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Can’t tell me no de Summer Cannibals

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Summer Cannibals actúan en la KEXP, 26 de Julio 2019.

Hoy me gustaría dedicarle un par de líneas a un nuevo descubrimiento musical, que me parece que no están recibiendo toda la atención que se merecen con la publicación de su cuarto álbum de estudio.

Formados en Portland, Summer Cannibals es un grupo de rock en el que destacan las potentes guitarras de Cassi Blum y Jessica Boudreaux (vocalista del grupo), y en donde la sección rítmica no se queda atrás gracias a la potente batería de Devon Shirley y el bajo de Ethan Butman. Como muchos os habréis dado cuenta, el nombre del grupo es un claro homenaje a la cantante de Chicago Patti Smith.

Este disco del que me gustaría hablar lleva por título “Can’t Tell Me No”, y a pesar de que aún no he tenido mucho tiempo de escucharlo, estoy prácticamente seguro de que es uno de los mejores discos del año, y sin ninguna duda mi favorito de este 2019. Publicado el veintiocho de Junio, este disco se compone de once temas de puro Rock and Roll.

Como decía anteriormente, Summer Cannibals es un descubrimiento muy reciente para mí, pero he de confesar que es muy fácil conectar con su música, y es que de verdad que sus temas tienen un sonido muy fresco y actual, pero sin perder ni un ápice de esa potencia y energía típica de los grupos de los noventa.

Una de las canciones que más me ha impresionado es “False anthem”, este tema que abre el disco podría funcionar perfectamente como tarjeta de presentación acerca de lo que nos iremos encontrando con el paso de las canciones, un grupo con las ideas claras y que saben tocar sus instrumentos. También muy interesante el tema que da nombre a este álbum, “Can’t tell me no” con un ritmo marcado por el bajo y en el que destacan para bien los coros del estribillo que se funden entre el riff de las guitarras.

Otro aspecto a reseñar son las letras, y es que detrás del sonido de esos amplificadores a la máxima potencia se encuentra un mensaje claro y contundente en el que Jessica Boudreaux quiere trasladar una sensación de seguridad y confianza a todos los que están escuchando este disco; un disco que se volvió a hacer desde cero, en el transcurso de 24 o 48 horas, tras no quedar satisfechas con el resultado de la primera grabación. En este apartado hay dos temas como son “Start breaking” y “Spin” que demuestran las buenas habilidades compositoras de Boudreaux.

Pero si tengo que quedarme con mis dos canciones favoritas de este maravilloso “Can’t tell me no”, elijo dos canciones que casualmente fueron las dos primeras que escuché de este grupo, la primera lleva por nombre “One of many” y la otra se titula “Behave”, y se da la casualidad que estas son las dos canciones más largas del disco, y de verdad que al escucharlas se hacen cortas. De la primera me encantan esas guitarras gemelas con las que empieza la canción, y que justamente volveremos a escuchar al final de la misma, una forma perfecta de empezar y poner fin a un tema que es realmente genial. Mientras que “Behave” es un mediotiempo que va ganando velocidad y aumentando el ritmo progresivamente hasta llegar al último estribillo.

Yo quiero decir que Summer Cannibals es un grupo que de verdad se merece mucha más atención, un grupo que está haciendo las cosas bien, con un gran futuro por delante. Pero sobretodo son capaces de hacer un gran álbum como es este “Can’t tell me no”, disco que hay que escuchar desde el principio hasta el final porque de verdad que está repleto de agradables sorpresas a modo de auténticos temazos.

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España, país de BA-LON-CES-TO

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Antes de nada me gustaría decir que de las treinta y dos selecciones que tomaron parte de esta Copa del mundo de Baloncesto Masculino disputado en China, sólo dos has sido las que han sido capaces de emocionarme con su juego, y justamente esas dos han sido Argentina y España, y es que se podría decir que fueron los países que mejor baloncesto jugaron durante el campeonato. Teniendo todo esto en cuenta decir que Argentina ha sido justa finalista y han logrado una medalla de mucho mérito. Es por ello que en esta ocasión me parece un error de la FIBA el no haber incluido a nada más que a un jugador argentino en el quinteto ideal del torneo, especialmente teniendo en cuenta que este país derrotó de una manera muy clara tanto a Serbia como Francia, quienes sí fueron capaces de colocar a un jugador para reconocimiento.

Empezando por la final yo diría que la veteranía y la experiencia han sido la clave de esta final en la que España siempre fue por delante en el marcador, y en la que tampoco pasó muchos apuros para asegurarse su segundo Trofeo Naismith (2006 y 2019). Con un baloncesto solidario y grupal, España fue capaz de dominar todas las fases del juego, empezando en la defensa a Campazzo y Scola, y también en ataque con 6 jugadores consiguiendo dobles dígitos en anotación. No podemos negar que los campeonatos organizados por países del lejano oriente le traen bastante buena suerte al equipo español.

El mejor jugador de la final fue un Ricky Rubio, quien también repitió premio al mejor jugador del torneo; y la verdad tengo que decir que me parecen dos decisiones muy justas. Rubio fue el mejor de la final, y es algo que demuestran unos números que son realmente para enmarcar con 20 puntos (sólo Gabriel Deck anotó más que él -24 pnts-), 7 rebotes, 3 asistencias y 22 de valoración (sólo Marc Gasol valoró más que Ricky -27 de valoración-). Además es innegable la gran contribución del actual base de los Phoenix Suns, no sólo en anotación, sino que también en liderazgo, y siendo el faro del equipo en los momentos más complicados de los partidos de la selección, demostrando porque fue escogido con el número 5 en el Draft de 2009.

Otro jugador del que también hay que hablar es Marc Gasol, y su 2019 con el título de Campeón de la NBA y su segundo mundial. El mediano de los Gasol, que en esta temporada se ha ido a más de ciento diez partidos disputados, ha tenido una presencia muy importante con la selección española; pero quizás en esta ocasión podría decirse que fue realmente salvador en el partido de semifinales contra Australia en el que anotó la friolera de treinta y tres puntos para ganar a un rival que exigió el máximo esfuerzo para los de Sergio Scariolo.

Pero a lo largo de este campeonato has sido muchos los jugadores que han brillado con luz propia. Empezando con Juancho y Willy Hernangómez Geuer, los hermanos han demostrado que por sus venas corre baloncesto (por parte de padre y madre), y han logrado algo antes impensable en el baloncesto español, ya que los dos hermanos han logrado anotar 11 puntos cada uno en la final de un mundial (recordemos que Pau no pudo jugar la final de Japón). También Victor Claver, el valenciano que ha recibido muchas “críticas” en la redes sociales, comentarios negativos que no reflejan para nada ni la carrera ni el carácter de un jugador que se fue muy joven para la NBA y que ya lleva varias temporadas jugando en el Barcelona (uno de los mejores equipos de Liga Endesa, y uno de los grandes de Europa). Un Sergio Llull que ha ido creciendo con el transcurrir del campeonato, y ha estado totalmente desatado en ataque durante esta semana final. Y también Pau Rivas y Oriola que han sumado siempre en positivo saliendo desde el banquillo.

Ya por último me gustaría hacer una mención especial para Rudy Fernández, probablemente mi jugador español favorito, y el capitán que ha tenido el privilegio de poder levantar esta deseada copa en Pekín. Hablar de Rudy es hablar de un jugador que lidera desde el ejemplo y su compromiso, pero si analizamos su juego hemos de decir que Rudy siempre está en esos momentos más complicados (en los grandes partidos), pero también es capaz de ponerse el traje de faena y defender a un contrario sin ni siquiera mirar a la pelota. Pero Rudy es algo más que ese 3&D que dicen los americanos, es cierto que sus triples fueron muy importantes contra Polonia (cinco de cinco intentos), pero Rudy ha demostrado serenidad en los momentos claves del campeonato, y fue capaz de terminar varios encuentros con cuatro faltas y sin ser expulsado. Fernández es junto a Marc Gasol el único jugador español que puede presumir de ser dos veces campeón del mundo, y de verdad que me alegra ver como esta mezcla de veteranía y juventud le ha traído éxitos al baloncesto español.

Para ir concluyendo, remarcar mi disconformidad con el quinteto ideal de la FIBA, yo hubiera elegido uno con: Ricky Rubio y el Facu Campazzo de playmakers, con Rudy al tres (alero), y dos torres como Marc Gasol y Luis Scola para dominar el juego interior. También decir que confío mucho en Argentina y su brillante futuro para los Juegos de Tokio 2020. Y hacer un breve inciso en la gozada que es ver como España ha dominado el baloncesto en este 2019, año en el que el equipo nacional femenino ha logrado retener su cetro europeo con un campeonato maravilloso (que no pude comentar en el blog, pero disfrute con cada partido), y ahora con un segundo Mundial que de verdad es algo muy merecido para este grupo de jugadores y técnicos que ya están en la historia de este deporte.

Hablando de: Valentina Lisitsa

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Hoy me gustaría compartir uno de mis últimos descubrimientos musicales, pero no me refiero a que sea un descubrimiento realizado recientemente, sino que se trata de ese último gran descubrimiento que deseas compartir con todo el mundo para que todos puedan también disfrutar de esa música, así que hoy me gustaría dedicarle una entrada a Valentina Lisitsa.

Para quien no lo sepa, Lisitsa es una popular pianista procedente de la ciudad de Kiev, y que es mundialmente conocida por sus impecables interpretaciones del compositor ruso Sergei Rachmaninoff; además de haber sido capaz de darle un vuelco a su carrera gracias a la plataforma de vídeos de YouTube, trazando una parábola ascendente desde 2007, año en el que compartía su primer vídeo, hasta 2012 y su aclamado recital en el Royal Albert Hall londinense ante ocho mil espectadores.

Ahora que Valentina es reconocida por sus interpretaciones de los grandes maestros, y ha trabajado con los más prestigiosos sellos discográficos como pueden ser Decca o la Deutsche Grammophon, podemos afirmar sin miedo a equivocarnos que Valentina está entre los más grandes pianistas de su generación, algo que demuestra la larga lista de auditorios y teatros en los que ha dado recitales ante miles de fans totalmente entregados.

Pero todos sabemos que la música es un arte que muchas veces se escapa a las palabras, y que cada persona es capaz de experimentar una pieza de música de manera completamente diferente, es por ello que quiero compartir una serie de piezas que me han ayudado a admirar cada vez más a Valentina y a apreciar su música con cada escucha.

Empezamos con, el anteriormente mencionado, Sergei Rachmaninoff, célebre compositor Ruso que vivió a caballo entre los siglos XIX y XX. Sin duda alguna este es uno de los referentes musicales de Lisitsa, y esa admiración es algo que se puede apreciar cada vez que la escuchamos interpretando uno de sus temas. He escogido este “Prelude b minor Op. 32 No. 10 – the abyss”, porque personalmente fue mi puerta de entrada en este magnífico compositor y la forma con la que además descubrí a Valentina.

Obviamente un compositor que no puede faltar en todo el repertorio de un buen pianista que se precie es Frédéric Chopin, ya que el franco-polaco era un verdadero virtuoso del instrumento. Es por ello que me he decidido por uno de sus exquisitos Nocturnos, en concreto por el “Nocturne Op 48 No.1 en C menor”.

Otro compositor ruso del que Valentina Lisitsa ha grabado numerosas interpretaciones es, el moscovita Alexander Scriabin, quien es conocido por haber sido un gran innovador en lo referente a la música clásica. Teniendo en cuenta todo esto he seleccionado una de sus numerosas sonatas, la “Sonata No.2 Op 19” también conocida como “Sonata Fantasy”.

Otro de esos imprescindibles es el alemán, Ludwig van Beethoven, del que la interprete nacida en Kiev ha estado practicando últimamente, como puede verse en su canal de YouTube donde están alojadas tres sesiones de más de una hora y cuarto de duración , cada una, y que fueron retransmitidas en directo en su momento. Sin embargo yo me quedo con esta “Sonata #29 Op. 106” popularmente conocida como “Hammerklavier”.

Ya para concluir, y de esta forma poner el broche final a esta entrada, hemos de citar a uno de los compositores que mejor refleja ese carácter que posee la propia interprete, uno que además era considerado como uno de los mayores virtuosos del piano durante su época, me refiero a Franz Liszt. Curiosamente y a pesar que Valentina tiene una relación muy especial con los compositores rusos, en mi humilde opinión, es interpretando a Liszt cuando podemos disfrutar de la mejor Valentina, y como no soy un entendido en música he decidido dejaros dos piezas como son este “El Contrabandista” y “Totentanz” para que os deleitéis con ellas, creedme no os arrepentiréis de pasar casi media hora escuchando estas dos maravillas.

The Jam en 10 canciones

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Hoy me gustaría dedicarle una entrada al grupo The Jam, y así repasar algunas de sus canciones más emblemáticas de sus corta pero intensa carrera; en la que en un breve periodo de tiempo, de cinco años, Paul Weller y sus dos compañeros fueron capaces de producir seis álbumes que ya forman parte de la historia de la música en el Reino Unido.

Abanderando el revival mod que surgió durante la segunda mitad de los años setenta, The Jam se caracterizaban porque fueron un grupo mítico capaz de componer canciones que han perdurado en el tiempo al margen de las modas, y además consolidaron un sonido inconfundible durante el estallido punk a ambos lados del atlántico.

Pero si algo define a Paul Weller son esas letras de profundo carácter social que reflejan a la perfección la vida de la gente, con críticas contra el conservadurismo de Margaret Thatcher envueltas en composiciones brillantes, efervescentes y generalmente breves, marcadas por la exquisita voz del de Woking, y ese inconfundible bajo de Bruce Foxton. Además de esa mentalidad abierta y ansias creativas de un Weller que nunca fue muy amigo de encasillase musicalmente hablando, y fue pionero en la combinación de diferentes sonidos: rock, soul y R&B…

Así que como bien dice el título de esta entrada hoy repasamos diez canciones de The Jam que no puedes dejar de escuchar:

Empezando con uno de sus primeros grandes temas “In the city”, publicado en Abril del 77 este fue el primer single lanzado por los de Surrey, y se trata de un canto a la juventud y a la vida en la ciudad con respeto al mundo más rural. No debemos dejar de mencionar que cuando Paul Weller escribió este tema era un adolescente con algo menos de dieciocho años, lo que nos puede dar una muestra de como, ante todo, Weller destacaría a lo largo de los años por su gran habilidad como compositor.

Es eso exactamente lo que vemos, más adelante en 1979, cuando el grupo publicaba su disco más celebrado Setting sons, en donde destaca especialmente una canción que lleva por titulo “Private Hell”; en este tema nuestra protagonista, que es una ama de casa con una vida infeliz, reflexiona sobre como hubiera sido su vida de haber tomado otras decisiones en el pasado. Desgarradora e intensa, esta es una canción que realmente no recibe el reconocimiento que se merece.

Igual de desgarradora es este “Down In The Tube Station At Midnight” que trata un tema, que puede parecer bastante actual, pues relata el ataque de un grupo de skinheads a un padre de familia en el metro.

Las canciones de The Jam no suelen ser, por norma general, de carácter optimista, y eso a pesar de su sonido más calmado y de haber firmado grande baladas como este “Carnation” que es un tema de desamor que nos deja una líneas exquisitas como esta “If you gave me a fresh carnation, I would only crush its tender petals”.

Como hemos visto hasta ahora, las letras muchas veces suelen ser más importante que la música en las canciones de este grupo, pero eso no puede ocultar que estamos hablando de músicos realmente talentosos y capaces de tocar sus instrumentos, como muestra tenemos el siguiente tema “Going Underground” que fue uno de sus sencillos más populares llegando al Número 1 de los charts británicos.

Otro tema que presentan esa carácter irreverente y esa fuerza de la juventud es “‘A’ Bomb in Wardour Street”, que en dos minutos y treinta y siete segundos condensa la total decadencia del movimiento Punk.

De carácter más pausado y con un sonido más acústico es “That’s Entertainment” una de esa canciones que todo fan del grupo aprovecha para deleitarse con la voz, de un Weller que mejora con cada disco en el aspecto vocal de su interpretación.

Y para el final he dejado tres de mis canciones favoritas, todas ellas pertenecientes a su álbum Setting Sons, como por ejemplo esta “Little Boy Soldiers”; una bellista canción que recoge todo los sacrificios que hacen los soldados durante tiempo de guerra y como estas han arruinado la vida de millones jóvenes en vano.

Smithers-Jones” es las más clara muestra de que Weller es uno de los más grandes cronistas de su tiempo, reflejando a la perfección todos los extractos de la sociedad en sus canciones; en esta ocasión poniendo el foco en la desilusión de ser despedido de un empleo en el que has pasado toda la vida y justo cuando parecía que en ese momento empezabas a ser feliz.

Y me he guardado para el final “The Butterfly Collector”, que he confesar que es mi canción favorita, y me parece que resume a la perfección el sonido de The Jam, y además su letra es una auténtica maravilla llena de metáforas e imágenes que son difíciles de olvidar.

 

Spring Wrap Up

Otro trimestre más ha pasado, y ahora le damos la bienvenida al verano, una estación en las que mucha gente se lleva libros a la playa o la piscina. Pero hoy me gustaría echar la vista atrás y comentar mis impresiones relativas a algunos de los libros que he leído en esta pasada primavera.

Cómics:

Me gustaría empezar con un cómic que me recomendó Beat Books, y que tuve la oportunidad de encontrar en la Red de Bibliotecas de Galicia. Este cómic lleva por título “Esclavos del trabajo”, y su autora y su protagonista es Daria Bogdanska. Lo que me gusta de esta historia es que es un fiel reflejo de la precariedad laboral en los países europeos, y las complicaciones que algunas minorías tienen a la hora de acceder al mercado laboral.

Cuentos:

En lo referente a las historia cortas o relatos me gustaría decir que las he aprovechado para darle la oportunidad a nuevos autores que me eran desconocidos.

De esta forma le daba una oportunidad a “El tigre” del conocido escritor suizo Joël Dicker. De Dicker había visto varios de sus libros en todas las librerías de la ciudad e incluso en los grandes almacenes; pero nunca me había terminado de llamar la atención del todo, sin embargo todo cambió cuando descubrí que el suizo había escrito un pequeño cuento ambientado en Rusia, y me decidí a darle una oportunidad a un libro que terminó convenciéndome de que tengo que leer alguna de las novelas de este escritor europeo.

No ocurrió lo mismo con Kristen Roupenian, joven escritora procedente de Estados Unidos que en este 2019 publicaba su primer libro de relatos en Español gracias al trabajo de la editorial Anagrama, así que a modo de preparación decidí buscar en la sección de short stories del New Yorker su historia “Cat Person”, y lo que no me gusto de esta historia es que me recordó mucho a “El guardián entre el centeno”; a pesar de ello considero que esta es una historia que todo el mundo debería de leer.

Novela:

En estos últimos meses mis lecturas han estado bastante salpicadas de autores nuevos para mí, y libros de viejos escritores que ya había leído con anterioridad, y esto es algo que se ve reflejado en tres de las cuatro novelas que he leído durante la primavera del 2019.

En este selecto grupo que bien podaría llamarse el “British Dream Team” he seleccionado cuatro libros de diferentes escritores, que tienen en común que todos ellos han ganado el prestigioso premio Man Booker Prize. Ellos son: Anita Brookner, Ian McEwan, Kazuo Ishiguro y Julian Barnes.

Me gustaría decir que estos autores son una gran muestra de como ha ido cambiando la literatura, y especialmente la novela, en una Inglaterra que también ha ido cambiando en las últimas décadas. También me gustaría recomendarle estos libros a todas esas personas que aún no saben que van a leer durante estas vacaciones, pues se trata de cuatro novelas cortas, y que tranquilamente se pueden leer durante estos próximos meses bajo la sombra de la sombrilla y con el sonido de las olas de fondo.

Audiolibros:

Como siempre no todo puede ser una felicidad constante, y a muchos nos ha pasado que hemos leído la sinopsis de un libro y hemos pensado “este es el libro que quiero leer”, pero al final nos hemos llevado una decepción, y eso es exactamente lo que me ocurrió con “Sabado, domingo” la última novela de Ray Loriga.

A pesar de tener una premisa bastante interesante en eso de que el tiempo es nuestro único juez, y explorar temas como la culpa o los remordimientos; Loriga consigue que uno se canse tanto de Chino, como de Gini y de nuestro narrador que son realmente  aburridos, repetitivos y previsibles. No lo recomendaría este libro a nadie, y me parece que ha sido el peor que podía haber elegido para leer por primera vez a un Loriga que, dicho sea de paso, goza de gran reputación en el panorama literario nacional.

Libros en ingles:

Estos meses también me han ayudado a recobrar viejos hábitos, como por ejemplo el de leer en la lengua de Shakespeare. Los culpables son “Alex Ferguson: My Autobiography” y “Conversations with Friends” de Sally Rooney. Estos eran dos libros a los que les tenía bastantes ganas, y la verdad es que han sido dos libros que no me han defraudado.

El primero, como bien indica su título, es un breve repaso por la carrera de Sir Alex y sus años como entrenador del Manchester United. Mientras que en “Conversations with Friends” nos encontramos con una novela actual y en la que el foco se encuentra en sus protagonistas y las relaciones que se establecen entre ellos. Me imagino que este no será el último libro que lea de Sally Rooney.

 

Y para terminar me gustaría hacer una mención especial a un libro que aún no he terminado, pero que llevo leyendo desde el pasado mes de mayo, me refiero a “Guerra y paz”. Este gran clásico de la literatura universal, que firma uno de los nombres propios de las letras Rusas como es Lev Tolstói, este es uno de esos tochos que echa a muchos lectores para atrás, ya sea por su elevado número de páginas, o por el miedo a perderse entre todos los personajes que aparecen en este libro.

Pero, si se me permite, me gustaría utilizar este pequeño espacio en Internet para fomentar la lectura de un libro que es una autentica maravilla y además una lectura muy accesible. Sus capítulos cortos, unidos a la maestría de Tolstói, hacen que uno pueda sumergirse de inmediato en una historia que poco a poco te va atrapando; y gracias a estos personajes que parecen cobrar vida, uno puede llegara sentir esas penurias y miserias del ejercito ruso en su lucha contra Napoleón. Sin olvidarnos de nuestra bonita historia de amor entre Natasha y el príncipe Andréi. En definitiva ese libro que no puedes dejar de leer.

Jade Bird, álbum debut.

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Jade Bird es una joven cantautora procedente de la localidad inglesa de Hexham, y a pesar de ello el genero con el que se puede asociar su música sería el de americana. Tengo que decir que algo que me ha llamado la atención de los pocos vídeos que he podido ver de Bird en YouTube es su soltura sobre el escenario, el cual es capaz de llenar con su voz y guitarra (Ver vídeo al final de la entrada).

Su álbum de debut fue publicado este año, más concretamente el pasado diecinueve de abril, y tuvo una bastante buena acogida en lo referente a las ventas, incluso llegando al Top10 de Reino Unido en su primera semana, algo bastante inusual para una persona de veintiún años. Este álbum, que lleva por título el nombre de la interprete, es una colección de doce canciones, y tiene una duración de apenas treinta y cinco minutos en la que nos encontramos con un sonido crudo y auténtico que nos muestra el potencial de esta nueva promesa de la música.

A pesar de que el carácter general del álbum desprende una energía juvenil, y una potencia tanto a nivel vocal como en los solos y punteos de guitarra; también hay espacio para canciones más reflexivas e intimistas en las que podemos apreciar ese sentimiento con el que fueron escritas. En este segundo tipo de temas destacan canciones como “Does Anybody Know” o “17“. Mientras que en representación de las canciones más animadas podemos citar “I Get No Joy” o “Going Gone“.

Como todos los grandes descubrimientos, incluso los musicales, he de reconocer que descubrí a Jade Bird de casualidad, mientras estaba buscando un concierto de Neko Case en el canal de YouTube de la emisora de radio estadounidense the Current. Explorando, encontré una PlayList que tenía todos los directos de esta emisora, y el primero que apareció fue el de esta cantante inglesa, y he de confesar que desde entonces he estado escuchando bastante su música, y me parece que es muy recomendable. Mis canciones favoritas, o mejor dicho las que más me han impresionado con estas primeras escuchas son “Uh Huh” y “Love Has All Been Done Before“.

A pesar de que es cierto que no es recomendable comparar a unos artistas con otros, me gustaría confesar que tras escuchar por primer vez a Bird, reviví aquel día que escuché por primera vez la música de Conor Oberst ya hace un par de años. También decir este es uno de los mejores discos que he podido escuchar en lo que llevamos de 2019, y me gustaría recomendárselo a todo el mundo, pero en especial a todos aquellos y aquellas que disfrutan y aprecian la buena música porque de verdad pienso que Jade Bird será un nombre que dará mucho que hablar en el futuro.

El indie español en 8 canciones.

Como se suele decir no están todos los que son, pero sí son todos los que están. En este repaso a algunos de los grupos más importantes del panorama nacional de la música independiente, hay grandes ausencias de grupos míticos como los Planetas, Lori Meyers, o grandes solistas que como Cooper o Anni B Sweet quienes han sido capaces de hacer sonar su música durante años y años, además de ser una gran influencia para las siguientes generaciones.
Así que teniendo en cuenta que el propósito de esta entrada es rendirle un sentido y merecido homenaje a esos grupos españoles, que en mi opinión me parece que son unos de los que más han destacado en los últimos años entre todos los que disfrutamos de la buena música.

El primero de los grupos de los que me gustaría hablar es Supersubmarina, y se trata de una banda que viene de Jaen, y está formada por cuatro integrantes lo que en muchas canciones ocasiona que tengamos dos guitarras sonando a la vez. Lo que más me llamó la atención la primera vez que escuché a este grupo fueron sus profundas letras y esas melodías que hacen que su sonido sea tan inconfundible. Con tres álbumes publicados, yo siempre recomiendo su primer disco “Electroviral”, y es por ello que la canción que he seleccionado es LN Granada”. Personalmente tuve la oportunidad de verlos en directo en 2016, y tengo que decir que Supersubmarina era uno de esos grupos que llenaban el escenario y que eran capaces de transmitir toda la energía a un público que estaba totalmente entregado durante sus conciertos. No quiero entrar en detalles sobre el accidente automovilístico en el que se vieron implicados los integrantes del grupo, y sólo espero que un día puedan volver a hacer música, si es lo que realmente quieren hacer.

Otro de esos grupos capitales del indie es Second, y es que durante la primera década de este siglo fueron uno de los grupos que más progresó y creció, especialmente cuando decidieron dar el siempre difícil paso de empezar a cantar y componer en castellano, algo que sucedió en su tercer disco llamado “Invisible”. De estos murcianos hay una canción que nunca podré olvidar, y lleva por título Nada te dirige, que a pesar del paso del tema sigue manteniendo un sonido actual y sigue siendo una de las canciones favoritas entre todos sus seguidores. Tengo que decir que estos murcianos siguen estando muy presentes en el panorama musical español, y tras haber publicado nueve álbumes de estudio, este verano recorrerán los festivales veraniegos más importantes para presentar su último disco publicado el año pasado.

Uno de esos artistas a los que ya le he dedicado varias entradas en este blog es Xoel López, uno de los cantantes españoles más queridos y respetados a ambos lados del atlántico, algo que consiguió precisamente con el cambio producido cuando el de A Coruña decidió firmar sus temas con su propio nombre. Pero anteriormente Xoel ya había conocido el éxito gracias a su proyecto conocido como Deluxe, una etapa que abarca ocho años de la carrera de Xoel, y en la que nos dejó cinco álbumes para el recuerdo, y sin duda alguna “Fin de un viaje infinito” es el disco que mejor define su sonido durante esta etapa y su evolución como compositor, la canción a destacar es El Amor Valiente“.

A pesar de que Christina Rosenvinge no es una cantante que haya escuchado mucho, he de reconocer que es una de esas personas que uno siempre ve en todos los carteles de los festivales musicales importantes, una persona que ha tenido una carrera dilatada en el tiempo y que en este mundo de la música ha hecho de todo, desde ser la estrella de un grupo juvenil en Álex & Christina hasta recorrerse todos los pueblos de España con su último disco. Rosenvinge es una de esas artistas de contrastes en la que tiene fans acérrimos y también hay otras personas que no soportan su siempre peculiar estilo y forma de entender la música; pero personalmente me parece que esto es algo que está cambiando, especialmente coincidiendo con la publicación de sus tres últimos álbumes de estudio, y precisamente de uno de ellos he seleccionado esta canción llamada “La tejedora” que interpretó magistralmente en el Museo Reina Sofía en una grabación para Radio3.

Otro de esos grupos que a pesar de no haber visto más que una vez en directo, me ha dejado una buena impresión por su puesta en escena y por sus canciones es Izal, este grupo originario de Madrid es probablemente el que tiene la carrera más corta de todos los presentes en esta entrada, pero sin ninguna duda es el que ha tenido la carrera más meteórica, conquistando éxitos ya desde el principio y creciendo disco a disco. Con cinco álbumes en el mercado, me gustaría poner el foco en “Copacabana”, que publicado hace cinco años presenta temazos como este tema que da nombre a este álbum y es uno de sus éxitos más celebrados por sus seguidores en casa concierto.

Son muchos los nombres que se nos vienen a la cabeza cuando pensamos en quien podría ser el padrino del indie español, y para muchos es el nombre de Ivan Ferreiro el que mejor representa este título honorífico. El vigués que ya había dado mucho que hablar con su primera banda, Los Piratas; causó una gran sensación con su debut como solista, y lo hizo con un disco como “Canciones para el tiempo y la distancia” que siempre aparece citado entre los mejores disco de la pasada década. A pesar de que la carrera de Ferreiro está plagada de grandes canciones, me parece muy difícil imaginar que hubiera sido si no hubiese incluido un tema como “Turnedo” en ese primer disco en solitario, esta es una de esas canciones que gusta mucho, y se trata de una canción que cuenta una bonita historia de desamor.

Otro de esos proyectos musicales que pueden servir como carta de presentación de lo que sería el panorama independiente en este país sería el de Tulsa, proyecto que nació en 2006 de la mano de Miren Iza que es cantante y compositora, y el rostro detrás de este grupo. Con seis discos publicados e incluso una nominación a los Premios Grammy es fácil pensar que en sus discos podemos encontrar material de mucha calidad, yo he seleccionado esta pieza que lleva por título “Oda al Amor Efímero” y se puede encontrar en el disco “La Calma Chicha” publicado en el año 2015.

Y para terminar con este homenaje he decidido quedarme con una canción que aparece el álbum de debut de Vetusta Morla, la canción es “La Marea”, y aunque me parece que estamos ante uno de esos grupos que no necesita presentación, intentaré hacerlo lo mejor posible para explicar porque Vetusta Morla es lo mejor que le ha pasado a la música española en los últimos veinticinco años. Los de Tres Cantos han pasado de tener que auto publicar su primer álbum, a colgar el no hay billetes en cada uno de sus conciertos y no sólo aquí sino que también en el extranjero. La banda lidera por Pucho ha conseguido un éxito que ha conquistado no sólo al público sino que también se han sabido ganar el aprecio de la crítica especializada, y esto lo han logrado porque han alcanzado un sano equilibrio entre lo que sería la “experimentación” musical y la fidelidad a un sonido que es ya una marca registrada. Personalmente he tenido la suerte de ver a Vetusta Morla en varias ocasiones, y en cada una de estas oportunidades he sido testigo de como sus canciones ganan al ser tocadas en directo, y además de como el grupo ha ido creciendo gira a gira, hasta ser probablemente uno de los mejores grupos de música independiente de la actualidad.

2018: un año redondo

Ahora que se acerca el final del año, es momento de echar la vista atrás, y con este top 8 repasamos esos discos que sin duda alguna han marcado el año de muchos y muchas amantes de la buena música.

8 – Simulation Theory de Muse.

He de reconocer que este es un álbum que no termina de convencerme, pero que cada vez que vuelvo a él me gusta un poco más y encuentro algo nuevo que no había apreciado anteriormente, en otras palabras este es un disco que gana con cada escucha.

En Simulation Theory nos encontramos un sonido más electrónico y futurista pero alejado de su predecesor; este álbum tiene canciones que, seguramente, aumentaran su peso especifico al ser tocadas sobre un escenario, mientras que hay otras que suenan realmente bien tal y como son.

Canciones destacadas: “Blockades”, “Algorithm” y “Preasure”.

7 – With Animals de Mark Lanegan en colaboración con Duke Garwood.

With Animals es la segunda colaboración entre Lanegan y Garwood, tras una primera en 2013 que dejaba como resultado un EP llamado “Black Pudding”, pero es gracias a este álbum que podemos comprobar que Lanegan aún tiene cuerda para rato, y es que en los últimos cinco años ha publicado un total de cinco álbumes de estudio además de haber realizado varias colaboraciones con diversos artistas.

Este nuevo álbum nos ofrece la faceta más acústica y pausada del músico originario de Seattle, y en ella la voz de Mark Lanegan brilla con luz propia acompañada de una simple guitarra; la voz es el elemento principal, y es a través de esta voz tan caracterizara que se va construyendo una atmósfera intimista y envolvente.

Mis canciones favoritas son: “One Way Glass” y “Upon Doing Something Wrong”.

6 – Firepower de Judas Priest.

Cuando en el mes de marzo por fin pudimos escuchar este nuevo cd de Judas Priest al completo, fuimos muchos los que nos sorprendimos de encontrarnos con el sonido clásico de la banda liderada por Rob Halford.

La verdad es que parece que con este Firepower los fans se hayan encontrado una autentica joya, en donde tanto la música, como la voz, y las letras forman un matrimonio muy bien avenido.

En este álbum los fans del Heavy Metal se encontraran con catorce temas que son un completo derroche de riffs de guitarras afiladas, durante una hora en la que ritmo no baja en ningún momento, y en esto tiene mucho merito Richie Faulkner quien tuvo que asumir más responsabilidades tras la enfermedad de Glenn Tipton.

Canciones a destacar de estos rejuvenecidos Judas Priest son: “Spectre”, “Rising From Ruins”, y “Lightning Strike”.

5 – Art of Doubt de Metric.

Este nuevo lanzamiento discográfico de los canadienses ha sido una de las agradables sorpresas del año, y es que tras tres años de sequía los de Toronto recuperan su sonido más potente para este séptimo álbum.

Grabado en su cuartel general, los Giant Studios, en este disco nos esperan doce temas, en los que la guitarra le va comiendo cada vez más terreno a los sintetizadores; pero no podemos negar que aún están presentes reminiscencias de su anterior álbum, “Pagans in Vegas”, pero siendo justos y objetivos lo primero que uno piensa al escuchar estas canciones es que estamos ante la continuación del aclamado “Fantasies” .

Dicho todo esto, es momento de mencionar cuatro canciones que brillan con luz propia: “Now or Never Now”, “Underline the Black”, “Dressed to Suppress”, y finalmente mi favorita “Risk”.

4 – Tranquility Base Hotel & Casino de Arctic Monkeys.

Me gustaría empezar diciendo que estoy totalmente convencido de que el cambio de sonido les ha sentado muy bien a los de Alex Turner, y además parece que con este nuevo rumbo han sido capaces de traer nuevos matices a su repertorio.

Otra cosa que debemos comentar es que este es un álbum que va ganando con cada escucha, y especialmente si se hace una escucha del álbum en su totalidad.

En ocasiones como esta en la que nos es difícil descifrar que canciones pueden ser consideradas como hits o singles, lo recomendable es dejarse llevar por la música y lo que el compositor nos ha querido transmitir en cada tema.

Teniendo en cuenta todo esto, he de decir que me es muy difícil seleccionar una canción que destaque más que otra, y es por ello que me gustaría poner el spotlight en la secuencia de las últimas cuatro canciones del álbum.

3 – Dream Wife de Dream wife.

DreamWife

Que este sea un álbum homónimo nos da la primera pista sobre un grupo que para muchos, tal vez, sea un gran desconocido. Esa pista nos dice que estamos ante el debut discográfico de Dream Wife.

Dream Wife es un grupo nacido en la ciudad inglesa de Brighton, y que tiene una formación de power trio, en la que quien lleva la voz cantante es su vocalista Rakel Mjöll (nacida en Islandia), y en la que también destacan su bajista Bella Podpadec, y especialmente Alice Go a la guitarra.

Dream Wife se ha ganado un puesto en la parte noble de esta lista, gracias a una mezcla de la fuerza del punk rock de los setenta, con una vocalista que de verdad puede cantar en cualquier registro. Además de una letras llenas de ingenio y con mensaje, como se puede ver en el estribillo del tema “Somebody” que dice “I am not my body, I am somebody”.

Como, personalmente, considero que todas las canciones que vais a encontrar en este debut de Dream Wife son de 10, me gustaría recomendaros que busquéis sus dos actuaciones en la emisora de radio KEXP.

2 – High as Hope de Florence and the Machine.

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Uno de los nombre propios de este 2018 es el de Florence Welch, quien con su grupo Florence and the machine ha publicado High as Hope, su cuarto álbum de estudio, y uno de esos discos que aparecerán en todas las listas que repasan lo mejor del año.

Como no podía ser de otra manera, desde aquí le rendimos una incondicional pleitesía a la reina del pop británico, y también nos mostramos agradecidos de poder disfrutar de un disco tan completo y brillante como este.

Sin grandes revoluciones o excentricidades, la cantante londinense nos vuelve a sorprender con su capacidad compositora y su poderosa voz; sin olvidar la gran aportación de todos esos músicos que llenan de sentimiento cada nota que producen sus instrumentos, logrando así ese sonido tan inconfundible que es perfectamente reconocible con solo escuchar los primeros acordes de estos diez nuevos temas.

Para terminar me gustaría decir que High as Hope nos ofrece varios hits instantáneos, como pueden ser “Hunger” o “South London Forever”. Sin embargo, me parece que hay que poner el foco en tres canciones, que para mi funcionan como unidad indisoluble, me refiero a “Grace”, “Patricia” y “100 years”, que nos ofrecen la cara más intensa y emocional de Florence como compositora e interprete.

1 – Always Ascending de Franz Ferdinand.

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Publicado en el mes de Febrero, Always Ascending es uno de esos discos que es difícil de olvidar, y que se puede escuchar en cualquier momento y cual situación. Este es un álbum que nos ofrece la mejor versión de los escoceses, y eso siempre es motivo de celebración.

Si algo transmite este álbum es ese sentimiento de reivindicarse, y además de, en cierta manera, reinventarse tras la marcha de Nick McCarthy, lo que provoco que el grupo tuviera que hacer un par de cambios en su formación, incorporaciones como las de Julian Corrie y Dino Bardot que han traído aire fresco al proceso creativo del grupo y más dinamismo (si eso era posible) a sus actuaciones en directo.

Tras las turbulencias muchos podrían pensar que este álbum sería el final de la banda liderada por Alex Kapranos, pero la respuesta de Franz Ferdinand no podía ser más contundente, y con un álbum que recupera el sonido más cañero y potente que les dio a conocer en el año 2004.

Una cosa que me encanta de este disco es que ofrece una estructura muy bien definida, y que funciona perfectamente en un disco de vinilo; me refiero a que en cada cara podemos encontrar cinco de las diez canciones que forman parte del álbum, y de ellas las cuatro primeras de cada cara son canciones con más energía y más “festivaleras”, mientras que la quinta es un medio tiempo más lento.

Para finalizar, me gustaría decir que Franz Ferdinand no sólo se merecen el honor de estar en lo más alto de esta lista por su gran álbum; sino que además este Always Ascending es un disco que funciona muy bien en directo; y no podemos olvidarnos de ese aspecto artístico que los escoceses siempre introducen en sus videoclips, como por ejemplo “Glimpse of Love” o “Feel the Love Go”.

Son todos estos factores los que me han llevado a escoger Always Ascending como el mejor disco del año, un disco del que me gustaría seleccionar canciones como “Slow Don’t Kill Me Slow”, “Huck And Jim”, o “Finally” además de las dos anteriormente citadas.

10 Canciones Indie de Principios del Siglo XXI

Esta es una pequeña recopilación de diez canciones de principios del siglo XXI, o lo que es lo mismo la primera década (del 2000, al 2009), en la que he seleccionado esos diez temas que aún a día de hoy sigo escuchando y me parece que merece la pena revisitarlos de vez en cuando.

Para mí esa fue la década en la que empecé a comprar CD’s y revistas especializadas, y recuerdo esos años como un descubrimiento continuo de nuevos grupos y sonidos gracias a revistas como la Rolling Stone, y especialmente a un canal de televisión llamado Fly Music. También guardo un grato recuerdo de las retransmisiones de aquella época del Festival Internacional de Benicasim, retransmisiones que me acercaron a Radio 3 de Radio Nacional.

Centrándonos en el asunto que nos ocupa, he de decir que esta lista está compuesta por grupos que marcaron aquella primera década del Siglo XXI, pero me he tomado la licencia de excluir a varios grupos (algunos de los más populares y conocidos) que tal vez se merezcan una entrada propia, pero eso ya lo iremos resolviendo en el futuro.

  • Empezamos con “Execution Day” del supergrupo indie canadiense The New Pornographers. Este es uno de los temas que forman parte de su álbum de debut que lleva por nombre “Mass Romantic”, y que sin ninguna duda es uno de sus mejores trabajos discográficos y uno de los mejores álbumes del año 2000.
  • Y no dejamos el frio, porque ahora nos trasladamos a las tierras nórdicas de Suecia, más concretamente a Fagersta (la ciudad natal del grupo The Hives); pero no os preocupéis que con este “Walk Idiot Walk” no vais a pasar nada de frio, y es que las canciones de estos suecos tienen toda esa energía y potencia del Garage de los sesenta.
  • Más reflexiva y pausada es esta “A Time to be Small” que aparecía en el segundo álbum de los neoyorkinos Interpol. Si tenemos en cuenta que este tema compuesto por Paul Banks es el que cierra el álbum, nos podemos imaginar que este Antics es una auténtica joyita llena de temazos.
  • También desde la ciudad que nunca duerme tenemos al dúo formado por Nancy Whang y James Murphy que con sus sintetizadores, teclados y demás distorsiones pusieron a todo el mundo a bailar con un disco que llevaba por nombre el de uno de los proyectos más rompedores de aquel 2005, me refiero a LCD Soundsystem y su disco de debut en el que podemos encontrar este “Daft Punk Is Playing at My House”.
  • Dejando de lado todo ese glamur de la gran manzana, volvemos al viejo continente para hacer una parada rápida en una de las ciudades inglesas con más tradición musical, Sheffield, pero en esta ocasión no os voy a hablar de los Arctic Monkeys, ni siquiera de Jarvis Cocker. El grupo del que hoy os vengo hablar es tan bueno como desconocido, se llaman The Long Blondes y su canción era “Giddy Stratospheres”.
  • Como estamos comprobando la década de los ceros estuvo marcada por la aparición de muchas y diferentes bandas; pero de entre todos aquellos músicos, fue uno el que más titulares acaparó durante aquellos años, y muchas veces fue debido a sus excesos y a los escándalos que protagonizó nuestro siguiente protagonista. Estoy hablando, del querido y admirado por muchos, Peter Daniell Doherty, una de esas personas que tal vez no se merezca la vida que le ha tocado vivir, pues realmente pienso que es uno de los compositores más talentosos de su generación, y un cantante excepcional, como demuestra este “Delivery” que sirvió para promocionar el segundo álbum de los Babyshambles.
  • Maximo Park y su “Books from Boxes” es otro de esos temas que mejor reflejan el resurgir de la música pop en el Reino Unido. Sus canciones sin mayores pretensiones que las de reflejar las preocupaciones del día a día, son directas y van ganando con las escuchas. El dato curioso que rodea a los de Newcastle es que su líder, Paul Smith, ejerció como profesor de arte en el Stockton Riverside College.
  • Otro grupo inglés que apareció por aquellos años fue Editors, siempre comparados con Joy Division, supieron encontrar su sonido en un segundo disco que encierra temas muy festivaleros como este “The Racing Rats”.
  • Con un sonido más potente y oscuro, un grupo como The Kills aprovechó el final de la década para conquistar esa fama que se les resistía, especialmente tras haber publicado dos álbumes de estudio que habían pasado casi desapercibidos tanto para la crítica como para el público. Este “URA Fever” es un temazo en el que brillan tanto los riffs de guitarra de Jamie Hince, como la voz llena de matices de Alison Mosshart.
  • Y para terminar viajamos hasta la capital francesa, en donde no nació pero se crio Charlotte Gainsbourg. La francesa es una de esas artistas multidisciplinares, que parece que en vez de correr sangre por sus venas tuviera talento circulando por su aparato circulatorio, y esto es algo que le viene tanto de parte de padre (el cantautor Serge Gainsbourg) como de madre (la actriz Jane Birkin). En lo referente a su contribución a la música, podemos decir que su tercer álbum, IRM, publicado en 2009 bajo la producción de Beck, le permitió encontrar un sonido más internacional y moderno en el que destacan canciones como esta “Le Chat du Café des Artistes”.

Los Sonics en 10 canciones

The Sonics

The Sonics son uno de esos grupos que tal vez pasen desapercibidos para la mayoría de la gente; pero quien los conoce, los ama incondicionalmente, y es que podría decirse que esa energía y pasión que estos músicos de Tacoma (Washington) ponen en su música es de sobra compensada por unos fans leales y entregados al espíritu del Rock and Roll, que con tanto esmero ha cultivado este grupo durante los sesenta y ocho años que llevan en activo.

The Sonics son un grupo atípico, una larga carrera basada en la carretera y los conciertos, en la que la calidad de sus primeras grabaciones discográficas sirvió no solo para darles fama, sino que además supuso una fuente de inspiración para las futuras generaciones que vinieron posteriormente, por ejemplo en la música Punk y Garage de los setenta y el Grunge de los noventa (por proximidad geográfica).

Este legendario grupo liderado por el teclista y cantante Gerry Roslie debe su éxito a sus tres primeros álbumes publicadps en la segunda mitad de la década de los sesenta: Here Are The Sonics (1965), Boom (1966) e Introducing the Sonics (1967). Aunque posteriormente editarían dos nuevos discos de estudio como son Sindellera (1980) y más recientemente This is the Sonics (2015).

  1. The Witch. No se me ocurre mejor manera de empezar esta lista que con el tema inaugural del álbum de debut de los Sonics, The Witch fue además su primer single, y es una de sus canciones más populares.
  2. Cinderella. Ya de su segundo LP, es un tema que se podría decir que gana en directo, donde este grupo puede demostrar todo su potencial.
  3. I Don’t Need No Doctor. Fue publicada en el año 2015 para promocionar la vuelta de los Sonics con su quinto álbum de estudio.
  4. Boss Hoss. Esta es na de esas canciones que condesa todo el espíritu de los Sonics en apenas dos minutos y veinticuatro segundos.
  5. Money. Esta versión del mítico tema de Berry Gordy y Janie Bradford cobra una nueva vida con esta exquisita interpretación de los de Tacoma.
  6. The Hard Way. Y seguimos con otra versión, pero en esta ocasión con una de los Kinks, pero eso sí con un toque más punk y acelerado.
  7. Keep A Knockin’. A pesar de que originalmente este tema era la cara B de su primer single, el anteriormente mencionado “The Witch”, esta es una canción que merece mucho la pena.
  8. He’s Waiting. Riffs de guitarra pegadizos, bacteria machacona y unos estribillos fáciles de recordar son lo que nos encontraremos en las canciones de los Sonics.
  9. Have Love Will Travel. Otra versión de la que los Sonics se han adueñado, es la de este tema de Richard Berry, en la que destaca el potente saxofón de Rob Lind (miembro fundador del grupo).
  10. Psycho. Y que mejor forma de poner el punto final que con el tema más iconoco de los Sonics, este Psyco que firma Gerry Roslie y podemos decir sin ninguna duda de que es la perfecta carta de presentación de este grupo.