Archivo de la categoría: Música

David Bowie en 10 canciones

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Uno de los principales propósitos de este blog era el de dedicarle una entrada a modo de homenaje a David Bowie, quien aún a día de hoy sigue siendo uno de mis héroes musicales, pero he de reconocer mis dificultades a la hora de ponerme a escribir una entrada sobre su música y carrera.

Como muchos sabréis David Bowie es uno de los cantantes más celebrados de la música británica, y sus canciones siguen estando muy presentes a día de hoy, es como si su presencia ahora que no está entre nosotros fuese todavía muy grande.

Siempre un paso por delante, su carrera refleja muchos de los cambios artísticos y culturales de la sociedad occidental. Más de cincuenta años en el mundo de la música dan para mucho, y es por eso que en su discografía podemos encontrarnos con un gran crisol de estilos marcados por esa inquietud a la hora de mantenerse relevante.

Otra cosa que me gustaría comentar es el hecho de que aún a día de hoy me es imposible escuchar “Blackstar”, disco publicado en 2016 y que es el último de los álbumes publicados por Bowie en vida y poco antes de su muerte.

Para empezar este personal repaso por la carrera del genial cantante nacido en Brixton (Londres), me gustaría seleccionar un tema de uno de sus últimos trabajos discográficos, y que además de ser la primera canción de dicho álbum es la canción que le da título, “The Next Day”. Tengo que decir que este es uno de los discos de Bowie que más me gustan y seleccionar una única canción me ha supuesto un gran reto, pues otros temas como “Dirty Boys” y “Boss of me” también podrían haber aparecido en esta lista.

Obviamente no podía faltar “Space Oddity” que es uno de sus temas más populares, y que nos sirve para reflejar ese ímpetu por triunfar de un David Bowie que con veintidós años era capaz de firmar letras como esta. Todos hemos escuchado la historia de la mala acogida del debut discográfico de Bowie, pero hemos de reconocerle su determinación por triunfar ya desde el principio de su carrera.

Como ya sabréis uno de los catalizadores creativos de David Bowie fue su guitarrista Mick Ronson, quien unirá sus caminos con el cantante en 1970 en el álbum “The man who sold the world”. Pero siendo justos hemos de decir que no fue hasta 1971 y gracias a un álbum extraordinario como “Hunky Dory” que pudimos empezar a ver todo lo que estos dos grandes genios podían hacer juntos, y es por ello que me gustaría incluir el tema “Oh! You Pretty Things” como una muestra de todo ello.

Reconociendo abiertamente que “The rise and fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars” es uno de los discos más preciados de mi colección, y a pesar de que podría parecer una tarea casi imposible seleccionar dos canciones de este álbum, he de decir que yo lo tengo bastante claro. La primera de ellas es “Moonage Daydream”, porque siendo la tercera canción del álbum es la primera con esa potencia instrumental tan típica de la década de los setenta.

Y el segundo tema que me gustaría destacar del quinto álbum de estudio de Bowie es “Ziggy Stardust”, ese alter ego que acompañó al inglés desde 1972 hasta 1973, una etapa que se cerraría con el fin de la colaboración musical entre David Bowie y Mick Ronson, pero una etapa que nos ha dejado dos de los mejores discos de la historia de la música popular.

Canciones como “Lady Grinning Soul”, que ponen el punto final a un disco como “Aladdin Sane” tienen el poder de hacer que la persona que está escuchando sienta la necesidad de volver a escuchar otra vez el disco, para volver a reencontrarse con esta canción al final. Y me gustaría decir que tras pensarlo mucho llegué a la conclusión que “Lady Grinning Soul” es mi canción favorita de Bowie.

También de “Aladdin Sane” hay canciones que tienen una fuerza que las hace destacar, y entre ellas “The Jean Genie” es una de las que más me gustan, nada puede superar esa combinación de la guitarra y la armónica en la parte instrumental.

Hemos de tener muy presente que Bowie era un intérprete total, quiero decir, uno de esos pocos cantantes que pueden adueñarse de una canción que previamente haya cantado otro, y como muestra he escogido “Sorrow” que apareció en un álbum de versiones publicado en 1973 y lleva por título “Pin Ups”.

De la parte más bailonga u ochentera, muchos podrían haber elegido la mítica colaboración con Queen; pero he de decir que yo prefiero quedarme con “Modern Love” que podemos encontrar en el disco “Let’s Dance” de 1983, ya que el sonido del saxofón me fascina. Es cierto que esta etapa es de la más desconocida de Bowie, pero también lo es que si buceamos entre las canciones de esta época podemos encontrarnos muchos tesoros como esta canción.

Y para terminar nada mejor que hacerlo con “Heroes” una canción de la que no hace falta decir gran cosa, porque de verdad que es una auténtica maravilla que todo el mundo debería de escuchar, por su mensaje, pero sobre todo por la increíble interpretación de un Bowie que fue capaz de reinventarse, pero siempre manteniendo un gran nivel tanto en lo vocal como a la hora de escribir letras tan maravillosas como esta.

 

Song for our daughter de Laura Marling

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Cada vez que Laura Marling publica un nuevo álbum siento que estamos presenciando la evolución de una artista que se encuentra en una etapa de continuo progreso, y de la que aún desconocemos todo su potencial. Además de que con cada álbum tenemos la oportunidad de descubrir nuevas canciones de una de las grandes cantautoras de nuestro tiempo.

Con treinta años, Marling, ya ha conseguido hacerse un nombre en la industria musical británica, incluso ha recibido un Brit award que la distinguía como una de las mejores voces femeninas de la música británica. Y con siete discos en el mercado en tan solo doce años, podríamos decir que la hemos visto crecer a lo largo de estos años.

Sin embargo he de confesar que no esperaba que la de Berkshire fuera a publicar nuevo material este año, y mucho menos en las actuales condiciones en las que nos encontramos. Así que me quedé muy sorprendido cuando la semana pasada se publicó en las redes sociales de la cantante, que Laura Marling había tomado la decisión de adelantar la salida del álbum, y así poner el álbum a disposición de todos sus seguidores y fans.

Song for our daughter es uno de esos discos que a pesar de mantener ese sonido que siempre ha caracterizado la música de Laura Marling, ha incorporado nuevos matices que lo convierten en algo diferente. Idea que la cantante ha expresado en una de sus más recientes entrevistas, en la que declaraba que “corría el riesgo de terminar aburriéndose”, la solución fue centrarse en buscar aquellas emociones y sentimientos que nacen de las canciones.

Teniendo todo esto en cuenta, podemos decir que este nuevo trabajo discográfico parece estar enfocado a destacar el sonido de la guitarra que convive en perfecta armonía con la voz, y es por ello que el papel de los coros es tan importante durante los diez temas que forman parte de este álbum. Pero es algo que apreciamos, especialmente, en canciones como “Hope we meet again” o “Blow by blow”.

Sin embargo en “Held down” o “Strange girl” nos reencontramos con dos temas que bien podrían haber sido incluidos en el anterior álbum publicado en 2017, en donde apreciamos unas melodías llenas de diferentes sonidos e instrumentos que enriquecen de matices esta primera parte del disco.

Un tema recurrente, y que ya está presente en el propio título de este disco, es el de las lecciones que una madre a de compartir con su hija, además de guiarla para enseñarle lo que significa ser una mujer en esta sociedad; y lo vemos en la canción que da título al álbum “Song for our daughter”.

Pero no podría dejar pasar la ocasión para señalar cuáles son las canciones que más me han gustado después de haber estado escuchando este disco durante toda la mañana. La primera que me ha llamado la atención es “Fortune” un tema que me ha conquistado por su simpleza. Algo similar ocurre con “Only the strong”, pero con la diferencia de que a este tema llegamos tras tres canciones con un sonido “más potente” que contrasta con este más intimista.

En definitiva un gran disco para una Laura Marling que nuevamente ha sabido capturar su mundo interior en un álbum, que también nos recuerda que su dominio de la guitarra le permite crear canciones que se pueden defender perfectamente sin mucho más acompañamiento que el de su voz. He de confesar que me considero incapaz para decir si este disco es mejor que los anteriores, así que sólo puedo recomendárselo a todo el mundo, porque de verdad estoy seguro de que “Song for our daughter” es uno de los mejores discos que he escuchado últimamente.

Fiona Apple en 10 canciones

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Con motivo del esperado lanzamiento del quinto álbum de estudio de la cantante estadounidense, que está previsto vea la luz el próximo diecisiete de Abril, he decidido dedicarle una entrada en el blog. El disco que llevará por nombre “Fetch the Bolt Cutters” es un disco que los fans de la cantante neoyorquina llevaban muchos años esperando, pues ya han pasado casi ocho años desde el lanzamiento de su anterior trabajo discográfico. Una buena noticia, a pesar de que a última hora la discográfica encargada de su distribución le propuso a Apple retrasar el lanzamiento hasta Octubre (esperando más repercusión y un mayor beneficio económico), recomendación que la cantante decidió no seguir y publicarlo igualmente durante este mes.

Personalmente llevo escuchando la música de Fiona Apple desde hace más de doce años, y recuerdo muy bien el momento en que descubrí a esta cantante, que desde aquel día y hasta ahora sigue siendo una de mis favoritas. Fiona Apple siempre ha estado asociada a un tipo de música de autor e independiente de las modas y las tendencias, más cerca de unas canciones con mensaje y en el que la artista decide plasmar toda su sensibilidad de manera creativa.

Criminal” (Tidal, 1996). La verdad es que no se me ocurre una mejor manera para empezar esta lista, ya que este tema es el más conocido de todos los que componen la discografía de Fiona Apple. Un éxito que le llegó cuando aún tenía dieciocho años, y en cierta forma funcionaba como tarjeta de presentación para todas las personas que se acercaban a su música por primera vez.

Sullen girl” (Tidal, 1996). Sin embargo en este primer álbum podemos encontrar otros temas que reflejan más ese carácter intimista de la música de la cantante nacida en Manhattan; y teniendo en cuenta que la vida de Fiona no ha sido nada fácil, es normal que sea en este tipo de composiciones en donde nos encontremos ese torbellino de sentimientos y emociones.

The way things are” (When the Pawn…, 1999). Del segundo álbum de la estadounidense hay varias canciones que también han gozado de cierta repercusión, aunque hay que decir que este álbum no tuvo el impacto de su predecesor. Sin embargo dejando de lado esos singles que sonaban en las radios a finales de los 90’s, podemos encontrarnos algunas joyitas como este tema.

A mistake” (When the Pawn…, 1999). Algo similar ocurre con esta canción que ha pasado más desapercibida; pero en la que vemos una evolución musical en un sonido que ha ganado en intensidad y que servirá para establecer ese sonido reconocible que también podemos encontrar en el tercer álbum de Fiona.

Get him back” (Extraordinary machine, 2005). Y llegamos al que es mi disco favorito. Un tercer álbum en el que podemos ver a una compositora con toda la confianza del mundo en su proyecto y en lo que está haciendo. Cuando la música acompaña, de esta manera, a la voz de una intérprete es resultado es insuperable.

Better version of me” (Extraordinary machine, 2005). Seguimos con otro de esos temas que a pesar de no haber sido seleccionado como single, también es una de las canciones que más destacan de este álbum, en el que encontramos muchos temas con un sonido muy marcado por el sonido del piano acompañado de una instrumentación más coral.

Please please please” (Extraordinary machine, 2005). Y en medio de toda esa perfección musical, también hay cabida para canciones más reivindicativas, y con una fuerza e intensidad que volveremos a encontrar en los siguientes trabajos de Fiona Apple. Además una canción que nos sirve para darnos la nota del álbum, porque de verdad que podemos encontrar grandes canciones desde el principio hasta el final.

Daredevil” (The Idler Wheel…, 2012). En este cuarto álbum de estudio podemos apreciar un cambio de estilo, y a pesar de que el piano sigue siendo la piedra angular del sonido de Fiona Apple, ahora se ha sumado una percusión que es muy protagonista.

Werewolf” (The Idler Wheel…, 2012). Esta canción es una de las pocas del disco, que podría haber aparecido en los anteriores trabajos de la cantante neoyorquina y no desentonar. Voz y piano para algo más de tres minutos de canción que irá ganando en intensidad en la parte de los estribillos.

Hot knife” (The Idler Wheel…, 2012). Y me gustaría terminar con la canción de Apple que más me ha sorprendido de todas las que le he escuchado, esta superposición de voces (la de la propia Fiona junto la de su hermana) marcada por una percusión que ayudan a crear una atmósfera muy especial para ponerle el punto final al disco.

I am not a dog on a chain, lo nuevo de Morrissey

Morrissey

Siempre que Morrissey publica una nuevo álbum siento que estamos ante uno de esos grandes acontecimientos musicales, que de verdad nos requiere prestarle toda la atención que se merece, y es por ello que me gusta tomarme un par de días para poder escuchar el disco un par de veces antes de sentarme a compartir mis impresiones.

Tengo que confesar que previamente había escuchado todos los temas publicados antes de la salida del disco, y tras unas muy buenas primeras sensaciones, me gustaría confirmar que el disco es tan bueno como esos tres temas que Morrissey y su discográfica nos habían adelantado.

I am not a dog on a chain” es el undécimo álbum de estudio publicado por el cantante nacido en Manchester en sus más de tres décadas de carrera en solitario, y además es el cuarto disco consecutivo en el que la producción está dirigida por Joe Chiccarelli, una unión que ha mantenido a Morrissey en un alto rendimiento musical del que ahora podemos disfrutar sus resultados.

Es cierto que la producción del álbum es algo que hay que destacar, y podríamos decir que con ella la voz de Morrissey gana mayor protagonismo y brilla con una luz propia, y también es algo de lo que se benefician las letras siempre tan interesantes y reflexivas del cantante mancuniano. En otras palabras la voz y la música están en un equilibrio en el que se puede disfrutar de ambas, y todo suena muy orgánico y natural.

Otra cosa que me ha gustado de este disco, es la aportación de voces femeninas, recurso que ya se había empleado en otras grabaciones, pero que en temas como “Darling, I hug a pillow” y especialmente en “Bobby, don’t you think they know?” llenan de matices las canciones que enriquecen estos temas y se convierten en algo más que en meras aportaciones.

Canciones que me han gustado de este álbum son: “Bobby, don’t you think they know?” con la colaboración de Thelma Houston gran icono del R&B, “Once I saw the river clean”, “The truth about Ruth” y “My hurling days are done”, que a pesar de ser temas muy diferentes guardan la esencia del alma creativa de un Morrissey que sigue estando muy vigente en pleno 2020.

Para concluir, mencionar que la a crítica ha recibido este “I am not a dog on a chaincon los brazos abiertos. Es por ello que me gustaría señalar que este es un disco que continúa la senda positiva que Morrissey ha mantenido en los últimos años, periodo que no es casualidad que haya sido el de la colaboración con grandes productores de la talla de Tony Visconti y del anteriormente mencionado Joe Chiccarelli. Una recomendación que no podía dejar pasar, tanto si ya eres fan de Morrissey como si nunca has escuchado nada de este gran cantante.

KEXP en 10 actuaciones

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Siempre que me propongo hacer una entrada de este tipo me encuentro en la difícil situación de tener que elegir entre muchas canciones, pero en esta ocasión la tarea presenta una mayor dificultad, pues estamos hablando de una emisora de Radio a la que tengo gran estima por haberme dado la oportunidad de descubrir a grandes músicos y grupos.

El propósito de la entrada de esta semana es seleccionar diez actuaciones que la propia emisora ha subido a su canal de YouTube, y comentar porque me parece que esas actuaciones se merecen ser escuchadas. Obviamente se trata de un tema muy subjetivo, y en este caso me he permitido el seleccionar grupos o artistas que me gustan o que descubrí gracias a KEXP.

Para quien no lo sepa, KEXP es una emisora de radio estadounidense, de la ciudad de Seattle, y que se caracterizan por su carácter independiente, algo que se refleja en su forma de entender la forma en la que se financian a través de la “ayuda” y donaciones económicas de sus oyentes. Otro de los pilares en los que sustenta la reputación de esta emisora son las actuaciones en directo que realizan en su estudio; algo que con esta entrada intento poner en valor ya que son actuaciones de gran nivel y de artistas con un enorme potencial que de otra forma podrían pasar desapercibidos para el gran público.

La primera actuación de la que os quiero hablar es la de Protoje en 2016, esta fue mi primera aproximación a la música del artista jamaicano, y tengo que decir que me gustó mucho poder escuchar y ver cómo se defendía en directo un músico de un estilo como el reggae, que es algo que yo no escucho habitualmente, pero la verdad que muy bien.

Algo similar me ocurrió con la siguiente actuación. Dream Wife en 2018, una de esas bandas que de no ser por esta emisora tal vez nunca hubiera podido escuchar, ya que estamos hablando de un grupo de corta vida que con apenas un disco en el mercado aún no habían logrado cosechar esos quince minutos de fama que decía Warhol, especialmente si pensamos que estamos ante un grupo con origen islandés.

Sin embargo también podemos encontrarnos con músicos ya consagrados y con una gran carrera a sus espaldas. Uno de esos casos podría ser el de Laura Marling en 2017. La británica es una habitual en KEXP, y he de decir que siempre es especial poder escucharla en este tipo de actuaciones radiofónicas.

Otro ejemplo de la labor que hacen a la hora de traer grandes artistas podría ser la actuación de Neko Case en 2018. Case que con más de veinte discos publicados aparece en el estudio no solo para deleitarnos con su música, sino que también para tener una conversación cercana e intimista con la locutora Cheryl Waters.

Darle una oportunidad a los jóvenes artistas es otra de esas grandes labores desarrollada por todos los profesionales que trabajan en esta radio. Y que sirva como ejemplo la actuación de una artista que tal vez nunca hayáis visto nombrada en otro medio de comunicación, me refiero a Torres, cantante estadounidense que ha publicado cuatro álbumes de estudios en siete años de carrera.

El gran trato con los artistas es algo que está muy presente en KEXP, y esta es una de las razones para que los grupos quieran volver cada vez que se presenta la ocasión para promocionar su nueva música. El ejemplo más obvio que he encontrado es el Portugal. The Man grupo que ha actuado en diversas ocasiones, pero ninguna tan especial como la de julio de 2013 un concierto de cuarenta y seis minutos en los que tocan diez de sus temas más populares.

Y también albergan actuaciones de músicos locales, aunque en este caso se trate de leyendas como Mark Lanegan, que es nacido en una localidad cercana a Seattle. La actuación de Mark Lanegan en 2014 es uno de esos momentos mágicos que tenemos que agradecerle a la radio.

Y como muchos ya sabréis, en Seattle la escena musical es muy potente, porque además de toda su historia también está en contacto con la de la Portland, dos localidades del Noroeste estadounidense bañadas por las aguas del Pacífico en la que siempre podemos encontrar gente con intereses musicales. Un ejemplo de esta gran unión puede ser la actuación de Minden en 2016, los de Oregón se acercaron para tocar cuatro de sus temas, en una actuación que bien podría servir como carta de presentación para todos los que no conocen a este grupo.

KEXP siempre ha sido una de esas emisoras en la que hemos podido encontrar un gran portal para descubrir nuevas músicas, siempre favoreciendo la diversidad cultural y de estilos. Uno de ellos podría ser un estilo tan poco consumido en España como es la Americana, y es por ello que también me gustaría añadir esta actuación de Conor Oberst en 2014.

Y ya para terminar una actuación muy reciente, la de Los Bitchos de esta semana. Tal vez esta actuación pueda resumir todo lo que representa esta emisora, ya que estamos ante un grupo que aún no ha publicado ningún disco, es una banda de cumbia psicodélica, y además sus integrantes (por lo que he podido averiguar) son de diferentes nacionalidades (con dos integrantes uruguayas).

Para concluir, me gustaría recordar que la labor de emisoras como KEXP es realmente importante porque son difusores de cultura y además una gran fuente de entretenimiento, es por ello que os recomiendo que visitéis su web para escuchar sus programas en directo o en Podcast, y también su canal de YouTube.

Mystery Jets en ocho canciones

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Con motivo del próximo lanzamiento del séptimo álbum de estudio de este grupo londinense, me gustaría dedicarles una entrada para repasar una carrera que está plagada de grandes canciones. Mystery Jets es uno de los grupos actuales que más me gustan, y a los que tengo gran estima porque han sido capaces de mejorar con cada álbum.

Personalmente tengo las expectativas muy altas con este álbum que verá la luz el tres de abril (aunque se puede escuchar un adelanto en Spotify). Todos los que conocemos un poco la historia de este grupo sabemos que el lanzamiento de este, tan esperado, disco tuvo que ser pospuesto debido a una operación de emergencia a la que se sometió Blaine Harrison en el verano de 2019, es por ello que tal vez todos queremos poder sentarnos a escuchar este “A Billion Heartbeats” desde el principio hasta el final.

Otra noticia que ha salpicado el lanzamiento de este séptimo álbum ha sido la salida del grupo de uno de sus miembros fundadores, el guitarrista y también cantante, William Rees. William se despidió de sus compañeros mediante un post en Instagram y dejando claro que seguirá vinculado a la música.

Dicho esto, ahora sí que podemos repasar todos esos temazos firmados por Mystery Jets:

Y qué mejor forma que empezar esta selección de diez canciones de los Mystery Jets que hacerlo con uno de los temas que encontraremos en el nuevo disco, y que lleva por título “Screwdriver”, esta es una canción que habla sobre los peligros del auge nacionalista que estamos viviendo en Europa.

También me gustaría destacar canciones más antiguas y que forman parte de esos primeros álbumes que vieron la luz a finales de la pasada década. Un buen ejemplo es “Young Love”, que personalmente es el tema con el que descubrí a este grupo, y todo gracias a que en la canción colabora Laura Marling cantando a dueto con William Rees.

Otro de esos temas que ya tienen unos cuantos años es “Serotonin”, tema que da nombre a uno de sus discos más ambiciosos, y que simboliza uno de los puntos de inflexión en la carrera del grupo, y además es una canción que desprende una energía especial.

Tampoco no me quiero olvidar de “Someone Purer” tal vez una de sus mejores canciones a nivel de letras, y también cómo va evolucionando con la incorporación progresiva de todos los instrumentos. Este tema fue escogido como single promocional de su quinto trabajo discográfico, y aunque pasó desapercibido en los charts de los más exitosos, les ayudó a consolidarse como un grupo más conocido llegando a colocar este álbum entre los cuarenta mejores del Reino Unido.

En 2016 aparecía “Midnight’s Mirror” tema en el que volvemos a encontrarnos con William Rees en su faceta como vocalista, y que nos demuestra una evolución en el sonido que se aleja totalmente de todo lo grabado por el grupo hasta la fecha. Un sonido más pesado, y una producción mucho más cuidada que sin duda alguna ayudaron a definir el sonido del grupo.

Otra canción que afianza la idea de que un álbum puede definir la carrera de un grupo, podría ser “Bubblegum”, tema que al igual que el anterior encontrarlos en el sexto álbum de Mystery Jets “Curve of the Earth”. Pero tal vez la diferencia es que en “Bubblegum” apreciamos una estructura más tradicional de una canción pop.

Y no podemos obviar que los orígenes del grupo estaban en la música popular, y en esas cancioncillas alegres como puede ser “Two doors down”, canción de temática relacionada con ese amor juvenil, que es algo muy presente en ese fantástico álbum que era “Twenty One”.

Y para terminar una canción que a pesar de no aparecer en ninguno de los álbumes publicados por el grupo, me parece que merece una mención especial. Me refiero a “The World Is Overtaking Me”, porque es una de esas canciones que cuando escuchas por primera vez puede pasar desapercibida, pero que luego es difícil quitarte de la cabeza.

Esto es todo por mi parte, y teniendo en cuenta lo mucho que me ha impresionado este grupo desde la publicación del anterior álbum, estoy seguro de que “A Billion Heartbeats” será uno de los discos del año.

Los mejores 9 discos de 2019

En esta entrada, una de las últimas del año, me gustaría repasar nueve discos que personalmente considero que son merecedores de ser considerados como los mejores del 2019. Es obvio que muchos de estos discos no aparecerán en otras listas más populares, pero de verdad que pienso que los aquí mencionados se merecen mucha más atención de la que han recibido.

A modo de resumen, decir que el 2019 ha sido un año de descubrimiento musical, muchos grupos nuevos, algunos buenos debuts; pero sobre todo este año ha sido como una reafirmación de todo lo que me gusta de la música, así que espero que en 2020 todos podamos seguir disfrutando de estos grupos y de muchos más.

1 – Black Pumas – Black Pumas:

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No tengo ninguna duda de que el mejor disco que he escuchado este año es el debut y disco homónimo de los Black Pumas, un grupo texano que con este disco ha traído un sonido de calidad, fresco y actual al panorama de la música soul estadounidense. Lo que más me llama la atención cada vez que escucho una canción de Black Pumas es la inconfundible voz de su vocalista, Eric Burton (no confundir con Eric Burdon), a pesar de que la música no le resta ningún protagonismo y casan a la perfección, es esta interpretación la que me atrapó desde la primera vez que escuché una de sus canciones hace ya 9 meses en una emisora de radio neoyorquina.

Teniendo en cuenta que no los he visto mencionados en casi ninguna publicación que repasa los mejores álbumes de este 2019, me gustaría compartir algunas de mis canciones favoritas, canciones que es mucho mejor escuchar una tras otra y dejando el cd sonar desde el principio hasta el final, pero que igualmente funcionan muy bien como pequeños pildorazos que son un lujo musical. Empezando con “Fire”, esta fue el tema con el cual descubrí al grupo, y la verdad es que me encanta tanto su exquisita instrumentación como su letra. Luego mencionar “Colors” que es probablemente mi favorita, y es la que mejor demuestra esa unión que se establece entre la parte instrumental de la canción con la gran voz de Burton, un temazo que funciona como carta de presentación de lo que podemos esperar de este grupo. Y finalmente, destacar “Touch the sky” una de las últimas canciones del disco y con la cual le ponen el broche de oro a uno de los mejores discos de 2019.

2 – Mark Lanegan – Somebody’s Knocking:

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Aunque pueda parece que cada año me veo “obligado” a incluir en esta lista de lo mejor del año algún álbum del genial Mark Lanegan; he de confesar que no es mi culpa, y el único responsable es el cantante y compositor de Seatle, quien parece vivir una segunda juventud a sus cincuenta y cinco años de edad. No deja de ser llamativo esa capacidad para mantenerse relevante en el mundo de la música, y debemos destacar la elevada producción de Lanegan en estos últimos años, en los que prácticamente ha publicado a un ritmo de un álbum por año.

Somebody’s Knocking está producido por Alain Johannes, con el que Mark Lanegan ya había colaborado en sus dos anteriores discos, y también fue el productor de Blues Funeral (el disco más conocido de Lanegan), y de esta unión creativa ha salido un disco realmente especial y que tal vez sea el mejor de todos los que ha grabado Lanegan en su carrera en solitario. Canciones que no puedo dejar de escuchar son: “Gazing from the Shore“, “Penthouse High” y “Letter Never Sent“.

3 – Jade Bird – Jade Bird:

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En el podio se cuela otro debút, pero esta vez nos volvemos a este lado del atlántico de la mano de la inglesa Jade Bird, que a pesar de sólo tener veintidós años se ha marcado uno de los mejores discos del año. Este disco, que también es homónimo, recoge en doce canciones una pequeña muestra de todo lo que esta nueva sensación de la americana puede seguir ofreciéndonos en el futuro. Con un sonido que a pesar de no ser nada novedoso es siempre correcto, y una voz poderosa que es perfecta para estas canciones que reflejan sentimientos y situaciones que muchas personas han experimentado en su vida. Canciones que tal vez se me haya olvidado comentar la primera vez que mencioné este álbum en el blog son: “Side effects”, “Lottery” y “Good at It” todas ellas fantásticas, pero de verdad que en este disco no hay ninguna canción que sobre, de hecho este es el típico disco que uno termina escuchando una y otra vez.

4 – Amyl and the Sniffers – Amyl and the Sniffers:

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Gran mérito tiene el grupo australiano Amyl and the Sniffers, que con su debut han sido una de las agradables sorpresas que nos ha dejado el 2019. Los de Melbourne están dispuestos a no dejar morir el punk (ni su música, ni su actitud), y es por ello que todos los que apreciamos la buena música nos alegramos de encontrarnos con grupos de gente joven que dice no a las modas, no a ser influencers, no al dinero fácil, y no a venderse.

En este disco que también lleva por nombre el del grupo, nos encontramos con ese sonido potente y efervescente que lo inunda todo con riffs contagiosos de guitarras afiladas; y aunque puede que la fórmula parezca sencilla, lograr hacer un álbum como este, en el que las canciones forman parte de un todo y también funcionan muy bien por separado, solo está al alcance de aquellos elegidos que tienen un talento natural.

De Amyl and the Sniffers hay muchas cosas que debemos mencionar, pero yo me quedaría con una en particular, su cantante Amy Taylor, Taylor tiene una presencia muy potente en el escenario y parece que llevase en el mundo de la música toda su vida cuando en realidad apenas han pasado cuatro años desde el lanzamiento de su primer EP (el cual se puede escuchar en Spotify).

5 – Gary Clark Jr. – This Land:

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Otro disco que también ha sido una sorpresa para mí es el nuevo lanzamiento discográfico de Gary Clark Jr., y no digo esto porque yo dude del enorme talento del guitarrista de Austin, lo que me ha sorprendido es lo contundente de su mensaje y la potencia y energía que podemos apreciar en este álbum que lleva por nombre This Land.

Nuevamente destacar la figura de Clark Jr. como uno de los renovadores del blues estadounidense, una de las figuras más importantes en lo que se refiere a guitarristas de la actualidad y un músico excepcional que ya tiene una experiencia tras de sí, experiencia que lo sitúa en ese momento de su carrera en el que todo se hace bajo un criterio y de una forma orgánica dando como resultado un disco verdaderamente excepcional.

Algo que me ha gustado especialmente de este álbum es que en este This Land podemos ver las dos caras del Gary Clark Jr. compositor una la más reivindicativa la que está presente en temas como “What About Us” o “This land”, y la otra más sensible y cercana a los sentimientos y emociones como reflejan temas como “I Walk Alone” y “Pearl Cadillac”.

6 – Eilen Jewell – Gypsy:

Eilen Jewell

Tengo que confesar que el siguiente álbum ha sido una incorporación de última hora, realizada gracias a un descubrimiento reciente que he de agradecer al programa El Sótano de Radio 3 y los seis programas especiales en los que realizan su lista de sus 100 canciones favoritas del 2019. El disco en cuestión se llama Gyspy y la persona detrás de este álbum es la cantante y compositora estadounidense Eilen Jewell.

De Eilen Jewell hay pocas cosas que pueda decir, pero tengo entendido que tiene una carrera bastante sólida, con varios discos publicados en los últimos años; además ya lleva varios años consagrada como una de los referentes de la música de raíces gracias a su increíble talento y su cautivadora voz. Este Gyspy tiene un sonido muy cálido y en él se tocan varios estilos, pero lo que más me ha gustado es esa unión entre la voz y la instrumentación.

Como digo este es un disco que he estado escuchando esta semana, así que el ejercicio de seleccionar tres canciones es tal vez más complicado en esta ocasión, pero con “79 cents (the meow song)”, “Beat the drum” y “Crawl” es imposible equivocarse. El disco es fenomenal y no me hace falta escucharlo durante un mes entero para saber que lo que ha logrado Eilen Jewell en este álbum es algo excepcional y que se merece un sitio entre los mejores álbumes del 2019.

7 – Summer Cannibals – Can’t Tell Me No:

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No podía faltar en esta lista un disco como Can’t tell me no de Summer Cannibals, grupo procedente de Portland, y que tras varios cambios en sus integrantes parece que ahora sí que han encontrado ese sonido deseado. En la evolución musical de este grupo ha jugado un gran papel la incorporación de un guitarrista como Cassi Blum, quien se compenetra a las mil maravillas con la cantante y otra guitarra Jessica Boudreaux.

Can’t tell me no es un disco con un sonido actual, que se encuentra en la frontera entre el rock más garagero y esa música indie que tan presente está en la escena musical de Portland, y podemos decir que con un disco como este Summer Cannibals han dado un paso adelante en su carrera, no sólo por el sonido sino por la consistencia que hay a lo largo del álbum. Canciones que recomiendo: “Behave”, “Spin”, y “Can’t tell me no”.

8 – Bleached – Don’t You Think You’ve Had Enough?:

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Una elección bastante fácil ha sido la de incluir entre los mejores discos del año el del grupo californiano Bleached, Don’t You Think You’ve Had Enough?, este grupo formado por las hermanas Jennifer y Jessica Clavin es uno de esos grupos que tal vez no reciba tanta atención como se merecen, pero que sin duda alguna han logrado firmar un álbum que dará que hablar. En este su tercer trabajo discográfico, podemos apreciar un refinamiento en el sonido, pero sin renunciar al espíritu del grupo.

Tengo que confesar que este es un disco que gana con cada escucha, incluso ahora casi seis meses después de su publicación, uno se encuentra con nuevos detalles que nos enriquecen la experiencia de escuchar a un grupo con unas canciones que de verdad suenan realmente bien. De los doce temas que dan forma a este disco me es casi imposible seleccionar aquellos tres temas que más destacan, pero si tuviera que hacerlo me quedaría con. “Heartbeat away”, “Kiss you goodbye” y “Real life”, pero lo tengo que decir es un tema con 8 o 10 canciones que están muy bien.

9 – Le Butcherettes – bi/MENTAL:

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Me gustaría empezar esta selección con un grupo que no suelo escuchar a menudo, pero que de verdad hacen música muy interesante y única, el grupo se llama Le Butcherettes, y este disco lleva por título bi/MENTAL. A Le Butcherettes tuve la oportunidad de verlas en directo hace un par de años, y la verdad es que la fuerza de su performance en directo es algo que sigue muy presente en las canciones que aparecen en sus discos.

Para este cuarto álbum el grupo liderado por la mexicana Teri Gender Bender (Teresa Suárez Cosío) se tomó un largo tiempo, y en total pasaron casi cuatro años desde un disco y otro; mientras que los tres primeros álbumes del grupo se publicaron en ese mismo tiempo (Mayo 2011 – Septiembre 2015). Esto es algo que da como resultado un álbum más trabajado no sólo por el tiempo transcurrido, sino porque parece que ahora el grupo que acompaña a Teri es el mejor posible.

Al escuchar bi/MENTAL tengo la sensación que estamos ante uno de esos discos que ganan mucho en directo, pero aún así hay canciones lo suficientemente potentes como para funcionar perfectamente como ese tema que puede funcionar como carta de presentación de este álbum que se ha colado entre los mejores del 2019, como por ejemplo: struggle/STRUGGLE”, “la/SANDÍA” y “father/ELOHIM”.

Judas Priest en 10 canciones

 

Hoy me gustaría dedicarle una entrada a Judas Priest, uno de los grupos más conocidos y longevos de la escena británica del Heavy Metal, y que el próximo año celebrará su cincuenta aniversario. Personalmente no considero que Judas Priest sea uno de mis grupos de cabecera, pero he de admitir que me gusta lo que hacen y me parece que además de tener un sonido inconfundible han logrado hacer siempre un par de éxitos en cada uno de sus álbumes.

Antes de comentar esas diez canciones, me gustaría decir que en los casi cuarenta y cinco años que separan su primer álbum de estudio (Rocka Rolla, 1974) del último (Firepower, 2018) uno se encuentra con una discografía formada por dieciocho álbumes en los que destacan títulos como: Redeemer of Souls (2014), Painkiller (1990), Screaming for Vengeance (1982) y British Steel (1980); estos son álbumes que nos demuestran que a pesar de los años Judas Priest siempre han sabido mantenerse en la conversación musical sin apenas notar el desgaste del paso del tiempo.

Halls of Valhalla”, empezamos con un tema que personalmente considero que puede servir como tarjeta de presentación del grupo, y es que a pesar de que estamos ante uno de los temas más recientes de Judas Priest, esta canción tiene todos los elementos que uno identifica con el sonido de los de Birmingham. También hay que destacar que esta fue la primera ocasión que tuvimos de escuchar al nuevo guitarrista, y ahora podemos afirmar, sin miedo a equivocarnos, que la llegada de Richie Faulkner rejuveneció el sonido del grupo.

Hell bent for leather” es uno de esos temas que al escucharlos uno se pregunta si de verdad ese sonido puede considerarse heavy metal, pero lo que es innegable es que este tema es cien por cien Judas Priest, y es que algo muy característico del grupo es su indumentaria de cuero, ya sean pantalones, cazadoras, o abrigos de todos los colores y gustos, prendas que no sólo ha llevado su cantante Rob Halford sino que es extensible a todos los miembros del grupo.

Uno de los temas más escuchados del grupo es “Night Crawler”, tema que tiene un sonido más acelerado por la batería y el bajo, esto es una de las principales características más reconocibles de la evolución del género en la década de los noventa, y es que a pesar de unas guitarras afiladas esta canción proyecta su potencia especialmente a través de la sección rítmica que absorbe gran parte del protagonismo.

Beyond the Realms of Death” es una de esas típicas baladas que nos enseña el gran registro de un Rob Halford, que por aquellos años se encontraba en su primera etapa tanto como compositor como vocalista, y sin embargo nos deja claro que es uno de los mejores cantantes de su generación no sólo por su amplio registro vocal, sino que además por la intensidad de su interpretación.

Turbo Lover” es una canción que personalmente siempre me ha recordado a Queen, y es que a finales de los ochenta tanto Judas Priest como Queen tuvieron sus coqueteos con la música disco; y a pesar de que ello pudiera verse como el pecado supremo en un grupo de heavy metal, hemos de decir que los de Birmingham lograron sacar al menos un tema como este que es una auténtica maravilla, y además es una de sus canciones más populares.

Otro de esos temas más conocidos del grupo es “You’ve Got Another Thing Comin’”, canción que apareció como uno de los singles de su octavo álbum de estudio (Screaming for Vengeance), y que tiene un sonido dominado tanto por los potentes riffs como de los solos de guitarra, en donde K. K. Downing y Glenn Tipton se van dando la réplica, a la vez que demuestran su notable dominio de las seis cuerdas.

Un tema del último álbum y que conserva ese espíritu podría ser “Flame Thrower”, y es que el sonido que desprende este álbum está a la altura de los mejores trabajos de Judas Priest, y aunque parezca mentira al escucharlo por primera vez es fácil darse cuenta de que hay varios temas de una calidad realmente buena, pero en esta canción uno se reencuentra con esas guitarras chillonas que se acoplan a la perfección tanto con el resto de la sección rítmica como con la voz de Halford.

Painkiller” es uno de esos tema que a pesar de su duración se llegan a hacer incluso cortos. Estamos ante una de las canciones con el ritmo más elevado de todas las de sus discografía, y además con un sonido más duro de lo frecuente en Judas Priest, pero en la que sin embargo todo parece fluir de una manera “orgánica” y en la que nadie acapara demasiado protagonismo a pesar de los varios solos que se van sucediendo hasta llegar al final del tema.

The Hellion” y “Electric eye son dos canciones que no se entienden la una sin la otra, siendo la primera una pequeña pieza instrumental que funciona como preámbulo a la segunda. Hemos de decir que esta es una canción que tiene en el libro de George Orwell1984” una de sus más claras influencias, pero además es una de las canciones más celebradas del grupo; y en ella brillan con luz propia tanto Glenn Tipton a la guitarra, como Rob Halford, los que después de tantos años siguen siendo los pilares del grupo.

Y no podía faltar, “Breaking the Law”, que es sin ninguna duda la canción que todos asociamos cuando escuchamos el nombre de Judas Priest. Uno de esos temazos que son un éxito instantáneo, y que tanto ayudan a cimentar las carreras de los grupos que están empezando. El éxito a Priest les llegó relativamente tarde (tras seis álbumes), pero les llegó de una forma muy merecida, porque el disco en el que aparece esta canción tal vez sea el mejor de todos los que grabaron Judas Priest. “British Steel” no solo tiene una portada resultona y un single exitoso, sino que este es un álbum lleno de las canciones que supusieron esa base sobre la que los de West Bromwich construirían su carrera. Yo he escogido “Breaking the Law”, pero de verdad que hay otros temas como: “Rapid Fire”, “United” o “Living After Midnight” que perfectamente podrían estar en esta lista.

 

 

Amyl and The Sniffers

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Antes de empezar a profundizar en toda la grandeza de este álbum, me gustaría aclarar que siempre tengo mis ojos puestos en Australia y todo lo que ocurre Down Under; pero este grupo lo he descubierto recientemente y tengo que decir que ya con los primeros compases me quedé realmente impresionado.

Amyl and the Sniffers es un grupo garage-punk de la ciudad de Melbourne y está formado por cuatro integrantes; en donde destaca, a pesar de la enorme calidad de los músicos, la cantante Amy Taylor. De Taylor podemos decir que con su energía, actitud, y ganas de comerse el escenario contagia un ritmo vertiginoso al resto de la banda.

Aunque parezca mentira, en pleno 2019, aún quedan bandas que parecen totalmente convencidas en que su misión es mantener con vida ese espíritu punk del pasado, y tenemos que reconocer que eso es algo encomiable. Las referencias de Amyl and the Sniffers son bastante fáciles de apreciar, desde los clásicos The Damned o The Stooges hasta The Devotchkas o Bikini Kill, sin olvidar grupos locales como Cosmic Psychos y Drunk Mums. Pero creedme cuando os digo que no hay muchos grupos en la actualidad como este.

Su primer álbum “Amyl and the Sniffers”, publicado la pasada primavera (veinticuatro de Mayo), está compuesto por once temas que en total nos dan una duración de veintinueve minutos, algo que nos muestra la habilidad de este grupo para tocar a un elevado ritmo y con una pasión que está presente desde el principio hasta el final. En este debut nos encontramos con letras que reflejan las inquietudes de los jóvenes como pueden ser la precariedad laboral o el futuro.

Con canciones directas y potentes en las que la duración media es de poco más de dos minutos, uno realmente siente que este es un disco que hay que escuchar desde el principio hasta el final. Pero también es cierto que hay algunas canciones que brillan con luz propia; una de ellas podría ser “Cup of Destiny” que es un tema que ya desde el comienzo empieza de una manera vertiginosa y nos deja un buen sólo al final del mismo. También mencionar “Some Mutts (Can’t Be Muzzled)” que perfectamente podría ser la tarjeta de visita del grupo, porque al escucharlo somos testigos de esa unión de la característica voz de Amy Taylor con las guitarras afiladas y esa batería machacona.

Pero sin duda la canción que más me ha llamado la atención de este primer lanzamiento discográfico de Amyl and the Sniffers es “Monsoon Rock”, un tema que fue con el que yo los descubrí el pasado viernes, y la verdad es que es una joya anacrónica que nos teletransporta a una época ya pasada. A decir verdad con cada nueva escucha me sorprendo nuevamente, tanto con la potencia vocal desplegada como con el trepidante ritmo de una canción que de verdad merece ser escuchada a todo volumen.

Y para finalizar, me gustaría recomendaros visitar el perfil del grupo en Bandcamp para todos los que estéis interesados en escuchar este álbum de una manera totalmente gratuita y sin anuncios. Amyl and The Sniffers es un grupo que ya han logrado dar el primer paso, pero si mantienen esta actitud y son fieles a su sonido podrán llegar a tener una carrera muy interesante; mientras tanto habrá que seguir escuchando este fantástico disco, que por lo de ahora tiene muchas papeletas para ser uno de los mejores de este 2019.

Can’t tell me no de Summer Cannibals

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Summer Cannibals actúan en la KEXP, 26 de Julio 2019.

Hoy me gustaría dedicarle un par de líneas a un nuevo descubrimiento musical, que me parece que no están recibiendo toda la atención que se merecen con la publicación de su cuarto álbum de estudio.

Formados en Portland, Summer Cannibals es un grupo de rock en el que destacan las potentes guitarras de Cassi Blum y Jessica Boudreaux (vocalista del grupo), y en donde la sección rítmica no se queda atrás gracias a la potente batería de Devon Shirley y el bajo de Ethan Butman. Como muchos os habréis dado cuenta, el nombre del grupo es un claro homenaje a la cantante de Chicago Patti Smith.

Este disco del que me gustaría hablar lleva por título “Can’t Tell Me No”, y a pesar de que aún no he tenido mucho tiempo de escucharlo, estoy prácticamente seguro de que es uno de los mejores discos del año, y sin ninguna duda mi favorito de este 2019. Publicado el veintiocho de Junio, este disco se compone de once temas de puro Rock and Roll.

Como decía anteriormente, Summer Cannibals es un descubrimiento muy reciente para mí, pero he de confesar que es muy fácil conectar con su música, y es que de verdad que sus temas tienen un sonido muy fresco y actual, pero sin perder ni un ápice de esa potencia y energía típica de los grupos de los noventa.

Una de las canciones que más me ha impresionado es “False anthem”, este tema que abre el disco podría funcionar perfectamente como tarjeta de presentación acerca de lo que nos iremos encontrando con el paso de las canciones, un grupo con las ideas claras y que saben tocar sus instrumentos. También muy interesante el tema que da nombre a este álbum, “Can’t tell me no” con un ritmo marcado por el bajo y en el que destacan para bien los coros del estribillo que se funden entre el riff de las guitarras.

Otro aspecto a reseñar son las letras, y es que detrás del sonido de esos amplificadores a la máxima potencia se encuentra un mensaje claro y contundente en el que Jessica Boudreaux quiere trasladar una sensación de seguridad y confianza a todos los que están escuchando este disco; un disco que se volvió a hacer desde cero, en el transcurso de 24 o 48 horas, tras no quedar satisfechas con el resultado de la primera grabación. En este apartado hay dos temas como son “Start breaking” y “Spin” que demuestran las buenas habilidades compositoras de Boudreaux.

Pero si tengo que quedarme con mis dos canciones favoritas de este maravilloso “Can’t tell me no”, elijo dos canciones que casualmente fueron las dos primeras que escuché de este grupo, la primera lleva por nombre “One of many” y la otra se titula “Behave”, y se da la casualidad que estas son las dos canciones más largas del disco, y de verdad que al escucharlas se hacen cortas. De la primera me encantan esas guitarras gemelas con las que empieza la canción, y que justamente volveremos a escuchar al final de la misma, una forma perfecta de empezar y poner fin a un tema que es realmente genial. Mientras que “Behave” es un mediotiempo que va ganando velocidad y aumentando el ritmo progresivamente hasta llegar al último estribillo.

Yo quiero decir que Summer Cannibals es un grupo que de verdad se merece mucha más atención, un grupo que está haciendo las cosas bien, con un gran futuro por delante. Pero sobretodo son capaces de hacer un gran álbum como es este “Can’t tell me no”, disco que hay que escuchar desde el principio hasta el final porque de verdad que está repleto de agradables sorpresas a modo de auténticos temazos.