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2018: un año redondo

Ahora que se acerca el final del año, es momento de echar la vista atrás, y con este top 8 repasamos esos discos que sin duda alguna han marcado el año de muchos y muchas amantes de la buena música.

8 – Simulation Theory de Muse.

He de reconocer que este es un álbum que no termina de convencerme, pero que cada vez que vuelvo a él me gusta un poco más y encuentro algo nuevo que no había apreciado anteriormente, en otras palabras este es un disco que gana con cada escucha.

En Simulation Theory nos encontramos un sonido más electrónico y futurista pero alejado de su predecesor; este álbum tiene canciones que, seguramente, aumentaran su peso especifico al ser tocadas sobre un escenario, mientras que hay otras que suenan realmente bien tal y como son.

Canciones destacadas: “Blockades”, “Algorithm” y “Preasure”.

7 – With Animals de Mark Lanegan en colaboración con Duke Garwood.

With Animals es la segunda colaboración entre Lanegan y Garwood, tras una primera en 2013 que dejaba como resultado un EP llamado “Black Pudding”, pero es gracias a este álbum que podemos comprobar que Lanegan aún tiene cuerda para rato, y es que en los últimos cinco años ha publicado un total de cinco álbumes de estudio además de haber realizado varias colaboraciones con diversos artistas.

Este nuevo álbum nos ofrece la faceta más acústica y pausada del músico originario de Seattle, y en ella la voz de Mark Lanegan brilla con luz propia acompañada de una simple guitarra; la voz es el elemento principal, y es a través de esta voz tan caracterizara que se va construyendo una atmósfera intimista y envolvente.

Mis canciones favoritas son: “One Way Glass” y “Upon Doing Something Wrong”.

6 – Firepower de Judas Priest.

Cuando en el mes de marzo por fin pudimos escuchar este nuevo cd de Judas Priest al completo, fuimos muchos los que nos sorprendimos de encontrarnos con el sonido clásico de la banda liderada por Rob Halford.

La verdad es que parece que con este Firepower los fans se hayan encontrado una autentica joya, en donde tanto la música, como la voz, y las letras forman un matrimonio muy bien avenido.

En este álbum los fans del Heavy Metal se encontraran con catorce temas que son un completo derroche de riffs de guitarras afiladas, durante una hora en la que ritmo no baja en ningún momento, y en esto tiene mucho merito Richie Faulkner quien tuvo que asumir más responsabilidades tras la enfermedad de Glenn Tipton.

Canciones a destacar de estos rejuvenecidos Judas Priest son: “Spectre”, “Rising From Ruins”, y “Lightning Strike”.

5 – Art of Doubt de Metric.

Este nuevo lanzamiento discográfico de los canadienses ha sido una de las agradables sorpresas del año, y es que tras tres años de sequía los de Toronto recuperan su sonido más potente para este séptimo álbum.

Grabado en su cuartel general, los Giant Studios, en este disco nos esperan doce temas, en los que la guitarra le va comiendo cada vez más terreno a los sintetizadores; pero no podemos negar que aún están presentes reminiscencias de su anterior álbum, “Pagans in Vegas”, pero siendo justos y objetivos lo primero que uno piensa al escuchar estas canciones es que estamos ante la continuación del aclamado “Fantasies” .

Dicho todo esto, es momento de mencionar cuatro canciones que brillan con luz propia: “Now or Never Now”, “Underline the Black”, “Dressed to Suppress”, y finalmente mi favorita “Risk”.

4 – Tranquility Base Hotel & Casino de Arctic Monkeys.

Me gustaría empezar diciendo que estoy totalmente convencido de que el cambio de sonido les ha sentado muy bien a los de Alex Turner, y además parece que con este nuevo rumbo han sido capaces de traer nuevos matices a su repertorio.

Otra cosa que debemos comentar es que este es un álbum que va ganando con cada escucha, y especialmente si se hace una escucha del álbum en su totalidad.

En ocasiones como esta en la que nos es difícil descifrar que canciones pueden ser consideradas como hits o singles, lo recomendable es dejarse llevar por la música y lo que el compositor nos ha querido transmitir en cada tema.

Teniendo en cuenta todo esto, he de decir que me es muy difícil seleccionar una canción que destaque más que otra, y es por ello que me gustaría poner el spotlight en la secuencia de las últimas cuatro canciones del álbum.

3 – Dream Wife de Dream wife.

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Que este sea un álbum homónimo nos da la primera pista sobre un grupo que para muchos, tal vez, sea un gran desconocido. Esa pista nos dice que estamos ante el debut discográfico de Dream Wife.

Dream Wife es un grupo nacido en la ciudad inglesa de Brighton, y que tiene una formación de power trio, en la que quien lleva la voz cantante es su vocalista Rakel Mjöll (nacida en Islandia), y en la que también destacan su bajista Bella Podpadec, y especialmente Alice Go a la guitarra.

Dream Wife se ha ganado un puesto en la parte noble de esta lista, gracias a una mezcla de la fuerza del punk rock de los setenta, con una vocalista que de verdad puede cantar en cualquier registro. Además de una letras llenas de ingenio y con mensaje, como se puede ver en el estribillo del tema “Somebody” que dice “I am not my body, I am somebody”.

Como, personalmente, considero que todas las canciones que vais a encontrar en este debut de Dream Wife son de 10, me gustaría recomendaros que busquéis sus dos actuaciones en la emisora de radio KEXP.

2 – High as Hope de Florence and the Machine.

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Uno de los nombre propios de este 2018 es el de Florence Welch, quien con su grupo Florence and the machine ha publicado High as Hope, su cuarto álbum de estudio, y uno de esos discos que aparecerán en todas las listas que repasan lo mejor del año.

Como no podía ser de otra manera, desde aquí le rendimos una incondicional pleitesía a la reina del pop británico, y también nos mostramos agradecidos de poder disfrutar de un disco tan completo y brillante como este.

Sin grandes revoluciones o excentricidades, la cantante londinense nos vuelve a sorprender con su capacidad compositora y su poderosa voz; sin olvidar la gran aportación de todos esos músicos que llenan de sentimiento cada nota que producen sus instrumentos, logrando así ese sonido tan inconfundible que es perfectamente reconocible con solo escuchar los primeros acordes de estos diez nuevos temas.

Para terminar me gustaría decir que High as Hope nos ofrece varios hits instantáneos, como pueden ser “Hunger” o “South London Forever”. Sin embargo, me parece que hay que poner el foco en tres canciones, que para mi funcionan como unidad indisoluble, me refiero a “Grace”, “Patricia” y “100 years”, que nos ofrecen la cara más intensa y emocional de Florence como compositora e interprete.

1 – Always Ascending de Franz Ferdinand.

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Publicado en el mes de Febrero, Always Ascending es uno de esos discos que es difícil de olvidar, y que se puede escuchar en cualquier momento y cual situación. Este es un álbum que nos ofrece la mejor versión de los escoceses, y eso siempre es motivo de celebración.

Si algo transmite este álbum es ese sentimiento de reivindicarse, y además de, en cierta manera, reinventarse tras la marcha de Nick McCarthy, lo que provoco que el grupo tuviera que hacer un par de cambios en su formación, incorporaciones como las de Julian Corrie y Dino Bardot que han traído aire fresco al proceso creativo del grupo y más dinamismo (si eso era posible) a sus actuaciones en directo.

Tras las turbulencias muchos podrían pensar que este álbum sería el final de la banda liderada por Alex Kapranos, pero la respuesta de Franz Ferdinand no podía ser más contundente, y con un álbum que recupera el sonido más cañero y potente que les dio a conocer en el año 2004.

Una cosa que me encanta de este disco es que ofrece una estructura muy bien definida, y que funciona perfectamente en un disco de vinilo; me refiero a que en cada cara podemos encontrar cinco de las diez canciones que forman parte del álbum, y de ellas las cuatro primeras de cada cara son canciones con más energía y más “festivaleras”, mientras que la quinta es un medio tiempo más lento.

Para finalizar, me gustaría decir que Franz Ferdinand no sólo se merecen el honor de estar en lo más alto de esta lista por su gran álbum; sino que además este Always Ascending es un disco que funciona muy bien en directo; y no podemos olvidarnos de ese aspecto artístico que los escoceses siempre introducen en sus videoclips, como por ejemplo “Glimpse of Love” o “Feel the Love Go”.

Son todos estos factores los que me han llevado a escoger Always Ascending como el mejor disco del año, un disco del que me gustaría seleccionar canciones como “Slow Don’t Kill Me Slow”, “Huck And Jim”, o “Finally” además de las dos anteriormente citadas.

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Pete Shelley in memoriam.

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Ante la triste noticia del repentino fallecimiento del líder y fundador del grupo británico Buzzcocks el pasado día 6 de Diciembre, me gustaría dedicarle un par de líneas en su honor.

Como muchos sabréis la música Punk es un estilo musical que fue muy popular durante la década de los setenta, tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos, y dos ciudades como Londres y Nueva York se convirtieron rápidamente en la meca de este movimiento cultural. Sin embargo en una pequeña ciudad del norte de Inglaterra, en una fría y empobrecida Manchester, empezó a desarrollarse una ferviente escena musical paralela de jóvenes músicos que terminaría por estallar a finales de los setenta y principios de los ochenta, de aquella escena salieron grupos inolvidables como Joy Division, el poeta John Cooper Clarke, o incluso The Smiths, pero también aparecieron  (desde la ciudad vecina de Bolton) unos sujetos especiales como eran Buzzcoks.

Los Buzzcocks eran especiales no sólo por sus letras que cantaban al amor no correspondido, o por su imagen siempre impecable, que se asemejaba más a la de los mods que a la de los punks. En los dos años, 1978 y 1979, publicaron tres discos que realmente son una maravilla, luego vendría una separación en los ochenta, y un digno regreso a los escenarios en los noventa, regreso que los consagró como uno de los mejores grupos en directo, pues a pesar de tener un repertorio que todo el mundo conocía de sobra, fueron capaces de ir incorporando nuevos temas con cada lanzamiento discográfico.

Como siempre repasar ahora 10 temas que me parecen imprescindibles de los Buzzcocks.

Boredom” es una de sus primeras canciones que aparece en “Spiral Scratch“, el EP que les dio a conocer, en esta primera grabación del grupo ya se pueden intuir ciertos sonidos tan típicos de la banda.

Autonomy” de su primer álbum, “Another Music in a Different Kitchen“, es un tema que es imposible pasar por alto, porque empieza con una potente batería que luego da paso a las guitarras afiladas de Diggle y Shelley. Comentar que este disco celebrará el próximo 25 de Enero, su cuarenta aniversario.

No Reply” es una de esas canciones que aborda el tema del amor no correspondido, y en ella se nos cuenta la historia del sufrimiento que esta situación le provoca a una persona que, sin éxito, intenta ponerse en contacto con su “love interest”.

What do I get?” esta canción que fue incluida en la remasterización de 1996 es una de las más populares de su repertorio, y era una canción que funcionaba muy bien en directo gracias en parte a esa gran camaradería entre el propio Pete y Steve Diggle, especialmente a la hora de hacer los coros.

Nostalgia” de su segundo álbum nos muestra a un grupo que no tenía miedo a explorar nuevos sonidos, e incluso a cambiar la estructura de sus composiciones. Esta es una canción de casi tres minutos y una letra más elaborada y profunda que las de su primer álbum.

Love is lies” firmada por Steve Diggle es una bonita canción sobre el amor, que sólo podía aparecer en un disco de un grupo con tantas y diferentes influencias como estos Buzzcocks.

Ever Fallen in Love (With Someone You Shouldn’t’ve)” esta es probablemente su canción más conocida, se podría decir que es universalmente conocida gracias al cine y la televisión; pero esto no es algo que le reste merito, ya que estamos ante uno de esos temazos que podría estar al nivel de otros himnos del Punk como son “Blitzkrieg Bop” de los Ramones, “London Calling” de los Clash o “God Save The Queen” de los Sex Pistols, y eso son palabras mayores.

Hollow Inside” de su tercer álbum, es uno de esos temas que guarda más similitud con el sonido post-punk que con el que podíamos escuchar en los primeros lanzamientos de la banda, me refiero especialmente a ese bajo machacón y la atmósfera creada por los ritmos de la batería, y un riff de guitarra que va y viene a lo largo de los casi cinco minutos de canción.

God, What Have I Done” tema correspondiente a su octavo álbum de estudio, publicado en 2006, y del que podríamos decir que es una declaración de intenciones para rescatar ese sonido de los setenta, pero incluso más potente y dominado principalmente por la guitarras, este álbum mostraba un grupo en plana forma listo para el nuevo milenio.

Y para finalizar, nada mejor que el tema que abría el último trabajo discográfico de los Buzzcocks “The Way“, este tema firmado por Pete Shelley lleva por nombre “Keep on believing”, y eso es exactamente lo que vamos a hacer aquí, seguir creyendo y apostando por la música de calidad y los grupos que como los Buzzcocks tenían algo que decir.

También me gustaría compartir dos artículos muy interesantes que he encontrado en el periódico ingles The Guardian:

Uno de ellos firmado por Suzanne Moore,

y el otro correspondiente a Alexis Petridis.

 

Queen en 10 canciones

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Ahora que todo el mundo está hablando sobre la película “Bohemian Rhapsody”, que repasa la carrera musical de la banda liderada por Freddie Mercury; me parece que es una oportunidad perfecta para repasar esas canciones de Queen que han sido parte de la banda sonora de muchos jóvenes, y no tan jóvenes, a lo largo de los años.

  1. Empezamos con una de esas primeras canciones que fue originalmente incluida como versión instrumental en el primer álbum de Queen, pero que no fue hasta su segundo lanzamiento “Queen II” en la que pudimos escuchar su letra, me refiero a “Seven Seas of Rhye”, una de las canciones más populares de su primera etapa en la primera mitad de la década de los setenta.
  2. In the Lap of the Gods… Revisited” canción que sirve como cierre de su tercer álbum “Sheer Heart Attack”,y tengo que decir que esta me parece que era, sin duda alguna, la mejor forma posible de poner el punto final a un disco que para mi es uno de los mejores de Queen. Además de ser el disco en el que podemos apreciar con total nitidez toda la grandiosidad que le grupo alcanzaría solo un par de meses más tarde.
  3. En efecto, sólo un año separa el tercer disco de los londinenses del celebradísimo “A Night at the Opera”, doce meses en los que el grupo supo dar rienda suelta a todo su genio compositivo, para regalarle al público uno de los álbumes más icónicos de la historia de la música rock. De este disco uno puede seleccionar, fácilmente, ocho temas que son todos una maravilla musical, como por ejemplo “Love Of My Life” o “Bohemian Rhapsody”. Pero yo me quedo con “Death on Two Legs”, de este tema destacan tanto los coros como la guitarra de Brian May.
  4. Tie Your Mother Down” es un buen ejemplo para demostrar lo importante que es tener un grupo con una buena dinámica guitarrista-cantante, en la que estos se complementan, mientras que la sección rítmica va creando los cimientos de la canción.
  5. Obviamente, no podemos hacer una lista de canciones de Queen en la que no haya una canción que nos permita deleitarnos con el poderío vocal de Freddie, y es que una voz tan espectacular podía convertir las canciones más normales en algo especial, y esto se refleja en temas como “Let Me Entertain You”, pero especialmente en la versión que aparece en el álbum “Rock Montreal”.
  6. Another One Bites the Dust” es la canción que me convenció al cien por cien de que John Deacon era uno de los mejores compositores del grupo, o tal vez el mejor de ellos; y es que esta es una de esas canciones que a pesar de ser un éxito que marcó una época, a día de hoy sigue vigente sonando con la misma fuerza, y es que  realmente tiene un sonido que nunca pasará de moda.
  7. Alguien me dijo una vez que “Under Pressure” era el mejor dueto que había escuchado en su vida, así que yo sólo voy a añadir que esta canción lo tiene todo, pero sobre todo tiene la mejor unión vocal de la historia de la música inglesa gracias a Bowie y Mercury.
  8. Otro álbum muy popular es “The Works”, y es que es un disco lleno de autenticas joyas como “I Want to Break Free” o “Hammer to fall”, pero nuevamente miramos hacia una canción “menos conocida”, y me quedo con “Is This the World We Created…?”, una preciosa balada compuesta por May y Freddie en la que nos lanzan una pregunta para reflexionar y pensar.
  9. The Invisible Man”, tema que está en esta selección por su videoclip, y porque al verlo uno piensa que realmente ha viajado de vuelta a los años ochenta. Además no podía excluir un tema compuesto por Roger Taylor, y en el que se nombra a todos los componentes del grupo.
  10. Para finalizar, he decidido seleccionar una canción del disco “Inuendo” el último que se publicó estando Freddie Mercury vivo, y es por ello que voy a seleccionar un tema que el propio Freddie compuso en honor a uno de sus gatos; sí, me refiero a “Delilah”, que además es una canción que suena muy bien.

Bueno estas son las diez canciones que me gustaría resaltar de la carrera discográfica de Queen, un grupo al que le tengo un gran cariño y mucha admiración, a pesar de que ya no los escucho con tanta frecuencia. Sobre la película me gustaría decir que me ha encantado, y que me gustaría también dedicarle unas líneas en una entrada propia.

 

Muse en 7 canciones

Teniendo en cuenta que este próximo nueve de Noviembre Muse publica su nuevo y esperado álbum de estudio, Simulation Theory, el octavo de su carrera sin contar con dos álbumes en directo. Es por ello que he decidido repasar la carrera del grupo de Devon, y celebrarlo con una pequeñas lista de siete de sus mejores canciones, una por cada álbum ya publicado, y para ello intentaré huir de sus canciones más famosas, porque me parece que muchas veces estas eclipsan a otras que son realmente buenas.

  • De su primer álbum, Showbiz (1999), me quedo con Overdue. Overdue es una de las ultimas canciones del disco, que no llega a los dos minutos y medio: pero aún así me parece la perfecta para escuchar y que nos sirva como carta de presentación del sonido de la banda durante sus primeros años, o lo que es lo mismo esa gran combinación entre el piano y las distorsiones de la guitarra de Matt Bellamy.
  • De su segundo disco, Origin of Symmetry (2001), Darkshines, donde el protagonismo recae exclusivamente en una pegadiza sección rítmica, que nos deja ver la gran compenetración que hay entre Chris Wolstenholme (bajo) y Dominic Howard (batería), también al final nos encontramos con uno de los mejores solos de guitarra de la primera etapa de Muse.
  • De su tercer álbum, Absolution (2003), me quedo con Butterflies and Hurricanes. Esta canción que fue el sexto single, de un álbum que les ayudo a dar el salto definitivo en su carrera y convertirse en el grupo que son ahora, nos demuestra lo que hace que Muse sea un grupo tan especial y diferente, me refiero a sus letras.
  • De su cuarto trabajo discográfico, Black Holes and Revelations (2006). En álbum repleto de temazos, me gustaría mencionar una canción que tal vez pueda pasar desapercibida, a pesar de que se trata de la primera pista del disco; me refiero a Take a Bow, que es una canción que nos deja un claro mensaje de las preocupaciones de Matt Bellamy.
  • Del quinto disco, Resistance (2009), me gustaría seleccionar Guiding Light. Al igual que ocurre con la mayoría de las canciones de este disco, en este tema podemos observar la madurez del grupo, en lo que parece una más que correcta asimilación del éxito, y el crecimiento del grupo año a año. Por cierto, recuerdo que esta canción la tocaron en directo la ultima vez que visitaron Galicia, y sonaba muy bien, con esa línea de bajo tan potente, y el solo en el medio de la canción que es una clara demostración de virtuosismo.
  • Del sexto, The 2nd Law (2012), me quedo con el precioso mensaje que transmite Follow me. Esta canción que compuso Matt Bellamy, tras el nacimiento de su primer hijo, es una preciosa balada que nos transmite un mensaje positivo sobre como afrontar los problemas que podamos ir encontrando a lo largo de nuestra vida. En el plano musical podemos encontrar sonidos más electrónicos, algo que se repetirá en varias canciones del álbum, pero que de ninguna manera deslucen este tema.
  • Del séptimo álbum, Drones (2015), tenemos dos canciones que yo siempre las he considerado como una única pieza indisoluble, me refiero a The Globalist y Drones. El tema que se trata en esta canción es la deshumanización de la sociedad moderna, además de ser un alegato en contra del uso de drones en misiones militares. The Globalist son diez minutos de canción, en la que tenemos todos los elementos que han construido la carrera musical de Muse al servicio de la historia que nos cuentan los de Teignmouth. Un viaje emocional e instrumental realmente exquisito.
  • Y como bonus track, y para poner el broche de oro a esta selección tan personal, finalizamos con uno de los temas que el grupo ha adelantado para promocionar este nuevo disco llamado Simulation Theory, ese tema es Preassure, y en él el trío británico han contado con la colaboración de la banda musical de la UCLA.

Música para la lectura (2ª Parte)

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Hace ya varios meses que publiqué una entrada muy similar a esta que estoy escribiendo ahora, pero en aquellas primeras recomendaciones se citaban compositores o intérpretes de música clásica, y también se comentaban los beneficios de leer con algo de música sonando de fondo.

Es por ello que ahora me gustaría hacer una nueva serie de recomendaciones, pero en esta ocasión relacionadas con la Música folk, y más específicamente con ese folk de origen celta, una música que une y hermana a las siete Naciones Celtas en una armonía marcada por el sonido de las gaitas y los violines.

Para esta selección, obviamente, he intentado excluir toda esa música que no es puramente instrumental, pues me parece que es mucho mejor para la lectura el poder deleitarse con los sonidos de los instrumentos sin ninguna interrupción que nos pueda distraer de las páginas de nuestro libro.

Empezamos con toda esa música procedente de Gran Bretaña (Escocia, La Isla de Man, País de Gales y Cornualles) e Irlanda; y como no podía de ser de otra manera la primera recomendación tiene que ser la de la mítica banda irlandesa The Chieftains, el tema seleccionado lleva por título “O’Sullivan’s March”. Tampoco podían faltar Mànran, o lo que es lo mismo, uno de los grupos más destacados de la nueva generación de la música folclórica Escocesa, de ellos recomiendo una canción de su segundo álbum que se llama “Jigs”. También de Escocia nos llegan la Scott Wood Band y su “Sheep Running about”.

Desde la Bretaña Francesa viene Alan Stivell, uno de los más admirados arpistas de la región que nos deleita con esta pieza “Tri Nan Og”. También me gustaría mencionar al talentoso violinista Christian Lemaitre y su canción “Gwerz Ar Vezhinerien”.

Obviamente si hay alguna región que conozco como la palma de mi mano esa es Galicia, y es popularmente conocido por todos que en cada pueblo o aldea hay al menos una agrupación de música tradicional, ya sea de pandereteiras, gaiteros, cantareiras o de baile tradicional. También es cierto que este tipo de música sigue siendo muy popular, ya que nos conecta con el resto de Naciones Celtas y nuestros orígenes. Nuestro embajador para el mundo es Carlos Nuñez, probablemente el gallego vivo más internacional, un gaitero excepcional que se recorre el mundo dando recitales en los más prestigiosos teatros y auditorios, suya es esta “The Flight of the Earls”. Pero si lo que buscáis es algo más tradicional, lo que tenéis que escuchar es esta “Muiñeira do Areal” de Milladoiro, grupo formado a finales de los setenta y que resume a la perfección lo que todo grupo de música folk debería de ser, con sus siete integrantes que tocan desde la gaita, hasta el violín, pasando por el oboe o el acordeón.

Y para finalizar he seleccionado un tema de un grupo polaco titulado “The Sea of Irish Dream”, y es que lo integrantes de esta banda bien podrían hacerse pasar por irlandeses o galeses, con su música preciosa y llena de sentimiento. El nombre del grupo es Beltaine; nombre asociado a una de las fechas más importantes del calendario Celta ya que marcaba el comienzo de la temporada del verano pastoral.

10 Canciones Indie de Principios del Siglo XXI

Esta es una pequeña recopilación de diez canciones de principios del siglo XXI, o lo que es lo mismo la primera década (del 2000, al 2009), en la que he seleccionado esos diez temas que aún a día de hoy sigo escuchando y me parece que merece la pena revisitarlos de vez en cuando.

Para mí esa fue la década en la que empecé a comprar CD’s y revistas especializadas, y recuerdo esos años como un descubrimiento continuo de nuevos grupos y sonidos gracias a revistas como la Rolling Stone, y especialmente a un canal de televisión llamado Fly Music. También guardo un grato recuerdo de las retransmisiones de aquella época del Festival Internacional de Benicasim, retransmisiones que me acercaron a Radio 3 de Radio Nacional.

Centrándonos en el asunto que nos ocupa, he de decir que esta lista está compuesta por grupos que marcaron aquella primera década del Siglo XXI, pero me he tomado la licencia de excluir a varios grupos (algunos de los más populares y conocidos) que tal vez se merezcan una entrada propia, pero eso ya lo iremos resolviendo en el futuro.

  • Empezamos con “Execution Day” del supergrupo indie canadiense The New Pornographers. Este es uno de los temas que forman parte de su álbum de debut que lleva por nombre “Mass Romantic”, y que sin ninguna duda es uno de sus mejores trabajos discográficos y uno de los mejores álbumes del año 2000.
  • Y no dejamos el frio, porque ahora nos trasladamos a las tierras nórdicas de Suecia, más concretamente a Fagersta (la ciudad natal del grupo The Hives); pero no os preocupéis que con este “Walk Idiot Walk” no vais a pasar nada de frio, y es que las canciones de estos suecos tienen toda esa energía y potencia del Garage de los sesenta.
  • Más reflexiva y pausada es esta “A Time to be Small” que aparecía en el segundo álbum de los neoyorkinos Interpol. Si tenemos en cuenta que este tema compuesto por Paul Banks es el que cierra el álbum, nos podemos imaginar que este Antics es una auténtica joyita llena de temazos.
  • También desde la ciudad que nunca duerme tenemos al dúo formado por Nancy Whang y James Murphy que con sus sintetizadores, teclados y demás distorsiones pusieron a todo el mundo a bailar con un disco que llevaba por nombre el de uno de los proyectos más rompedores de aquel 2005, me refiero a LCD Soundsystem y su disco de debut en el que podemos encontrar este “Daft Punk Is Playing at My House”.
  • Dejando de lado todo ese glamur de la gran manzana, volvemos al viejo continente para hacer una parada rápida en una de las ciudades inglesas con más tradición musical, Sheffield, pero en esta ocasión no os voy a hablar de los Arctic Monkeys, ni siquiera de Jarvis Cocker. El grupo del que hoy os vengo hablar es tan bueno como desconocido, se llaman The Long Blondes y su canción era “Giddy Stratospheres”.
  • Como estamos comprobando la década de los ceros estuvo marcada por la aparición de muchas y diferentes bandas; pero de entre todos aquellos músicos, fue uno el que más titulares acaparó durante aquellos años, y muchas veces fue debido a sus excesos y a los escándalos que protagonizó nuestro siguiente protagonista. Estoy hablando, del querido y admirado por muchos, Peter Daniell Doherty, una de esas personas que tal vez no se merezca la vida que le ha tocado vivir, pues realmente pienso que es uno de los compositores más talentosos de su generación, y un cantante excepcional, como demuestra este “Delivery” que sirvió para promocionar el segundo álbum de los Babyshambles.
  • Maximo Park y su “Books from Boxes” es otro de esos temas que mejor reflejan el resurgir de la música pop en el Reino Unido. Sus canciones sin mayores pretensiones que las de reflejar las preocupaciones del día a día, son directas y van ganando con las escuchas. El dato curioso que rodea a los de Newcastle es que su líder, Paul Smith, ejerció como profesor de arte en el Stockton Riverside College.
  • Otro grupo inglés que apareció por aquellos años fue Editors, siempre comparados con Joy Division, supieron encontrar su sonido en un segundo disco que encierra temas muy festivaleros como este “The Racing Rats”.
  • Con un sonido más potente y oscuro, un grupo como The Kills aprovechó el final de la década para conquistar esa fama que se les resistía, especialmente tras haber publicado dos álbumes de estudio que habían pasado casi desapercibidos tanto para la crítica como para el público. Este “URA Fever” es un temazo en el que brillan tanto los riffs de guitarra de Jamie Hince, como la voz llena de matices de Alison Mosshart.
  • Y para terminar viajamos hasta la capital francesa, en donde no nació pero se crio Charlotte Gainsbourg. La francesa es una de esas artistas multidisciplinares, que parece que en vez de correr sangre por sus venas tuviera talento circulando por su aparato circulatorio, y esto es algo que le viene tanto de parte de padre (el cantautor Serge Gainsbourg) como de madre (la actriz Jane Birkin). En lo referente a su contribución a la música, podemos decir que su tercer álbum, IRM, publicado en 2009 bajo la producción de Beck, le permitió encontrar un sonido más internacional y moderno en el que destacan canciones como esta “Le Chat du Café des Artistes”.

Los Sonics en 10 canciones

The Sonics

The Sonics son uno de esos grupos que tal vez pasen desapercibidos para la mayoría de la gente; pero quien los conoce, los ama incondicionalmente, y es que podría decirse que esa energía y pasión que estos músicos de Tacoma (Washington) ponen en su música es de sobra compensada por unos fans leales y entregados al espíritu del Rock and Roll, que con tanto esmero ha cultivado este grupo durante los sesenta y ocho años que llevan en activo.

The Sonics son un grupo atípico, una larga carrera basada en la carretera y los conciertos, en la que la calidad de sus primeras grabaciones discográficas sirvió no solo para darles fama, sino que además supuso una fuente de inspiración para las futuras generaciones que vinieron posteriormente, por ejemplo en la música Punk y Garage de los setenta y el Grunge de los noventa (por proximidad geográfica).

Este legendario grupo liderado por el teclista y cantante Gerry Roslie debe su éxito a sus tres primeros álbumes publicadps en la segunda mitad de la década de los sesenta: Here Are The Sonics (1965), Boom (1966) e Introducing the Sonics (1967). Aunque posteriormente editarían dos nuevos discos de estudio como son Sindellera (1980) y más recientemente This is the Sonics (2015).

  1. The Witch. No se me ocurre mejor manera de empezar esta lista que con el tema inaugural del álbum de debut de los Sonics, The Witch fue además su primer single, y es una de sus canciones más populares.
  2. Cinderella. Ya de su segundo LP, es un tema que se podría decir que gana en directo, donde este grupo puede demostrar todo su potencial.
  3. I Don’t Need No Doctor. Fue publicada en el año 2015 para promocionar la vuelta de los Sonics con su quinto álbum de estudio.
  4. Boss Hoss. Esta es na de esas canciones que condesa todo el espíritu de los Sonics en apenas dos minutos y veinticuatro segundos.
  5. Money. Esta versión del mítico tema de Berry Gordy y Janie Bradford cobra una nueva vida con esta exquisita interpretación de los de Tacoma.
  6. The Hard Way. Y seguimos con otra versión, pero en esta ocasión con una de los Kinks, pero eso sí con un toque más punk y acelerado.
  7. Keep A Knockin’. A pesar de que originalmente este tema era la cara B de su primer single, el anteriormente mencionado “The Witch”, esta es una canción que merece mucho la pena.
  8. He’s Waiting. Riffs de guitarra pegadizos, bacteria machacona y unos estribillos fáciles de recordar son lo que nos encontraremos en las canciones de los Sonics.
  9. Have Love Will Travel. Otra versión de la que los Sonics se han adueñado, es la de este tema de Richard Berry, en la que destaca el potente saxofón de Rob Lind (miembro fundador del grupo).
  10. Psycho. Y que mejor forma de poner el punto final que con el tema más iconoco de los Sonics, este Psyco que firma Gerry Roslie y podemos decir sin ninguna duda de que es la perfecta carta de presentación de este grupo.

High as Hope, lo nuevo de Florence + the Machine

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Tras escuchar varias veces el nuevo disco de Florence and the Machine, podemos afirmar que la inglesa ha vuelto mejor que nunca o quizás nunca se haya ido. Este nuevo trabajo discográfico que lleva por nombre “High as Hopes” supone su cuarto lanzamiento en nueve años, aunque para esta cuarta entrega hemos tenido que esperar algo más de tres años.

Aunque a decir verdad dicha espera ha merecido la pena, pues en las apenas diez canciones que forman parte de este nuevo álbum podemos ver a una Florence más completa y madura artísticamente, algunos incluso dirían que más reflexiva tanto en sus letras como en sus melodías.

Muchos critican que con el paso de los discos Florence and the Machine ha ido perdiendo la frescura que caracterizaba sus dos primeros lanzamientos, pero en mi humilde opinión lo que ha pasado es que estas nuevas canciones han ganado en intensidad, y es cierto que en muchas de ellas podemos apreciar esos estribillos pegadizos que también le han funcionado a la londinense.

Además con cada escucha que pasa me voy convenciendo más y más de que este es el disco de la consagración definitiva de Florence Welch como una de las voces con mayor personalidad de la escena Pop actual, una voz llena de matices como se puede apreciar en canciones como “South London Forever” o la poderosa “Big God”.

Otra cosa que siempre aprecio cuando escucho los discos de Florence and the Machine es que hay grupo de canciones que comparten un tema o una melodía dando la impresión de que se trata de una unión de varias canciones que en realidad es una sola, algo así como una especie de viaje musical con varias paradas. Este me ha ocurrido con las canciones “Grace”, “Patricia” y “100 Years”.

Al igual que me han impresionado para bien ese grupo de canciones, también lo han hecho las dos primeras canciones que abren el disco, tanto “June” como el single “Hunger” son una más que perfecta carta de presentación para un álbum en el que nos encontraremos tanto canciones potentes como más reposadas, y que sirva como ejemplo la propia “June” pues es una canción que aúna a la perfección esta característica.

En definitiva este “High as Hopes” es un disco que nos lleva a reencontrarnos con una Florence que sigue subiendo peldaños en una carrera más que prometedora, y siempre en la dirección correcta. Un éxito más que merecido que además se ha trasladado a las listas de éxitos con una buena acogida tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido. Además comentar que siguiendo al lanzamiento de este cuarto disco, Florence Welch ha publicado su primer libro “Useless Magic”.

O Son do Camiño, el festival del verano Gallego

La entrada que tengo prevista para hoy es una de esas que me hace mucha ilusión poder escribir, pues en definitiva se trata de la culminación de un pequeño sueño personal, y aunque parezca una pequeñez y una trivialidad he de confesar que el poder ver actuar en directo a unos artistas como Franz Ferdinand es un sueño hecho realidad.

Para ponernos en situación, hoy (Jueves 28 de Junio) empieza el primer gran festival del verano Gallego, y tal vez viendo el cartel lleno de grupos internacionales podríamos decir que esta es una de las grandes citas festivaleras del panorama nacional, estoy hablando del Festival O Son Do Camiño que se celebra esta semana en la ciudad de Santiago de Compostela, más concretamente en O Monte do Gozo.

Como buen amante a la música he de confesar que desde el día en que empeazaron a salir noticas de que se estaba organizando este evento musical, en mi interior empezaba a crecer la certeza de que yo estaría allí disfrutando de esos grupos que tanto me gustan.

Sin embargo cuando pusieron los abonos a la venta, me quede sin la posibilidad de conseguir uno, debido a la gran demanda. Se avecinaba el desastre y la desolación para mí, pero pasadas unas semanas la organización decidió poner a la venta las entradas sueltas para cada día del festival, y fue así como tras mucho pensarlo me pude hacer con unas entradas para el primer día del festival.

Con mucha ilusión pude comprobar que el primer día tendría la oportunidad de ver a mis queridos Franz Ferdinand, grupo que descubrí en 2004, y que forma parte de mis grupos de cabecera y de los que me gusta escuchar a todas horas.

También me hace especial ilusión el volver a ver a dos grupos gallegos que me parecen muy interesantes y con un sonido genial como son Triángulo de Amor Bizarro esta será mi segunda vez viendo a los coruñeses, o Bala el duo de moda en la escena del rock independiente gallego, y también Agoraphobia un cuarteto femenino de Boiro que ya he visto en dos ocasiones.

Y el broche final este jueves lo pondrán The Killers, en su primera actuación en la ciudad del Apóstol. Ciertamente he de decir que también tengo muchas ganas de ver a los de Brandon Flowers, pues considero que son unos grandes artistas con un directo muy potente que seguro me va a encantar.

Bueno esto ha sido todo por mi parte, ahora estamos en ruta hacia una de las ciudades más bonitas de España, Santiago de Compostela, ciudad que os recomiendo visitar a todos y todas especialmente este próximo 25 de Julio.

LUMP, el nuevo proyecto de Laura Marling

 

Llevaba ya varios días pensando en que sería una buena idea compartir mis reflexiones acerca de este nuevo proyecto musical de Laura Marling, un proyecto que marca claramente una línea totalmente diferente a todo lo que anteriormente había grabado la joven cantautora inglesa. Este LUMP es el séptimo trabajo discográfico de la jovencísima intérprete nacida en Berkshire y eso que sólo tiene 28 años.

Tengo que decir que lo que definitivamente me ha empujado a escribir esta entrada ha sido la poca cobertura que he visto de este nuevo álbum tanto en la prensa escrita como en Internet, y es por ello, y porque me parece que Marling es uno de los nombre propios de su generación que he decidido dedicarle un poco de mi tiempo a escuchar este disco.

Ya desde la primera canción nos cuenta de que en este álbum nos encontramos el lado más experimental y creativo de Marling, innovando tanto en su sonido como en las influencias que han marcado este disco, y gran parte de este cambio de aires se puede atribuir a la otra parte de este proyecto, el productor y compositor Mike Lindsay.

Juntos Lindsay y Marling han creado un sonido más actual que se acerca más a esas influencias Norte Americanas de los grupos independientes y con reminiscencias electrónicas en algunos temas, en definitiva un paso adelante en la carrera de estos dos músicos, pero un paso en la buena dirección.

Sobre las canciones he de decir que son un total de seis para un disco de algo más de media hora, si contamos la última pista del álbum que en realidad corresponde a los títulos de crédito del mismo. A pesar de ser un disco con tan pocas canciones podemos ver que hay dos partes bien diferenciadas, que serían las cuatro primeras canciones que se podría decir que con algo así como más “tradicionales” y las dos últimas “Hand Hold Hero” y “Shake your shelter” que corresponde a esas canciones con ese toque electrónico de los sintetizadores y las distorsiones tanto de la voz como del sonido.

Personalmente la canción que más me ha gustado ha sido “Curse of the Contemporary” que es la canción que tiene una estructura más convencional, y además cuenta con unos estribillos muy pegadizos. En ella la voz de Marling se funde con los punteos de guitarra de Lindsay, acordes que vienen y van, para así darle un toque bohemio y relajado a esta canción que como ya he dicho me parece realmente buena.