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Los 10 mejores discos de 2017

2017

Esta es una entrada en la que me gustaría repasar los que yo considero que han sido los mejores álbumes publicados en este año 2017 al que ya le quedan unos pocos días para terminarse.

Agoraphobia – Incoming Noise. Me vais a permitir que empiece este repaso con el producto local, sí, uno de esos grupos Gallegos que no tienen nada que envidiarle a ningún otro grupo. Además en este caso sé exactamente de lo que estoy hablando, pues he tenido la suerte de poder ver a Agoraphonia en directo y no en una única actuación, sino que en dos ocasiones. Este grupo formado por cuatro chicas de Boiro se mantiene fiel a su estilo en esta segunda entrega en la que destacan temas como: “É unha opinión“, “Rainbows” o mi canción favorita “Karlova“.

Marika Hackman – I’m not your Man. Yo descubría a Marika gracias a aquel maravilloso Podcast que presentaba Laura Marling, creo recordar que se llamaba Reversal Of The Muse, y tras escuchar sus opiniones sobre las mujeres que trabajan en la industria musical decidí explorar su discografía y en ella encontré canciones de corte folk. Pero en este I’m not you Man no encontraréis nada de eso, y es que este es un álbum marcado por ese sonido más pop independiente, y tengo que decir que este es un disco que me ha convencido.

Vetusta Morla – Mismo sitio, distinto lugar. El último trabajo discográfico de los madrileños, ha recibido una gran acogida tanto de los fans como por parte de la crítica especializada, y es que tras tres años de espera la gente tenía ganas de Vetusta Morla. Este es un grupo que también he podido ver en directo, y aunque ya han pasado unos cuantos años, tengo que decir que estoy convencido de que es uno de los mejores representantes de la música española. Mis favoritas de este disco son: “Consejos de Sabios“, “La vieja Escuela” y “Deséame suerte” que fue escogida como single de presentación de este gran disco.

Arcade Fire – Everything Now. Confieso que en este disco tenía puestas muchas esperanzas y mis expectativas tal vez eran más altas de lo que de verdad correspondía a un álbum en el que los canadienses de Arcade Fire han tratado de repetir la misma fórmula de sus dos anteriores trabajos, y es por ello que tras escucharlo de principio a fin se nota un poco deslavazado y con falta de cohesión entre las canciones. Pero no me malinterpretéis este “Everything Now” está plagado de grandes temas que estoy convencido que sonaran muy bien en directo, temas como por ejemplo: “Signs of Life“, “Electric Blue” o “Good God Damn“.

Wolf Alice – Visions of a Life. Este segundo lanzamiento discográfico de los londinenses supone un paso adelante en la consolidación de un proyecto musical que aún sigue creyendo en el Rock de guitarras, y he decir que ver la evolución del grupo liderado por Ellie Rowsell ha sido bastante emocionante. Como suele pasar en la mayoría de los casos estos segundos lanzamientos, suelen estar acompañados de largas giras que sirven para presentar el nuevo álbum, y estoy convencido de que en los escenarios y tocadas en directo estas nuevas canciones incluso sonaran mejor.

Mark Lanegan – Gargoyle. Antes de nada he de reconocer mi incompetencia a la hora de ordenar estos últimos cinco discos, empezando con un “Gargoyle” que bien podía estar en el número 1, y condicionado porque en estas restantes posiciones se sitúan intérpretes a los que les tengo mucho aprecio. Dicho esto, me gustaría comentar esas cosas que convierten este último trabajo de Mark Lanegan en uno de los mejores discos del 2017; empezando por la voz del de Seatle. La voz de Lanegan es inconfundible, y ya sea en sus colaboraciones con Queens of the Stone Age o Isobel Campbell el bueno de Mark siempre termina apoderándose de la canción. Segundo el sonido del disco es actual, trepidante y sobretodo tiene ese sello inconfundible de los discos hechos para soportar el paso del tiempo. Tercero, y esta ya es una razón más personal, este es su mejor disco en solitario, y ya sé que es muy ventajista por mi parte hacer una afirmación de este calado, pero de los más de veinticinco años de carrera en solitario y tras diez álbumes es ahora cuando estamos disfrutando de la mejor versión de Mark Lanegan. De este álbum yo me quedaría con estas tres canciones: “Blue blue sea“, “Beehive” o “Emperor“.

Queens of the Stone Age – Villains. El séptimo de los californianos, es uno de esos discos que bien podría definir una carrera, ya que en el encontramos todos los elementos que se repiten una y otra vez en la carrera de este grupo como pueden ser las guitarras estridentes, los riffs pegadizos y ese sonido pesado marcado por el uso de los pedales de distorsión en el que la voz de Josh Homme pone el contrapunto perfecto. Este “Villains” es un disco de cuarenta y ocho minutos, y nueve canciones, en el que muchas de ellas pasan de los cuatro minutos de duración; pero que al escucharlo se te va a hacer corto, o eso es lo que me ocurre a mi cada vez que lo estoy escuchando y al llegar al último tema ya estoy pensando en volver a empezar a escucharlo otra vez.

En tercera posición. Sueños y Pan de Xoel López. Como os avance a principios de mes, este nuevo álbum del Gallego Xoel López es uno de los mejores discos del año. Este disco recoge todas esas influencias que tras el paso de los años han ido apareciendo en los anteriores álbumes del genial cantautor coruñés. Este es un disco que tengo que admitir que me gusta bastante, y no sólo por el hecho de que yo también sea gallego, sino que estamos hablando de uno de los mejores representantes de la música española y de un disco como Sueños y Pan que da gusto escuchar desde el principio hasta el final, es un disco muy completo.

Segunda posición para Laura Marling y su Semper Femina. Poniendo en perspectiva la meteórica carrera de la de Hampshire nos encontramos con una de las mejores voces del nuevo folk británico, que con apenas veintisiete años ha publicado seis álbumes de estudio; y que en 2011 ganaba su primer Brit Awards en la categoría de mejor cantante solista femenina. Ahora con este “Semper Femina” tal vez pueda sumar su primer premio Grammy al cual ha sido nominada dentro de la categoría de mejor disco de folk, aunque lo veo un poco complicado sobre todo si tenemos en cuenta el hecho de que los otros nominados son discos de estilos tan diferentes como el Country o el estilo Americana. Bueno sea como sea, “Semper Femina” es un gran disco que merece la pena escuchar, y como digo siempre Laura Marling es una persona que ha ido mejorando con cada uno de sus trabajos discográficos y eso se puede apreciar en canciones como: “The Valley“, “Don’t Pass Me By” o “Nothing, Not Nearly“.

Primera posición y mejor disco de este años 2017: Low in High School de Steven Patrick Morrissey.

Ciertamente lo nuevo de Morrissey es genial, sublime, fantástico o superlativo, lo podemos decir con todos los sinónimos que se nos ocurran, pero la verdad es que este “Low in High School” es un disco perfecto. Morrissey es una persona que muchas veces genera más noticas por sus polémicas, aunque cada vez que se decide a publicar un nuevo disco, la crítica se vuelve loca y su legión de fans lo celebra (o tal vez era al revés).

El antiguo líder de The Smith se embarcó en este proyecto en solitario allá por el año 1988 (el 14 de Marzo se cumplirán 30 años de la publicación de “Viva Hate”), y hemos de decir que mal no le ha ido durante estos años. Pero con “Low in High School” yo tengo la sensación de que este es su mejor disco, obviamente me parece mejor que el anterior “World Peace Is None of Your Business”, y me recuerda un poco a “Years of Refusal” especialmente en lo referente al apartado musical. Las letras siguen siendo tan comprometidas como siempre y el bueno de Moz sigue cuestionado todo aquello que no le gusta, sirva como ejemplo la misma portada de este álbum. A mí me es imposible elegir una canción que pueda destacar de este disco, pero os dejo un enlace a la lista de reproducción del álbum que tan inteligentemente han creado en YouTube para promocionar el nuevo disco, ya sabemos que una de las razones por las que Morrissey abandonó al sello discográfico Capitol fue la mala o mejor dicho nula promoción de “World Peace Is None of Your Business”.

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Metric en 10 canciones:

Me gustaría que esta entrada nos sirviera como un pequeño repaso a la discografía del grupo canadiense de electrorock liderado por la cantante Emily Haines y el guitarrista James Shaw. También mMe gustaría resaltar el increíble hecho de que tanto Emily como James estudiaron en la prestigiosa Juilliard Music School de Nueva York, allí Emily estudiaba canto y James piano. Afortunadamente un buen día sus caminos se juntaron y fruto de ese encuentro nació uno de los grupos actuales que mejor representan a Canadá por el mundo adelante.

  • Youth Without Youth: publicado en 2012, este fue el single promocional del quinto álbum del grupo llamado “Synthetica“. Podría decirse que este es uno de sus temas más populares ya que hasta la fecha es la canción que más tiempo ha permanecido en el número 1 de las listas de éxitos en Canadá en lo referente a Rock Alternativo.
  • Dead Disco: Esta es una canción que me gustaría destacar de su primer disco, y comparándola con la anterior, podemos apreciar ese sonido más independiente que tan bien define el sonido de los primeros años del nuevo siglo. “Old World Underground, Where Are You Now?” consiguió un disco de oro en Canadá o lo que es lo mismo vendio más de 50.000 copias.
  • Gold Guns Girls: Esta es una de mis canciones favoritas de este grupo; perteneciente a su celebrado álbum “Fantasies“, para muchos este es un disco en el que podemos escuchar a un grupo diciéndole al mundo, esta es nuestra mejor versión y a partir de ahora las cosas sólo van a ir a mejor. Y ese espiritu es algo que realmente está presente en canciones como esta.
  • Black Sheep: este tema seleccionado para formar parte de la banda sonora de la película “Scott Pilgrim vs. the World” es un claro ejemplo de lo anteriormente dicho, con un sonido más potente y ya completamente alejados de esa etiqueta indie, Metric se consagran como un grupo de primer nivel gracias a esta canción.
  • The Shade: esta es una canción que nos deja ver ese sonido más de sintetizadores y experimental que también forma parte de lo que Metric representa como banda. The Shade fue el primero de los cinco singles que sirvieron para promocionar su último lanzamiento discográfico “Pagans in Vegas” en donde claramente se apuesta más por el lado más electrónico.
  • Twillight Galaxy: A pesar de que Metric es un grupo que se cartacteriza por el matrimonio perfecto entre los sintetizadores y las guitarras eléctricas, sorprende y mucho lo bien que suenan algunas de sus canciones interpretadas de la forma más básica posible, acompañando a la voz de Emily únicamente de un guitarra española.
  • Synthetica: la siguiente estrofa de esta canción puede servirnos para ilustrar a la perfección la forma en la que Metric entiende la música; “Hey, I’m not Synthetica, I’ll keep the life that I’ve got”, nos viene a decir que no puedes intentar ser lo que no eres, y has de mantenerte fiel a ti mismo y ser lo más natural posible.
  • Cascades o lo que es lo mismo la versión más futurista de los canadienses; quienes en esta ocasión incluso han aplicado el sintetizador a las voces. Pero no hace falta alarmarse por ello, tengo que deciros que habiendo escuchado “Pagans in Vegas al completo, esta Cascades es una canción que mantiene una idea de unidad con el resto de temas que forman este álbum.
  • Monster Hospital: es otra de esas canciones que todo buen fan de Metric tiene entre sus favoritas; esta canción perteneciente al album “Live it out” se hizó muy popular debido a su vídeoclip, en el que se intenta mostrar la realidad de aquellos que sufren trastorno por estrés postraumático. Además esta canción tiene un claro mensaje en contra de la guerra.
  • Help I’m Alive: probablemente esta sea la canción que yo escogería para mostrarle a una persona que nunca ha escuchado a Metric, y no sólo porque fue la canción que me ayudo a descubrir a los canadienses, sino porque además después de escucharla es probable que se quiera seguir escuchando ese fantástico disco que es “Fantasies“.

Bueno, esto es todo por mi parte, una selecta selección de diez canciones para intentar resumir una carrera de casi veinte años, y es que en 2018 se cumplen dos décadas del lanzamiento de su primer EP llamado “Mainstream“. No sé si ya conocíais la música de Metric, pero yo nunca me cansaré de recomendaros sus tres últimos álbumes (Fantasies, Synthetica y Pagan in Vegas), para mí son unos discos de referencia y perfectos para escuchar en cualquier ocasión.

Música para la lectura

Para quien no lo sepa, una de las cosas que más me gusta es escuchar música, ya sea mientras voy conduciendo o con los cascos mientras salgo a correr, la música forma parte de mi vida. Y es que a pesar de que no sé tocar ningún instrumento, desde muy joven he ido cultivando un gusto muy particular. Gusto que se nutrió en aquellos primeros años de mi adolescencia con esas bandas míticas del Rock and Roll de los sesenta y los setenta. Pero a medida que iban pasando los años mis preferencias fueron creciendo, y al ir descubriendo nuevos grupos mi colección de discos se fue multiplicando exponencialmente a la par que mi gusto musical se volvía cada vez más ecléctico.

Pero si bien es cierto que habitualmente puedo escuchar tanto música Rock como Pop independiente o hasta un poco de música electrónica, nunca escogería estos estilos musicales para escuchar mientras estoy leyendo. Ya sé que el mundo se divide entre los que no toleran ningún ruido mientras están leyendo, y los que se ponen algo de música mientras disfrutan de un buen libro; así que esta entrada está dedicada a ese segundo grupo de lectores. Siempre hablando desde mi propia experiencia y de lo que me gusta escuchar a mí cuando tengo tiempo para leer, yo recomendaría la música clásica, sí, tanto a los grandes compositores como a esos esplendidos intérpretes que hacen las delicias de los más melómanos.

Y os preguntareis por qué, para mí en este caso la música ha de ser un elemento secundario, algo así como un acompañante de la lectura, y no una distracción. Muchos estudios han revelado que un uso selectivo de la música puede ayudar a un lector a mejorar su experiencia medianamente el enfoque, la concentración y la comprensión del texto. Mientras que otros expertos en la materia han señalado que escuchar música clásica puede ayudar a reducir la presión arterial. Además la música clásica es una muy buena herramienta para la relajación y la estimulación cerebral. Y no podemos negar que este tipo de música ayuda a mejorar la calidad del sueño; y en definitiva si duermes bien, vives mejor.

En este último párrafo quiero dejar algunas recomendaciones que me gustaría compartir en este blog. Empezando siempre por un álbum recopilatorio de grandes obras maestras de la música clásica, yo diría que esta recopilación realizada por la Deutsche Grammophon es el lugar perfecto para empezar a redescubrir la música clásica. Mi segunda recomendación es buscar un intérprete actual que te guste y escucha sus trabajos para descubrir más en profundidad a esos maestros de la composición que todos conocemos de las clases de música de cuando íbamos al colegio; en mi caso yo os recomiendo a Valentina Lisitsa, una pianista ucraniana mundialmente conocida por sus exquisitas interpretaciones del compositor ruso Sergei Rachmaninoff. Y mi último consejo es explorar internet en busca de todo ese material que hay, ya sea en alguna emisora de radio online o en otras plataformas que nos ofrecen horas y horas de música al alcance de todo el mundo.

 

Tenemos que hablar de Johnny

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Esta es una entrada que me gustaría dedicarle al gran Johnny Cash, que fue uno de los grandes nombres de la música en los Estados Unidos desde la década de los cincuenta hasta el año 2003 cuando tristemente nos dejó para siempre. Para quien no lo sepa Cash no es sólo una de las principales figuras de la música Country estadounidense, sino que además fue todo un icono, y hombre admirado por apoyar a los jóvenes talentos musicales en su programa de televisión, en el cual aparecieron por primera vez un jovencísimo Bob Dylan o una desconocida muchacha canadiense llamada Joni Mitchell, además de artistas más consagrados como Ray Charles o Louis Armstrong.

Esta idea se me ocurrió mientras estaba leyendo el prólogo del libro “Eternas palabras: los poemas inéditos de Johnny Cash”, un libro muy recomendable para todos los fans del Hombre de Negro, y también para esas personas que no conocen muy bien su trayectoria artística. Pero mi consejo siempre será ir directamente a sus canciones y especialmente a las de sus primeros álbumes. Aunque para esas personas que quieran conocer más en profundidad su vida personal, les recomendaría ver la película “Walk the Line” en donde el Joaquín Phoenix y Reese Witherspoon interpretan a Johnny Cash y June Carter.

Empezando por “Eternas palabras: los poemas inéditos de Johnny Cash” tengo que decir que este libro de poemas editado por Sexto Piso en una edición que incluye tanto los poemas originales en inglés como también su traducción al castellano, y además un montón de fotografías de los textos originales escritos a mano por el propio Cash. Sobre los poemas se podría decir que es una forma más completa para apreciar la totalidad del artista que hizo de la palabra su mejor aliada para expresar sus sentimientos más profundos, así que no es de extrañar que en estos poemas se traten temas tan intimistas como son: el amor y el desamor, la mortalidad, la adicción a las drogas, la espiritualidad, la libertad y también la resignación ante esas situaciones en las que uno no puede hacer nada.

Hablando sobre la película “Walk the Line” tengo que confesar que yo la vi hace varios años y a pesar de ello hay escenas que aún tengo muy presentes. Especialmente una de las del principio, en donde vemos la tragedia que sacudió a la familia Cash cuando perdieron al pequeño Jack (el hermano pequeño de Johnny) en un accidente mortal con una sierra; muerte de la cual Johnny siempre se sintió responsable y cuyo dolor obviamente siempre lo acompaño. Pero también se centra en aspectos más positivos como la primera vez que Cash intento convencer a un productor para grabar un single, y este lo rechazo por hacer lo que todo el mundo ya estaba haciendo, pero no os preocupéis que Cash insistió hasta que al final grabó esa canción en un single.

Pero si tuviera que destacar lo que mejor recuerdo de la película, eso que podría resumirla perfectamente, yo diría que “Walk the Line” es la historia de Johnny Cash y June Carter. Para quien no lo sepa Cash conoció a June Carter (quien era parte de una familia muy conocida de músicos y cantantes) cuando estaba casado con su primera mujer, pero obviamente él ya sabía que terminaría pasando el resto de sus días al lado de June, porque a pesar de ser una mujer divorciada (no olvidemos que estaba muy mal visto en aquella época) eran justo tal para cual. De hecho uno de los hijos del matrimonio sugirió que la “verdadera causa” del fallecimiento de su padre fue la prematura perdida de su mujer.

Y en lo referente a la música que podemos decir de un hombre que grabó cincuenta y cinco álbumes de estudio, además de varios directos tan memorables como el que recogía la grabación de aquel mítico concierto ofrecido a los reclusos de la prisión federal de San Quentin. Lo que es curioso que con una carrera tan extensa y plagada de éxitos, al final todo el mundo recuerde al bueno de Cash por esa versión de Hurt que era la banda sonora de un popular anuncio de Nike.

Así que este es mi top 10 de canciones de Johnny Cash que todo el mundo debería conocer.

  • Empezando obviamente por Hurt, versión de un tema del grupo NiN que Cash hizo suya a base de dotarla de un mayor sentimiento al interpretarla de una forma mucho más directa y simplemente acompañado de su guitarra y un piano.
  • A Boy Named Sue, es obviamente una de las canciones que todo el mundo asocia con Cash, pero a pesar de no haber compuesto este tema, su interpretación por primera vez en la cárcel de San Quentin nunca será olvidada ya que fue una de las favoritas del público.
  • Ballad of a Teenage Queen era la canción que abría su segundo álbum, esta canción publicada en 1958 nos cuenta la historia de cómo una persona puede echar su vida a perder tras haber tomado la decisión errónea.
  • Ring of Fire, originalmente compuesta por June Carter, se podría decir que resume a la perfección la relación tan especial que tenían June y Johnny. Y es cierto tal vez suene muy cursi, pero es una gran canción.
  • Folsom Prison Blues, una de sus canciones más conocidas, que se caracteriza por ese ritmo acelerado tan típico del de Arkansas y esa voz inigualable. Si no me falla la memoria esta canción la compuso estando en Alemania Occidental durante el servicio militar e inspirado por la película “Inside the Walls of Folsom Prison”.
  • Jackson, esta es una de las muchas veces que los talentos de Johnny Cash y June Carter se juntaban para crear un dueto que como siempre terminaba resultando todo un éxito ya que los dos se complementaban perfectamente.
  • Man in Black, es otra de esas canciones más que conocidas que a pesar de haber sido publicada hace cuarenta y seis años sigue teniendo mucha vigencia porque en la actualidad, el mensaje que transmite es simple, el negro siempre ha sido el color de esos tipos duros que como Johnny Cash han experimentado los sinsabores de la vida.
  • Get Rhythm, es una de esas canciones especiales que a pesar de ser la cara B de uno de sus primeros singles y se convirtió rápidamente en una de sus canciones más populares.
  • I Walk the Line, probablemente esta sea mi favorita de todas sus canciones.
  • God’s Gonna Cut You Down, una parte muy importante de la personalidad de Johnny Cash está ligada a la religión y eso es algo que no sólo se puede apreciar en este tema, sino que es recurrente a lo largo de su carrera. Además el video está realmente bien con todos esos famosos rindiéndole un más que merecido tributo.

Wolf Alice, segundo año.

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Realmente sería más apropiado decir segundo álbum, ya que Wolf Alice se formó en el año 2012 y en 2013 publicaban su primer single Fluffy. Centrándonos en este segundo lanzamiento discográfico, el siempre temido segundo álbum de confirmación de una banda, tenemos que decir que Visions of a Life fue publicado el pasado mes de Septiembre, más específicamente el 29 de Septiembre y que es un disco que está compuesto por 12 canciones nuevas, lo que nos deja una duración aproximada de tres cuartos de hora de ese potente Rock británico independiente actual.

Pero muchos se preguntaran si es cierto que Wolf Alice sea un grupo de rock británico independiente, y ciertamente no hay una respuesta para esta pregunta porque estos Londinenses están dispuestos a desbaratar todo el sistema de etiquetas que tan bien le ha funcionado a las discográficas para clasificar los discos que publican. Wolf Alice es uno de esos grupos que beben de muchas fuentes y parece que con este nuevo álbum han querido expandir sus horizontes, y si por ejemplo su primer disco tenía una cierta influencia grunge, en Visions of a Life el abanico es muy amplio pasando desde ese pseudo punk del movimiento Riot Grrrl hasta ese toque New Age de algunas canciones.

En lo referente a las canciones de este nuevo álbum, no podemos obviar que Yuk Foo es una de las canciones que más llaman la atención y es que ya sea por la distorsión tanto en las guitarras como en la voz o por su contundente letra, es difícil que este tema pase desapercibido. Y es que si en un extremo nos encontramos con este Yuk Foo que sirvió como single de presentación, en el otro estaría una canción como Don’t Delete the Kisses con un ritmo más pausado pero con una letra más reflexiva y madura que se asemeja más a un poema que a la típica canción pop. Pero si una canción destaca en este álbum esa es Beautifully Unconventional, dos minutos de canción que puede servir perfectamente como carta de presentación de lo que te vas a encontrar en este disco y aun así esta es de las pocas canciones que me recuerda a su anterior trabajo discográfico.

Y es que muchos podrían esperar que tras el éxito de su debut (My Love Is Cool, 2015), la banda liderada por Ellie Rowsell, intentaría repetir la misma fórmula ganadora con la que habían impresionado tanto en Estados Unidos como en Europa, pero con este Visions of a Life parece que el grupo ha dado el paso definitivo de la consolidación.  Bueno pero tal vez yo no sea la persona más indicada para hablar sobre Wolf Alice porque es uno de mis grupos favoritos, y siempre he deseado que fueran más famosos y que todo el mundo escuchara sus canciones así que puede que mi fanatismo pueda ejercer una influencia en mis opiniones, pero al final de la entrada os dejo un top 10 de sus mejores temas, para que así podáis juzgar por vosotros mismos.

  • Moaning Lisa Smile. Si tuviera que recomendar Wolf Alice a una persona siempre elegiría esta canción y no sólo porque sea mi favorita. Curiosidad, Wolf Alice actuó tres años seguidos en Glastombury (2014, 2015 y 2016) y en dos de ellos se presentaron (casi) sin haber publicado ningún álbum, ya que My Love Is Cool se publicó el 22 de Junio (a comienzos de semana) y ellos actuaron el viernes 26, lo que demuestra el compromiso de Michael Eavis con los grupos que están empezando.
  • Giant Peach. Y fue gracias a la emisora KEXP de Seattle que yo descubrí a Wolf Alice, y es que en su página web tienen una sección donde cuelgan las actuaciones de todos los grupos que los visitan, y tú te las puedes bajar de forma gratuita y legal, así que durante muchos meses (casi tres) estuve escuchando esa grabación casi todos los días.
  • Beautifully Unconventional. Esta actuación en el famoso programa de Later… with Jools Holland, ha sido el que me ha inspirado a escribir esta entrada, y es que si la comparamos con su primera aparición en la BBC podemos ver cómo ha sido ese cambio de estilo y su evolución como grupo. Por cierto está canción tiene un toque sutil que me recuerda a Tame Impala.
  • You’re A Germ. En su primera aparición televisiva en Later… with Jools Holland se aprecia como la guitarra es el centro sobre el cual se construye el sonido de los londinenses, en donde los ritmos acelerados, los afilados riffs y las distorsiones se fusionan para poner el contexto musical a la angustia adolescente de la letra firmada por Rowsell.
  • Yuk Foo o Wolf Alice meets Kathleen Hanna. La influencia es innegable, y se puede apreciar desde la primera escucha; el problema es que el movimiento Riot Grrrl se encuentra en una fase ya casi de desaparición y encontrarse con canciones tan buenas como está puede darle un nuevo empujón. Nuevamente la distorsión es algo que Joff Oddie domina a la perfección y es habitual verlo rodeado de pedales durante los conciertos.
  • Bros. Fue junto a los dos primeras canciones de esta lista, una de las tres canciones que marcaron la carrera de estos jóvenes Londinenses, se trata de otro de esos pildorazos que si te lo pones como alarma en el teléfono móvil te ayudará a despertarte a la primera y puede que también con más energía y de mejor humor, aunque eso ya no está demostrado.
  • Don’t Delete The Kisses. Esta sería una de esas canciones que marca el ritmo de Visions of a Life con unas armonías más reposadas y elaboradas, en la que el uso de los sintetizadores han ayudado a crear una mayor consistencia en lo referente al sonido del álbum en donde también resalta la voz de Ellie Rowsell, como se puede apreciar en esta actuación en esta emisora de la Universidad de Fordham del Bronx.
  • Wolf Alice covers alt-J’s Matilda in the Live Lounge. Una de las primeras muestras de que este grupo podía adaptarse a cualquier cosa y que podían alcanzar cualquier registro musical que se propusieran, se vio con esta preciosa versión de un tema tan diferente a ellos como es alt-J’s. Sencillamente sobrecogedora.
  • Freazy. Todos sabemos que los comienzos siempre son complicados, pero no hay que ser Phil Spector para ver que en estos chicos había un gran potencial. Freazy tras algunos pequeños retoques llegó a formar parte de su debut.
  • Y ya por último un videoclip de uno de sus primeros singles, Fluffy, y quería escoger esta versión antes que la de algún concierto por tres razones. La primera es que a pesar de que es verdad de que Wolf Alice es uno de esos grupos que mejoran en directo, todos sus vídeos son una autentica pasada y realmente capturan la esencia del grupo. Segundo, aunque parezca mentira, la historia de este grupo Londinense se parece bastante a la representada en este vídeo, y es que siempre han comentado en las entrevistas que no fue hasta la llegada de Theo Ellis y Joel Amey (bajista y batería, respectivamente) que el grupo empezó a tomarse la música más en serio y de forma más profesional. Y tercero porque si os fijáis bien en el vídeo, más concretamente en el minuto 0:43 aparece un vinilo del grupo Bikini Kill que para quien no lo sepa estaba liderado por Kathleen Hanna (curiosidades de la vida) y fue el principal exponente del Riot Grrrl.

 

Seguro que alguno o alguna de vosotros ya os habréis dado cuenta de que Wolf Alice tomo su nombre como “homenaje” a uno de los relatos que forman parte de The Bloody Chamber, libro escrito por la escritora inglesa Angela Carter en 1979.

¿Es Buddy Guy el mejor guitarrista de todos los tiempos?

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He de decir que esta es una pregunta bastante difícil de responder; pero si me preguntan a mí, yo no tengo ninguna duda de que este bluesman de Louisiana es uno de los mejores, y no sólo por su extensa carrera, ni por la infinidad de grandes estrellas de la música con las que el bueno de Buddy ha compartido escenario. Y es que con Guy hay algo más profundo, es como que cada vez que lo escuchas puedes apreciar que es un auténtico genio, un pionero, un revolucionario que hizo del blues algo más, que hizo del blues su forma de vida.

Yo descubrí a Buddy Guy hace ya seis años, en 2011, gracias a los Rolling Stones con los que Guy tiene una gran relación basada en el respeto mutuo y en su pasión por la música blues tanto del Delta del Misisipi como el blues estilo Chicago que tan bien representa Buddy Guy. Digamos que si los españoles inventaron la guitarra, fueron los esclavos de las plantaciones de algodón en Estados Unidos los que convirtieron este instrumento en una forma de escape para todo su sufrimiento.

Como dije anteriormente, la primera vez que vi a Buddy Guy tocando con los Stones, recuerdo perfectamente que me sorprendió su forma de tocar tan poco convencional y tan alejada de los estándares del blues, y obviamente al ver su mítica guitarra de lunares ya me conquistó. Y desde esa primera escucha hasta el día de hoy mi cariño, respeto y admiración hacia Buddy Guy nunca ha sufrido ningún altibajo.

George Guy de ochenta y un años de edad, ha disfrutado de una amplia carrera musical que empezó en la década de los sesenta tocando para las grandes figuras de la época, e incluso participó como músico contratado en algún que otro concierto de Jimmy Hendrix. Pero su éxito comercial no llegaría hasta la década de los noventa, cuando fichó por la discográfica Silvertone y coincidiendo con la publicación de sus discos más celebrados como “Damn Right, I’ve Got the Blues” o “Feels Like Rain”. El éxito continuó con el cambio de siglo y aún se mantiene en activo publicando grandes discos como pueden ser “Skin Deep” de 2008 o “Born to Play Guitar” de 2015.

Para todas esas personas que nunca han sentido la necesidad de acercarse a este género musical, les recomiendo que empiecen por Buddy Guy, todo un virtuoso de la guitarra que además tiene una voz muy poderosa que te emocionará.

Dig Down, lo nuevo de Muse

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Esperando el nuevo disco de Muse que tendrá como carta de presentación este nuevo single, que hoy se estrena y que llevará por nombre “Dig Down”, me ha dado por volver a escuchar todos sus discos y volver a conectar con uno de mis grupos favoritos.

Tengo que decir que Muse es uno de esos grupos que siempre generan mucha expectación cuando publican algún nuevo single o disco, porque tras 23 años de carrera, son capaces de ilusionar  a sus fans y seguidores, y eso es exactamente lo que yo siento ahora mismo.

Aún recuerdo como si fuera ayer, el lanzamiento de su anterior álbum “Drones”; porque también era uno de esos días con el tiempo revuelto que tan bien define la meteorología atlántica que suele caracterizarse por esos claros y nueves; todo lo contrario que la carrera discográfica de estos tres chicos de Devon que tras siete álbumes de estudio han sabido reinventarse y ahora gozan tanto de la simpatia de la crítica como del cariño de fan por todo el mundo.

Si me preguntan cuál es mi disco favorito de Muse, yo diría que tal vez su cuarto álbum “Black Holes and Revelations” y no sólo porque fue el disco con el que yo descubrí a este grupo, sino porque es un disco abierto a varios estilos musicales y a diferentes sonidos, además de esas letras comprometidas y de denuncia que tan bien definen a Muse y especialmente porque este disco define a la perfección lo que Muse es.

Ahora toca esperar también a que se confirme una gira europea y es que Muse es uno de esos grupos que ganan mucho en directo, sí uno de esos grupo que crecen sobre el escenario; yo los pude disfrutar en 2010 y espero volver a tener otra oportunidad en un futuro no muy lejano.

Mientras estaba escribiendo esta entrada ha salido el videoclip del nuevo single y tras escucharlo cinco veces me parece que es una gran canción que va a gustarle mucho tanto a los fans de siempre como a nuevos fans… ahora tendremos que aguardar con paciencia hasta que vaya saliendo más información.

Hablando sobre los Kinks

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Hoy tengo preparada una entrada muy especial que trata sobre uno de mis grupos favoritos, bueno para ser justos diré que The Kinks son mi grupo favorito. Un grupo que tiene una canción para cada momento, pero en general uno de esos grupos que puedes escuchar a todas horas y que siempre te sorprenderán.

Los Kinks son un grupo londinense, formado en los sesenta por los hermanos Dave y Ray Davies, guitarrista y cantante respectivamente; y yo personalmente los prefiero antes que a otros de sus coetáneos como pueden ser los Beatles o los Rolling Stones. Sus señas de identidad son unas melodías muy pegadizas y unas letras muy ingeniosas con ese toque de humor irónico tan británico y un cierto toque costumbrista que te permite identificarte plenamente con los protagonistas a los que Ray da vida en sus canciones.

La carrera de los Kinks se extiende desde los sesenta hasta los noventa y con 24 álbumes de estudio, cabe destacar que durante los primeros once años de vida del grupo se publico al menos un álbum de estudio nuevo cada curso desde el 64 hasta el 75. Esos podrían ser considerados sus años dorados, aunque ciertamente los Kinks se las arreglaron más que bien para mantener una calidad bastante alta durante toda su carrera discográfica.

Desde hace un par de años existe el constante rumor que el grupo podría volver a reunirse, pero tal y como se encuentra la relación entre los hermanos Davies, a mí personalmente me resultaría toda una sorpresa, pero quién sabe…

Este es un top 10 de mis canciones favoritas de los Kinks.

  • You Really Got Me, de su debut y álbum homónimo.
  • Where Have All The Good Times Gone, muy popular e incluso versionada por David Bowie.
  • Waterloo Sunset, una de sus canciones más celebradas y todo un himno entre los fans. El 5 de Mayo se cumplirán 50 años de su lanzamiento como single.
  • Village Green, es uno de esos claros ejemplos de una canción costumbrista que te transporta a la campiña inglesa. Probablemnte este sea mi disco favorito de los Kinks.
  • Polly, esta es una canción que no figura en ningún disco ya que se trata de la cara B de un single definales de los sesenta y la verdad es que es una canción muy alegre y divertida.
  • Apeman. Bueno, de este disco tal vez lo más apropiado sería escoger Lola, pero de verdad que la letra de esta canción es lo más.
  • Here Comes Flash, Flash es el alter ego maligno de Ray Davies, que simboliza todos los males del capitalismo y la explotación inmobiliaria. Uno de sus personajes más conocidos que aparece en dos álbumes.
  • Flash’s Confession, de la segunda parte de Preservation Act, esta ópera rock en la que el personaje principal es Flash y en la que espera alcanzar la redención tras una vida plagada de fechorías
  • Black Messiah, los Kinks se acercaban a esos nuevos ritmos como podían ser el ska o el reggae tan populares a finales de los setenta, con esta canción que además trata de una forma muy original un tema bastante delicado como puede ser la diversidad.
  • Low Budget, es sin duda alguna de sus mejores canciones tanto la música como la letra son perfectas y to diría que es una de esas canciones que sirve para diferenciar a los verdaderos fans.

5+1 Discos de Morrissey que todo el mundo debería escuchar.

morrisseyAhora que estoy a punto de finalizar la lectura de la autobiografía de Morrissey -ya sólo me quedan 160 paginas- el popular cantante británico conocido tanto por su carrera en solitario como por liderar a los Smiths; he decidido que antes de centrarme en los aspectos más íntimos y personales que se recogen su autobiografía deberíamos tratar de poner en perspectiva su extensa obra musical.

Aunque sí que me gustaría y ya tengo planeado hacer una reseña de este libro tan apasionante en mi blog. Y es que en esta autobiografía, publicada originalmente por Penguin Classics y aquí en Epaña por la editorial Malpaso, podemos descubrir como Steven Patrick Morrissey se convirtió en ese icono pop que ha inspirado a tantas generaciones a lo largo de los años.

Este top 5 estará ordenado cronológicamente y obviamente sin considerar el orden de preferencia. Aclarar que solo se trata de sus álbumes como solista:

  1. Viva Hate: el disco de debut, publicado en 1988. En donde podemos ver como Morrissey es capaz de liderar un proyecto musical por su cuenta, un proyecto en este caso es más maduro. Se puede decir que aún se aprecia algo de ese típico sonido de los Smiths en algunas canciones, pero las letras de Morrissey son tan ingeniosas que te hacen querer escuchar este disco de principio a fin varias veces al día. Las canciones que yo sleccionaría son: “Angel, Angel Down We Go Together” una preciosa balada, Everyday Is Like Sunday y “Suedehead” que son dos singles con mucha pegada.
  2. Your Arsenal: el tercer disco de estudio, publicado en el verano de 1992 y bajo la producción de Mick Ronson (guitarra y mano drecha de Bowie en los 70’s). Es uno de mis discos favoritos y me es imposible escoger una canción que destaque por encima de las otras. Pero puestos a seleccionar una yo me quedaría con la primera canción del álbum “You’re Gonna Need Someone on Your Side”, que con un sonido muy potente rompía definitivamente con el legado de los Smiths para establecer ya por fin ese estilo Morrissey que luego se desarrollará en los siguientes temas de este gran álbum.
  3. You Are the Quarry: es el disco con el que Morrissey entraba en la década del 2000 y lo hacía por la puerta grande y promocionando este “You Are the Quarry” por la gran mayoría de festivales veraniegos europeos donde sus incondicionales celebraban un regreso que serviría como declaración de intenciones, pues dos años después volvía al estudio para grabar “Ringleader of the Tormentors”. Destacar: “How Can Anybody Possibly Know How I Feel?”, “I’m Not Sorry” y “Irish Blood, English Heart” que fue el single de presentación de este álbum.
  4. Years of Refusal: es el noveno álbum de estudio y tal vez su trabajo más completo hasta la fecha. Este disco está lleno de grandes canciones que rápidamente se convirtieron en himnos entre los fans del ídolo mancuniano. Con un sonido más elaborado y con el respaldo de músicos de primer nivel que además se compenetran a la perfección, es normal que la voz de Morrissey también brille con luz propia. Como decía anteriormente todas las canciones son de 10, perfectas.
  5. World Peace Is None of Your Business: el décimo y hasta la fecha último trabajo discográfico de Morrissey. Publicado en el verano del 2014 y con claras influencias de aquí y de allá. Podemos disfrutar de letras muy ingeniosas y de denuncia, especialmente contra los políticos, la sociedad actual o a favor de los derechos de los animales (Morrissey es un declarado vegetariano y miembro de PETA). Yo destacaría Kiss Me a Lot, “Istanbul” y “The Bullfighter Dies”.

Y no podía faltar un extra y en esta ocasión se trata del DVDMorrissey: 25 Live” con el que el artista inglés celebraba sus 25 años sobre los escenarios. Un DVD perfecto para todas esas personas que están descubriendo a Morrissey, pues como todos los grandes cantantes, Morrissey mejora en directo.

Descifrando el enigma Grimes

grimesMucha gente que se encuentra por casualidad con la música de Grimes siente que está ante algo totalmente novedoso y poco convencional que rompe con todo lo anteriormente establecido. Eso es debido a que Grimes es algo mucho más que una simple cantante, personalmente yo diría que es una artista que ha escogido la música como plataforma para trasmitir su arte.

Aunque realmente en el curriculum de esta joven artista canadiense, nacida en Vancouver bajo el nombre de Claire Boucher, podemos encontrar que además de cantante es compositora, productora e incluso directora de videoclips. Su proyecto artístico es Grimes y obviamente su dedicación es máxima, hasta el punto que se ha construido su propio estudio casero. En otras palabras lo hace todo ella misma. Y es que la candiense siempre lo tuvo claro desde pequeña, lo suyo sería vivir de su creatividad.

A pesar que su profesora de música le dijo que era muy mala para aprender a tocar el violín; Claire encontró en la música instrumental electrónica una forma para poder expresarse. Aunque ahora es cada vez más habitual escucharla cantando en sus propios temas e incluso colaborando con otras artistas como Aristophanes y Janelle Monáe en su último lanzamiento discográfico “Art Angels”.

Hablando sobre su carrera discográfica, tenmos que decir que se compone de cuatro álbumes Geidi Primes (2010), Halfaxa (2010) Visions (2012) y Art Angels (2015), de los cuales yo solo he escuchado los dos últimos y tengo que admitir que tras varias escuchas se convirtieron en dos de mis discos favoritos, especialmente “Art Angels” que es lo que más escucho en estos días.

“Art Angels” es un disco con un sonido muy actual y con muchos matices diferentes y en donde podemos encontrar la influencia de diferentes estilos y una mezcla de géneros musicales que como resultado nos da un disco que mantiene una unidad que hace que merezca la pena escucharlo de principio a fin.

Aunque si hay algo que realmente me encanta sobre este disco son los vídeos que la propia Grimes grabó para promocionar cada tema del álbum, así que aquí hay algunos de mis favoritos.

  • El primero corresponde a una de mis canciones favoritas, Kill V. Maim y tiene un corte futurista y cosmopolita con reminiscencias de K-Pop. Este fue el primer vídeo que vi y con el cual descubrí a Grimes.
  • El siguiente es el de Oblivion, que merece un reconocimiento especial ya sólo por el hecho de “movilizar” a tanta gente.
  • Y finalmente The AC!D Reign Chronicles. Cuarenta y cinco minutos de grabación en el que se recogen dos semanas de la gira europea y siete videos junto a la cantante Hana. Realmente no sé cómo describirlo, pero merece la pena pararse a verlo entero por las preciosas coreografías y esos paisajes espectaculares.