerte de poder ver a Agoraphonia en directo y no en una única actuación, sino que en dos ocasiones. Este grupo formado por cuatro chicas de Boiro se mantiene fiel a su estilo en esta segunda entrega en la que destacan temas como: “É unha opinión“, “Rainbows” o mi canción favorita “Karlova“.

Marika Hackman – I’m not your Man. Yo descubría a Marika gracias a aquel maravilloso Podcast que presentaba Laura Marling, creo recordar que se llamaba Reversal Of The Muse, y tras escuchar sus opiniones sobre las mujeres que trabajan en la industria musical decidí explorar su discografía y en ella encontré canciones de corte folk. Pero en este I’m not you Man no encontraréis nada de eso, y es que este es un álbum marcado por ese sonido más pop independiente, y tengo que decir que este es un disco que me ha convencido.

Vetusta Morla – Mismo sitio, distinto lugar. El último trabajo discográfico de los madrileños, ha recibido una gran acogida tanto de los fans como por parte de la crítica especializada, y es que tras tres años de espera la gente tenía ganas de Vetusta Morla. Este es un grupo que también he podido ver en directo, y aunque ya han pasado unos cuantos años, tengo que decir que estoy convencido de que es uno de los mejores representantes de la música española. Mis favoritas de este disco son: “Consejos de Sabios“, “La vieja Escuela” y “Deséame suerte” que fue escogida como single de presentación de este gran disco.

Arcade Fire – Everything Now. Confieso que en este disco tenía puestas muchas esperanzas y mis expectativas tal vez eran más altas de lo que de verdad correspondía a un álbum en el que los canadienses de Arcade Fire han tratado de repetir la misma fórmula de sus dos anteriores trabajos, y es por ello que tras escucharlo de principio a fin se nota un poco deslavazado y con falta de cohesión entre las canciones. Pero no me malinterpretéis este “Everything Now” está plagado de grandes temas que estoy convencido que sonaran muy bien en directo, temas como por ejemplo: “Signs of Life“, “Electric Blue” o “Good God Damn“.

Wolf Alice – Visions of a Life. Este segundo lanzamiento discográfico de los londinenses supone un paso adelante en la consolidación de un proyecto musical que aún sigue creyendo en el Rock de guitarras, y he decir que ver la evolución del grupo liderado por Ellie Rowsell ha sido bastante emocionante. Como suele pasar en la mayoría de los casos estos segundos lanzamientos, suelen estar acompañados de largas giras que sirven para presentar el nuevo álbum, y estoy convencido de que en los escenarios y tocadas en directo estas nuevas canciones incluso sonaran mejor.

Mark Lanegan – Gargoyle. Antes de nada he de reconocer mi incompetencia a la hora de ordenar estos últimos cinco discos, empezando con un “Gargoyle” que bien podía estar en el número 1, y condicionado porque en estas restantes posiciones se sitúan intérpretes a los que les tengo mucho aprecio. Dicho esto, me gustaría comentar esas cosas que convierten este último trabajo de Mark Lanegan en uno de los mejores discos del 2017; empezando por la voz del de Seatle. La voz de Lanegan es inconfundible, y ya sea en sus colaboraciones con Queens of the Stone Age o Isobel Campbell el bueno de Mark siempre termina apoderándose de la canción. Segundo el sonido del disco es actual, trepidante y sobretodo tiene ese sello inconfundible de los discos hechos para soportar el paso del tiempo. Tercero, y esta ya es una razón más personal, este es su mejor disco en solitario, y ya sé que es muy ventajista por mi parte hacer una afirmación de este calado, pero de los más de veinticinco años de carrera en solitario y tras diez álbumes es ahora cuando estamos disfrutando de la mejor versión de Mark Lanegan. De este álbum yo me quedaría con estas tres canciones: “Blue blue sea“, “Beehive” o “Emperor“.

Queens of the Stone Age – Villains. El séptimo de los californianos, es uno de esos discos que bien podría definir una carrera, ya que en el encontramos todos los elementos que se repiten una y otra vez en la carrera de este grupo como pueden ser las guitarras estridentes, los riffs pegadizos y ese sonido pesado marcado por el uso de los pedales de distorsión en el que la voz de Josh Homme pone el contrapunto perfecto. Este “Villains” es un disco de cuarenta y ocho minutos, y nueve canciones, en el que muchas de ellas pasan de los cuatro minutos de duración; pero que al escucharlo se te va a hacer corto, o eso es lo que me ocurre a mi cada vez que lo estoy escuchando y al llegar al último tema ya estoy pensando en volver a empezar a escucharlo otra vez.

En tercera posición. Sueños y Pan de Xoel López. Como os avance a principios de mes, este nuevo álbum del Gallego Xoel López es uno de los mejores discos del año. Este disco recoge todas esas influencias que tras el paso de los años han ido apareciendo en los anteriores álbumes del genial cantautor coruñés. Este es un disco que tengo que admitir que me gusta bastante, y no sólo por el hecho de que yo también sea gallego, sino que estamos hablando de uno de los mejores representantes de la música española y de un disco como Sueños y Pan que da gusto escuchar desde el principio hasta el final, es un disco muy completo.

Segunda posición para Laura Marling y su Semper Femina. Poniendo en perspectiva la meteórica carrera de la de Hampshire nos encontramos con una de las mejores voces del nuevo folk británico, que con apenas veintisiete años ha publicado seis álbumes de estudio; y que en 2011 ganaba su primer Brit Awards en la categoría de mejor cantante solista femenina. Ahora con este “Semper Femina” tal vez pueda sumar su primer premio Grammy al cual ha sido nominada dentro de la categoría de mejor disco de folk, aunque lo veo un poco complicado sobre todo si tenemos en cuenta el hecho de que los otros nominados son discos de estilos tan diferentes como el Country o el estilo Americana. Bueno sea como sea, “Semper Femina” es un gran disco que merece la pena escuchar, y como digo siempre Laura Marling es una persona que ha ido mejorando con cada uno de sus trabajos discográficos y eso se puede apreciar en canciones como: “The Valley“, “Don’t Pass Me By” o “Nothing, Not Nearly“.

Primera posición y mejor disco de este años 2017: Low in High School de Steven Patrick Morrissey.

Ciertamente lo nuevo de Morrissey es genial, sublime, fantástico o superlativo, lo podemos decir con todos los sinónimos que se nos ocurran, pero la verdad es que este “Low in High School” es un disco perfecto. Morrissey es una persona que muchas veces genera más noticas por sus polémicas, aunque cada vez que se decide a publicar un nuevo disco, la crítica se vuelve loca y su legión de fans lo celebra (o tal vez era al revés).

El antiguo líder de The Smith se embarcó en este proyecto en solitario allá por el año 1988 (el 14 de Marzo se cumplirán 30 años de la publicación de “Viva Hate”), y hemos de decir que mal no le ha ido durante estos años. Pero con “Low in High School” yo tengo la sensación de que este es su mejor disco, obviamente me parece mejor que el anterior “World Peace Is None of Your Business”, y me recuerda un poco a “Years of Refusal” especialmente en lo referente al apartado musical. Las letras siguen siendo tan comprometidas como siempre y el bueno de Moz sigue cuestionado todo aquello que no le gusta, sirva como ejemplo la misma portada de este álbum. A mí me es imposible elegir una canción que pueda destacar de este disco, pero os dejo un enlace a la lista de reproducción del álbum que tan inteligentemente han creado en YouTube para promocionar el nuevo disco, ya sabemos que una de las razones por las que Morrissey abandonó al sello discográfico Capitol fue la mala o mejor dicho nula promoción de “World Peace Is None of Your Business”.

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Metric en 10 canciones:

Me gustaría que esta entrada nos sirviera como un pequeño repaso a la discografía del grupo canadiense de electrorock liderado por la cantante Emily Haines y el guitarrista James Shaw. También mMe gustaría resaltar el increíble hecho de que tanto Emily como James estudiaron en la prestigiosa Juilliard Music School de Nueva York, allí Emily estudiaba canto y James piano. Afortunadamente un buen día sus caminos se juntaron y fruto de ese encuentro nació uno de los grupos actuales que mejor representan a Canadá por el mundo adelante.

  • Youth Without Youth: publicado en 2012, este fue el single promocional del quinto álbum del grupo llamado “Synthetica“. Podría decirse que este es uno de sus temas más populares ya que hasta la fecha es la canción que más tiempo ha permanecido en el número 1 de las listas de éxitos en Canadá en lo referente a Rock Alternativo.
  • Dead Disco: Esta es una canción que me gustaría destacar de su primer disco, y comparándola con la anterior, podemos apreciar ese sonido más independiente que tan bien define el sonido de los primeros años del nuevo siglo. “Old World Underground, Where Are You Now?” consiguió un disco de oro en Canadá o lo que es lo mismo vendio más de 50.000 copias.
  • Gold Guns Girls: Esta es una de mis canciones favoritas de este grupo; perteneciente a su celebrado álbum “Fantasies“, para muchos este es un disco en el que podemos escuchar a un grupo diciéndole al mundo, esta es nuestra mejor versión y a partir de ahora las cosas sólo van a ir a mejor. Y ese espiritu es algo que realmente está presente en canciones como esta.
  • Black Sheep: este tema seleccionado para formar parte de la banda sonora de la película “Scott Pilgrim vs. the World” es un claro ejemplo de lo anteriormente dicho, con un sonido más potente y ya completamente alejados de esa etiqueta indie, Metric se consagran como un grupo de primer nivel gracias a esta canción.
  • The Shade: esta es una canción que nos deja ver ese sonido más de sintetizadores y experimental que también forma parte de lo que Metric representa como banda. The Shade fue el primero de los cinco singles que sirvieron para promocionar su último lanzamiento discográfico “Pagans in Vegas” en donde claramente se apuesta más por el lado más electrónico.
  • Twillight Galaxy: A pesar de que Metric es un grupo que se cartacteriza por el matrimonio perfecto entre los sintetizadores y las guitarras eléctricas, sorprende y mucho lo bien que suenan algunas de sus canciones interpretadas de la forma más básica posible, acompañando a la voz de Emily únicamente de un guitarra española.
  • Synthetica: la siguiente estrofa de esta canción puede servirnos para ilustrar a la perfección la forma en la que Metric entiende la música; “Hey, I’m not Synthetica, I’ll keep the life that I’ve got”, nos viene a decir que no puedes intentar ser lo que no eres, y has de mantenerte fiel a ti mismo y ser lo más natural posible.
  • Cascades o lo que es lo mismo la versión más futurista de los canadienses; quienes en esta ocasión incluso han aplicado el sintetizador a las voces. Pero no hace falta alarmarse por ello, tengo que deciros que habiendo escuchado “Pagans in Vegas al completo, esta Cascades es una canción que mantiene una idea de unidad con el resto de temas que forman este álbum.
  • Monster Hospital: es otra de esas canciones que todo buen fan de Metric tiene entre sus favoritas; esta canción perteneciente al album “Live it out” se hizó muy popular debido a su vídeoclip, en el que se intenta mostrar la realidad de aquellos que sufren trastorno por estrés postraumático. Además esta canción tiene un claro mensaje en contra de la guerra.
  • Help I’m Alive: probablemente esta sea la canción que yo escogería para mostrarle a una persona que nunca ha escuchado a Metric, y no sólo porque fue la canción que me ayudo a descubrir a los canadienses, sino porque además después de escucharla es probable que se quiera seguir escuchando ese fantástico disco que es “Fantasies“.

Bueno, esto es todo por mi parte, una selecta selección de diez canciones para intentar resumir una carrera de casi veinte años, y es que en 2018 se cumplen dos décadas del lanzamiento de su primer EP llamado “Mainstream“. No sé si ya conocíais la música de Metric, pero yo nunca me cansaré de recomendaros sus tres últimos álbumes (Fantasies, Synthetica y Pagan in Vegas), para mí son unos discos de referencia y perfectos para escuchar en cualquier ocasión.

Sueños y Pan, lo nuevo de Xoel López

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Coincidiendo con el hecho de que este pasado jueves mi tocayo Carlos del Amor dedicó unos minutos en el telediario a promocionar el nuevo disco de mi paisano Xoel López, me he decido a escribir unas líneas sobre Sueños y Pan o el que muchos ya consideran el mejor disco del año.

Pero antes debemos hablar un poco sobre Xoel López, por si hay algunas personas que no lo conozcan. Xoel es un cantautor, músico y poeta nacido en la ciudad galega de A Coruña. Con una trayectoria de más de veinte años y catorce álbumes publicados  que lo consagran como uno de los nombres propios de la música española en la actualidad, y también un artista muy querido a ambos lados del Atlántico.

Yo a Deluxe lo descubrí hace ya diez años, cuando en 2007 publicó Fin de un viaje infinito que aún a día de hoy es uno de sus discos más celebrados, y es que está lleno de grandes canciones. Pero no fue hasta el año pasado cuando tuve la oportunidad de ir a verlo a uno de sus conciertos, y creerme que ha sido de los mejores artistas que he visto sobre un escenario.

Tanto me impresiono, que tras verlo a finales de Abril en el FIV, que es un pequeño festival que se organiza en Galicia; decidí que tenía que volver a verlo, así que aprovechando que la gira de despedida de su anterior álbum Paramales pasaba por Galicia, decidí volver a verlo pero en esta ocasión en un concierto más intimista y en acústico.

Centrándonos en este Sueños y Pan tenemos que decir que es un disco que está compuesto por diez temas, dos de ellos cantados en Galego, y en el que se puede apreciar una cierta continuidad con sus dos anteriores trabajos (Atlántico y Paramales).

Este es un álbum que empieza con cuatro canciones con mucho ritmo, y con la presencia de esos toques cariocas, que el herculino tan inteligentemente ha incorporado a su sonido. De estas cuatro canciones yo me quedo con la canción que abre el disco, Jaguar especialmente por esa colaboración con el popular gaitero galego Budiño que le da un toque muy especial a la canción.

Pero este álbum también supone la vuelta de Xoel a Madrid, ciudad a la cual le dedica una canción. Madrid, la capital de España, es donde tienen establecido su domicilio y es una ciudad con la que además se siente muy identificado. Este precioso homenaje llega en la quinta canción y en ella además de su letra yo resaltaría esa harmónica.

Y como no podía ser de otra manera, este disco no tiene una sino dos canciones cantadas en Galego, y en ellas nos muestra sus dos registros. El más tierno y pausado en Durme, que es una nana o canción de cuna que fue componiendo mientras dormía a su hijo. Mientras que por otro lado tenemos Serpes, que con ese sintetizador ochentero y un ritmo muy bailable te pondrá de buen humor; estoy seguro de que esta canción va a funcionar muy bien en los festivales.

Pero mi canción favorita de este álbum es una de las que están al final, una de esas canciones que cuando el disco ya se está acabando te harán volver a escucharlo otra vez; me refiero a Lodo, y sobre este tema tengo que decir que a mi está canción me recuerda mucho a su etapa como Deluxe.

En definitiva Sueños y Pan es un gran disco, y si tenéis la oportunidad de poder ver a Xoel López en directo hacerme caso que no os vais a arrepentir.

Música para la lectura

Para quien no lo sepa, una de las cosas que más me gusta es escuchar música, ya sea mientras voy conduciendo o con los cascos mientras salgo a correr, la música forma parte de mi vida. Y es que a pesar de que no sé tocar ningún instrumento, desde muy joven he ido cultivando un gusto muy particular. Gusto que se nutrió en aquellos primeros años de mi adolescencia con esas bandas míticas del Rock and Roll de los sesenta y los setenta. Pero a medida que iban pasando los años mis preferencias fueron creciendo, y al ir descubriendo nuevos grupos mi colección de discos se fue multiplicando exponencialmente a la par que mi gusto musical se volvía cada vez más ecléctico.

Pero si bien es cierto que habitualmente puedo escuchar tanto música Rock como Pop independiente o hasta un poco de música electrónica, nunca escogería estos estilos musicales para escuchar mientras estoy leyendo. Ya sé que el mundo se divide entre los que no toleran ningún ruido mientras están leyendo, y los que se ponen algo de música mientras disfrutan de un buen libro; así que esta entrada está dedicada a ese segundo grupo de lectores. Siempre hablando desde mi propia experiencia y de lo que me gusta escuchar a mí cuando tengo tiempo para leer, yo recomendaría la música clásica, sí, tanto a los grandes compositores como a esos esplendidos intérpretes que hacen las delicias de los más melómanos.

Y os preguntareis por qué, para mí en este caso la música ha de ser un elemento secundario, algo así como un acompañante de la lectura, y no una distracción. Muchos estudios han revelado que un uso selectivo de la música puede ayudar a un lector a mejorar su experiencia medianamente el enfoque, la concentración y la comprensión del texto. Mientras que otros expertos en la materia han señalado que escuchar música clásica puede ayudar a reducir la presión arterial. Además la música clásica es una muy buena herramienta para la relajación y la estimulación cerebral. Y no podemos negar que este tipo de música ayuda a mejorar la calidad del sueño; y en definitiva si duermes bien, vives mejor.

En este último párrafo quiero dejar algunas recomendaciones que me gustaría compartir en este blog. Empezando siempre por un álbum recopilatorio de grandes obras maestras de la música clásica, yo diría que esta recopilación realizada por la Deutsche Grammophon es el lugar perfecto para empezar a redescubrir la música clásica. Mi segunda recomendación es buscar un intérprete actual que te guste y escucha sus trabajos para descubrir más en profundidad a esos maestros de la composición que todos conocemos de las clases de música de cuando íbamos al colegio; en mi caso yo os recomiendo a Valentina Lisitsa, una pianista ucraniana mundialmente conocida por sus exquisitas interpretaciones del compositor ruso Sergei Rachmaninoff. Y mi último consejo es explorar internet en busca de todo ese material que hay, ya sea en alguna emisora de radio online o en otras plataformas que nos ofrecen horas y horas de música al alcance de todo el mundo.

 

Tenemos que hablar de Johnny

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Esta es una entrada que me gustaría dedicarle al gran Johnny Cash, que fue uno de los grandes nombres de la música en los Estados Unidos desde la década de los cincuenta hasta el año 2003 cuando tristemente nos dejó para siempre. Para quien no lo sepa Cash no es sólo una de las principales figuras de la música Country estadounidense, sino que además fue todo un icono, y hombre admirado por apoyar a los jóvenes talentos musicales en su programa de televisión, en el cual aparecieron por primera vez un jovencísimo Bob Dylan o una desconocida muchacha canadiense llamada Joni Mitchell, además de artistas más consagrados como Ray Charles o Louis Armstrong.

Esta idea se me ocurrió mientras estaba leyendo el prólogo del libro “Eternas palabras: los poemas inéditos de Johnny Cash”, un libro muy recomendable para todos los fans del Hombre de Negro, y también para esas personas que no conocen muy bien su trayectoria artística. Pero mi consejo siempre será ir directamente a sus canciones y especialmente a las de sus primeros álbumes. Aunque para esas personas que quieran conocer más en profundidad su vida personal, les recomendaría ver la película “Walk the Line” en donde el Joaquín Phoenix y Reese Witherspoon interpretan a Johnny Cash y June Carter.

Empezando por “Eternas palabras: los poemas inéditos de Johnny Cash” tengo que decir que este libro de poemas editado por Sexto Piso en una edición que incluye tanto los poemas originales en inglés como también su traducción al castellano, y además un montón de fotografías de los textos originales escritos a mano por el propio Cash. Sobre los poemas se podría decir que es una forma más completa para apreciar la totalidad del artista que hizo de la palabra su mejor aliada para expresar sus sentimientos más profundos, así que no es de extrañar que en estos poemas se traten temas tan intimistas como son: el amor y el desamor, la mortalidad, la adicción a las drogas, la espiritualidad, la libertad y también la resignación ante esas situaciones en las que uno no puede hacer nada.

Hablando sobre la película “Walk the Line” tengo que confesar que yo la vi hace varios años y a pesar de ello hay escenas que aún tengo muy presentes. Especialmente una de las del principio, en donde vemos la tragedia que sacudió a la familia Cash cuando perdieron al pequeño Jack (el hermano pequeño de Johnny) en un accidente mortal con una sierra; muerte de la cual Johnny siempre se sintió responsable y cuyo dolor obviamente siempre lo acompaño. Pero también se centra en aspectos más positivos como la primera vez que Cash intento convencer a un productor para grabar un single, y este lo rechazo por hacer lo que todo el mundo ya estaba haciendo, pero no os preocupéis que Cash insistió hasta que al final grabó esa canción en un single.

Pero si tuviera que destacar lo que mejor recuerdo de la película, eso que podría resumirla perfectamente, yo diría que “Walk the Line” es la historia de Johnny Cash y June Carter. Para quien no lo sepa Cash conoció a June Carter (quien era parte de una familia muy conocida de músicos y cantantes) cuando estaba casado con su primera mujer, pero obviamente él ya sabía que terminaría pasando el resto de sus días al lado de June, porque a pesar de ser una mujer divorciada (no olvidemos que estaba muy mal visto en aquella época) eran justo tal para cual. De hecho uno de los hijos del matrimonio sugirió que la “verdadera causa” del fallecimiento de su padre fue la prematura perdida de su mujer.

Y en lo referente a la música que podemos decir de un hombre que grabó cincuenta y cinco álbumes de estudio, además de varios directos tan memorables como el que recogía la grabación de aquel mítico concierto ofrecido a los reclusos de la prisión federal de San Quentin. Lo que es curioso que con una carrera tan extensa y plagada de éxitos, al final todo el mundo recuerde al bueno de Cash por esa versión de Hurt que era la banda sonora de un popular anuncio de Nike.

Así que este es mi top 10 de canciones de Johnny Cash que todo el mundo debería conocer.

  • Empezando obviamente por Hurt, versión de un tema del grupo NiN que Cash hizo suya a base de dotarla de un mayor sentimiento al interpretarla de una forma mucho más directa y simplemente acompañado de su guitarra y un piano.
  • A Boy Named Sue, es obviamente una de las canciones que todo el mundo asocia con Cash, pero a pesar de no haber compuesto este tema, su interpretación por primera vez en la cárcel de San Quentin nunca será olvidada ya que fue una de las favoritas del público.
  • Ballad of a Teenage Queen era la canción que abría su segundo álbum, esta canción publicada en 1958 nos cuenta la historia de cómo una persona puede echar su vida a perder tras haber tomado la decisión errónea.
  • Ring of Fire, originalmente compuesta por June Carter, se podría decir que resume a la perfección la relación tan especial que tenían June y Johnny. Y es cierto tal vez suene muy cursi, pero es una gran canción.
  • Folsom Prison Blues, una de sus canciones más conocidas, que se caracteriza por ese ritmo acelerado tan típico del de Arkansas y esa voz inigualable. Si no me falla la memoria esta canción la compuso estando en Alemania Occidental durante el servicio militar e inspirado por la película “Inside the Walls of Folsom Prison”.
  • Jackson, esta es una de las muchas veces que los talentos de Johnny Cash y June Carter se juntaban para crear un dueto que como siempre terminaba resultando todo un éxito ya que los dos se complementaban perfectamente.
  • Man in Black, es otra de esas canciones más que conocidas que a pesar de haber sido publicada hace cuarenta y seis años sigue teniendo mucha vigencia porque en la actualidad, el mensaje que transmite es simple, el negro siempre ha sido el color de esos tipos duros que como Johnny Cash han experimentado los sinsabores de la vida.
  • Get Rhythm, es una de esas canciones especiales que a pesar de ser la cara B de uno de sus primeros singles y se convirtió rápidamente en una de sus canciones más populares.
  • I Walk the Line, probablemente esta sea mi favorita de todas sus canciones.
  • God’s Gonna Cut You Down, una parte muy importante de la personalidad de Johnny Cash está ligada a la religión y eso es algo que no sólo se puede apreciar en este tema, sino que es recurrente a lo largo de su carrera. Además el video está realmente bien con todos esos famosos rindiéndole un más que merecido tributo.

Wolf Alice, segundo año.

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Realmente sería más apropiado decir segundo álbum, ya que Wolf Alice se formó en el año 2012 y en 2013 publicaban su primer single Fluffy. Centrándonos en este segundo lanzamiento discográfico, el siempre temido segundo álbum de confirmación de una banda, tenemos que decir que Visions of a Life fue publicado el pasado mes de Septiembre, más específicamente el 29 de Septiembre y que es un disco que está compuesto por 12 canciones nuevas, lo que nos deja una duración aproximada de tres cuartos de hora de ese potente Rock británico independiente actual.

Pero muchos se preguntaran si es cierto que Wolf Alice sea un grupo de rock británico independiente, y ciertamente no hay una respuesta para esta pregunta porque estos Londinenses están dispuestos a desbaratar todo el sistema de etiquetas que tan bien le ha funcionado a las discográficas para clasificar los discos que publican. Wolf Alice es uno de esos grupos que beben de muchas fuentes y parece que con este nuevo álbum han querido expandir sus horizontes, y si por ejemplo su primer disco tenía una cierta influencia grunge, en Visions of a Life el abanico es muy amplio pasando desde ese pseudo punk del movimiento Riot Grrrl hasta ese toque New Age de algunas canciones.

En lo referente a las canciones de este nuevo álbum, no podemos obviar que Yuk Foo es una de las canciones que más llaman la atención y es que ya sea por la distorsión tanto en las guitarras como en la voz o por su contundente letra, es difícil que este tema pase desapercibido. Y es que si en un extremo nos encontramos con este Yuk Foo que sirvió como single de presentación, en el otro estaría una canción como Don’t Delete the Kisses con un ritmo más pausado pero con una letra más reflexiva y madura que se asemeja más a un poema que a la típica canción pop. Pero si una canción destaca en este álbum esa es Beautifully Unconventional, dos minutos de canción que puede servir perfectamente como carta de presentación de lo que te vas a encontrar en este disco y aun así esta es de las pocas canciones que me recuerda a su anterior trabajo discográfico.

Y es que muchos podrían esperar que tras el éxito de su debut (My Love Is Cool, 2015), la banda liderada por Ellie Rowsell, intentaría repetir la misma fórmula ganadora con la que habían impresionado tanto en Estados Unidos como en Europa, pero con este Visions of a Life parece que el grupo ha dado el paso definitivo de la consolidación.  Bueno pero tal vez yo no sea la persona más indicada para hablar sobre Wolf Alice porque es uno de mis grupos favoritos, y siempre he deseado que fueran más famosos y que todo el mundo escuchara sus canciones así que puede que mi fanatismo pueda ejercer una influencia en mis opiniones, pero al final de la entrada os dejo un top 10 de sus mejores temas, para que así podáis juzgar por vosotros mismos.

  • Moaning Lisa Smile. Si tuviera que recomendar Wolf Alice a una persona siempre elegiría esta canción y no sólo porque sea mi favorita. Curiosidad, Wolf Alice actuó tres años seguidos en Glastombury (2014, 2015 y 2016) y en dos de ellos se presentaron (casi) sin haber publicado ningún álbum, ya que My Love Is Cool se publicó el 22 de Junio (a comienzos de semana) y ellos actuaron el viernes 26, lo que demuestra el compromiso de Michael Eavis con los grupos que están empezando.
  • Giant Peach. Y fue gracias a la emisora KEXP de Seattle que yo descubrí a Wolf Alice, y es que en su página web tienen una sección donde cuelgan las actuaciones de todos los grupos que los visitan, y tú te las puedes bajar de forma gratuita y legal, así que durante muchos meses (casi tres) estuve escuchando esa grabación casi todos los días.
  • Beautifully Unconventional. Esta actuación en el famoso programa de Later… with Jools Holland, ha sido el que me ha inspirado a escribir esta entrada, y es que si la comparamos con su primera aparición en la BBC podemos ver cómo ha sido ese cambio de estilo y su evolución como grupo. Por cierto está canción tiene un toque sutil que me recuerda a Tame Impala.
  • You’re A Germ. En su primera aparición televisiva en Later… with Jools Holland se aprecia como la guitarra es el centro sobre el cual se construye el sonido de los londinenses, en donde los ritmos acelerados, los afilados riffs y las distorsiones se fusionan para poner el contexto musical a la angustia adolescente de la letra firmada por Rowsell.
  • Yuk Foo o Wolf Alice meets Kathleen Hanna. La influencia es innegable, y se puede apreciar desde la primera escucha; el problema es que el movimiento Riot Grrrl se encuentra en una fase ya casi de desaparición y encontrarse con canciones tan buenas como está puede darle un nuevo empujón. Nuevamente la distorsión es algo que Joff Oddie domina a la perfección y es habitual verlo rodeado de pedales durante los conciertos.
  • Bros. Fue junto a los dos primeras canciones de esta lista, una de las tres canciones que marcaron la carrera de estos jóvenes Londinenses, se trata de otro de esos pildorazos que si te lo pones como alarma en el teléfono móvil te ayudará a despertarte a la primera y puede que también con más energía y de mejor humor, aunque eso ya no está demostrado.
  • Don’t Delete The Kisses. Esta sería una de esas canciones que marca el ritmo de Visions of a Life con unas armonías más reposadas y elaboradas, en la que el uso de los sintetizadores han ayudado a crear una mayor consistencia en lo referente al sonido del álbum en donde también resalta la voz de Ellie Rowsell, como se puede apreciar en esta actuación en esta emisora de la Universidad de Fordham del Bronx.
  • Wolf Alice covers alt-J’s Matilda in the Live Lounge. Una de las primeras muestras de que este grupo podía adaptarse a cualquier cosa y que podían alcanzar cualquier registro musical que se propusieran, se vio con esta preciosa versión de un tema tan diferente a ellos como es alt-J’s. Sencillamente sobrecogedora.
  • Freazy. Todos sabemos que los comienzos siempre son complicados, pero no hay que ser Phil Spector para ver que en estos chicos había un gran potencial. Freazy tras algunos pequeños retoques llegó a formar parte de su debut.
  • Y ya por último un videoclip de uno de sus primeros singles, Fluffy, y quería escoger esta versión antes que la de algún concierto por tres razones. La primera es que a pesar de que es verdad de que Wolf Alice es uno de esos grupos que mejoran en directo, todos sus vídeos son una autentica pasada y realmente capturan la esencia del grupo. Segundo, aunque parezca mentira, la historia de este grupo Londinense se parece bastante a la representada en este vídeo, y es que siempre han comentado en las entrevistas que no fue hasta la llegada de Theo Ellis y Joel Amey (bajista y batería, respectivamente) que el grupo empezó a tomarse la música más en serio y de forma más profesional. Y tercero porque si os fijáis bien en el vídeo, más concretamente en el minuto 0:43 aparece un vinilo del grupo Bikini Kill que para quien no lo sepa estaba liderado por Kathleen Hanna (curiosidades de la vida) y fue el principal exponente del Riot Grrrl.

 

Seguro que alguno o alguna de vosotros ya os habréis dado cuenta de que Wolf Alice tomo su nombre como “homenaje” a uno de los relatos que forman parte de The Bloody Chamber, libro escrito por la escritora inglesa Angela Carter en 1979.

¿Es Buddy Guy el mejor guitarrista de todos los tiempos?

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He de decir que esta es una pregunta bastante difícil de responder; pero si me preguntan a mí, yo no tengo ninguna duda de que este bluesman de Louisiana es uno de los mejores, y no sólo por su extensa carrera, ni por la infinidad de grandes estrellas de la música con las que el bueno de Buddy ha compartido escenario. Y es que con Guy hay algo más profundo, es como que cada vez que lo escuchas puedes apreciar que es un auténtico genio, un pionero, un revolucionario que hizo del blues algo más, que hizo del blues su forma de vida.

Yo descubrí a Buddy Guy hace ya seis años, en 2011, gracias a los Rolling Stones con los que Guy tiene una gran relación basada en el respeto mutuo y en su pasión por la música blues tanto del Delta del Misisipi como el blues estilo Chicago que tan bien representa Buddy Guy. Digamos que si los españoles inventaron la guitarra, fueron los esclavos de las plantaciones de algodón en Estados Unidos los que convirtieron este instrumento en una forma de escape para todo su sufrimiento.

Como dije anteriormente, la primera vez que vi a Buddy Guy tocando con los Stones, recuerdo perfectamente que me sorprendió su forma de tocar tan poco convencional y tan alejada de los estándares del blues, y obviamente al ver su mítica guitarra de lunares ya me conquistó. Y desde esa primera escucha hasta el día de hoy mi cariño, respeto y admiración hacia Buddy Guy nunca ha sufrido ningún altibajo.

George Guy de ochenta y un años de edad, ha disfrutado de una amplia carrera musical que empezó en la década de los sesenta tocando para las grandes figuras de la época, e incluso participó como músico contratado en algún que otro concierto de Jimmy Hendrix. Pero su éxito comercial no llegaría hasta la década de los noventa, cuando fichó por la discográfica Silvertone y coincidiendo con la publicación de sus discos más celebrados como “Damn Right, I’ve Got the Blues” o “Feels Like Rain”. El éxito continuó con el cambio de siglo y aún se mantiene en activo publicando grandes discos como pueden ser “Skin Deep” de 2008 o “Born to Play Guitar” de 2015.

Para todas esas personas que nunca han sentido la necesidad de acercarse a este género musical, les recomiendo que empiecen por Buddy Guy, todo un virtuoso de la guitarra que además tiene una voz muy poderosa que te emocionará.

Save me from the villains of circumstance

Tras escuchar Villains el nuevo disco de Queens of the Stone Age unas cuantas veces he llegado a la firme conclusión de que este es uno de sus mejores trabajos discográficos; y no sólo por el hecho de que es el último disco que han publicado los de Palm Desert, sino que al escucharlo uno tiene la convicción de que este disco ha sido creado con la finalidad de ser escuchado de principio a fin y aun así tienes nueve canciones que podrían ser un hit en cualquier otro álbum.

Para quien no lo sepa Queens of the Stone Age es uno de los grupos más destacados del panorama Norte Americano de los últimos veinte años, y bajo la dirección creativa de Josh Homme han establecido un sello inconfundible que a base de riffs de guitarra y unas letras llenas de metáforas y misticismo han convertido el rock de tres acordes en algo mucho más artístico.

Como dije anteriormente lo que más destaca de este Villains es que cada canción parece formar parte de una gran canción y que las transiciones entre ellas parecen una mera línea borrosa que no nos permite distinguir si estamos en la pista tres o ya hemos llegado a la cuatro, esto se aprecia muy bien con las canciones Domesticated Animals y Fortress. Pero aun así debemos mencionar tres canciones que resaltan sobre las demás.

Empezando con la primera canción Feet Don’t Fail Me que tras más de un minuto y cuarenta y cinco segundos de introducción nos traslada a una atmosfera de sonidos industriales con un toque de sintetizadores que nos recuerda mucho a su quinto trabajo discográfico Era Vulgaris.

Luego también tendríamos que resaltar The Evil Has Landed, canción que ha sido publicada como segundo single de este Villains, y que tiene muchas semejanzas con otro de esos grandes proyectos paralelos de Josh Homme fuera de Queens of the Stone Age, me refiero al supergrupo Them Crooked Vultures, y es que en este tema nos encontramos otra vez ese mismo esquema basado en riffs de guitarras pesados y un estribillo pegadizo que se repite hasta que se te queda grabado eso de “close, como close”.

Y que puedo decir de Villains of Circumstance, última canción del álbum y el tema que da título al disco, una preciosa balada marcada por una atmosfera oscura en la que sólo la cálida voz de Homme nos da algo de luz. Sin duda alguna esta es una de sus mejores canciones y me parce que es la mejor forma de poner fin a este gran álbum.

Para terminar me gustaría decir que al final el impacto que haya podido tener Mark Ronson como productor sólo puede ser positivo, y es que este disco suene como Queens of the Stone Age y aún así nos deja ese sabor a novedad. Para mí Villains es uno de sus mejores discos y se podría decir que este es el disco perfecto para todas esas personas que aún no conocen a esta gran banda.

Florence Welch y el renacimiento de la múscia pop

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Hace un par de días me cruce, así por casualidad, con un vídeo muy interesante en el que la cantante inglesa Florence Welch nos enseñaba su preciosa casita en su Londres natal. Al verlo uno puede apreciar que Flo es una de esas personas que posee un alma artística que transciende más allá de su música.

Muchos ya conocerán que esta londinense tiene un estilo musical bastante particular que se aleja de todos esos convencionalismos de la música pop actual, a decir verdad, tiene un estilo propio, inconfundible e inigualable que permite reconocer sus canciones tras sólo haber escuchado los primeros acordes.

Yo descubrí Florence and the Machine en el frío invierno del 2008 (parece mentira pero ya casi han pasado nueve años) y fue gracias a la página web de la revista musical NME, en donde se podía ver el videoclip de “Dog Days are over” (su segundo single) y ya desde la primera escucha me conquistó para siempre.

Con el paso de los meses yo me fui “obsesionando” con esta canción, hasta que un día que estaba visitando la tienda de la FNAC que está en A Coruña y me encontré con su primer trabajo discográfico “Lungs”; y tengo que confesar que escuchar por primera vez ese disco fue como abrir una puerta a un nuevo universo en donde tanto la música, las letras, como la voz se combinan para crear una fugaz obra de arte como son todas las canciones de Florence and the Machine.

Su segundo álbum llegaría dos años después, el aclamado “Ceremonials” pronto se convirtió en uno de esos discos de los que todo el mundo habla y que parece que tanto la crítica como el público adoran. Obviamente este era un álbum más maduro, más trabajado y sobretodo un álbum de consolidación. La esencia se mantenía con respecto a su predecesor, pero una serie de aciertos a la hora de los arreglos y especialmente el contar con tres coristas supusieron un considerable paso adelante.

Y fue durante la gira de presentación de este segundo trabajo en la que definitivamente algo cambió para una joven Florence Welch, quien de la noche a la mañana se convirtió en una de esas intérpretes que son capaces de llenar el escenario con su mera presencia.

Aun a riesgo de parecer repetitivo, tengo que decir que Florence ha ido mejorando disco a disco, y ya con su tercer álbum (How Big, How Blue, How Beautiful) nos encontramos ante una compositora que es capaz de transmitir pura emoción a través de sus letras y una interprete que con su poderío vocal te pondrá los pelos de punta. Este disco está lleno de canciones memorables que ya se han convertido en auténticos himnos como puede ser el caso de: “Delilah”, “Queen of Peace”, o una de mis favoritas como es “Third Eye”.

Ya han pasado un par de años del lanzamiento de este tercer álbum y esperemos que pronto tengamos más noticias sobre Florence, mientras tanto nosotros seguiremos escuchando todas sus maravillosas canciones.

Los discos que revolucionarán 2017

Durante todo este mes de Junio hemos recibido un sinfín de noticias relacionadas con múltiples lanzamientos discográficos de grupos que todos amamos. Nuevas canciones y nuevos álbumes han sido anunciados o lo que es lo mismo nuevas emociones.

Ciertamente para mí la música es la expresión artística más comunicativa, la que más rápidamente conecta con el público, la que mejor transmite los sentimientos del compositor o intérprete y la que más permite experimentar a estos artistas.

A decir verdad, yo siempre he tenido un gusto bastante ecléctico y además siempre he considerado como algo casi obligatorio la búsqueda (radiofónica) de nuevas bandas o solistas o talentos ocultos. Es por ello que me he decidido a escribir una entrada hablando de esos discos que tanto espero para esta segunda mitad de 2017, y con suerte alguno de mis seguidores pueda darle una oportunidad a una de estas bandas.

El primer grupo que quiero mencionar es uno de esos nombres imprescindible para poder entender el rock alternativo, son los Foo Fighters; que comandados por una fuerza de la naturaleza como es Dave Grohl, y que tras una carrera de más de veinte años nos vuelven a sorprender con una vuelta a los orígenes musicales de un Grohl que con el sonido de este nuevo disco (Concrete and Gold, 15 de Septiembre) parece rendir un personal tributo a esos grupos de punk como: Fugazi o Black Flag.

Y pasamos del bueno de Dave a uno de sus camaradas, Josh Homme, quien ya tiene preparado un nuevo disco con Queens of the Stone Age. Álbum que seguramente nos pondrá a todos a bailar, y para ello han contado con la producción de Mark Ronson, que para quien no lo sepa fue el descubridor de Amy Winwhouse. El disco se llamará “Villains” y para promocionarlo han lanzado un single que tiene ese sonido potente y pegadizo que tan bien los define.

Y no querría dejar pasar la ocasión para hablar del nuevo lanzamiento de Arcade Fire (Everything Now), trabajo que ya están presentando en directo porque se espera que salga a la venta a finales del mes de Julio. Este será uno de esos discos que seguramente darán mucho que hablar, y es que tras haber escuchado las dos primeras canciones promocionales, se puede apreciar que los canadienses siguen en un estado de gracia y a decir verdad parece que mejoran y mejoran con cada disco.

Otro de esos lanzamientos que siempre generan mucha expectación, son los de Muse, y es que los británicos tienen una legión de fans en todo el mundo. El pasado mes de Mayo, se publicaba “Dig Down”, un nuevo single y videoclip que seguramente formará parte de un futuro octavo álbum de Muse (algo que ya está confirmado). El grupo se encuentra actualmente inmerso en una gira por Estados Unidos y Canadá, además tocarán en tres festivales en el Reino Unido, incluyendo el Reading and Leeds Festival.

Como todos podéis apreciar estos son grupos ya consolidados y que cuentan con millones de fans en todo el mundo. Así que ahora me gustaría hablar más en profundidad de grupos más desconocidos para el público en general.

Para empezar, uno de los grupos más prometedores de la escena independiente londinense como son Wolf Alice, un grupo que ya ha cosechado éxitos a los dos lados del Atlántico con su álbum de debut. La banda liderada por Ellie Rowsell afronta ahora la siempre difícil tarea de lograr un segundo disco que afiance su carrera. En este segundo álbum (Visions of a Life, 29 de septiembre) nos reencontraremos con ese Rock de guitarras distorsionadas de su primer trabajo y además un sonido muy Riot grrrl.

Un caso bien distinto es el de Sparks, que (tristemente) a pesar de haber publicado veintidós álbumes de estudio, siguen siendo prácticamente unos desconocidos en nuestro país. Los californianos son uno de esos grupos que en los setenta protagonizaron el movimiento avant-garde en los Estados Unidos, y revolucionaron la escena musical con su estilo inconfundible que aún hoy en día siguen manteniendo, como se puede aprecias en el single promocional de su último álbum que saldrá a la venta el ocho de Septiembre.

Para terminar me gustaría hacerlo hablando de un disco que a pesar de que fue publicado a principios de este año (10 de Marzo), sorprendentemente no ha recibido toda la atención que realmente se merece, y es que Semper Femina de Laura Marling es sin duda alguna uno de los mejores discos de lo que llevamos de año. Pero obviamente yo siempre he sido muy fan de la cantautora de Hampshire y puede que no esté siendo del todo objetivo; pero me gustaría que más gente le diera una oportunidad, porque estoy seguro de que se llevarían una grata sorpresa.