2022 en 6 discos:

Tal vez el timing no sea el más apropiado, pero me parece que podría ser interesante repasar esos discos que me han acompañado durante el 2022. Este es un repaso muy personal en el que he intentado seleccionar los cinco mejores álbumes del pasado año. Obviamente he tenido algunas decepciones con un par de lanzamientos musicales, pero me parece que 2022 ha sido generoso y nos ha dejado varios discos que están realmente bien.

5 – Ribbon Around the Bomb de Blossoms:
Tal vez este sea el disco que más he escuchado durante 2022, y además se trata del álbum con el cual he descubierto a este grupo inglés. Podría decir que este es un disco de pop, y que tiene ese sonido inconfundible del pop inglés; pero eso sería como no decir nada, este disco es un viaje y en él nos encontramos con un grupo que está en un gran momento y que ya han encontrado su sonido. Las canciones que forman parte de este álbum pueden funcionar perfectamente como singles, pero no hemos de obviar que este es un disco que gana mucho si se escucha desde el principio hasta el final.

4 – Will of the People de Muse:
La banda de Matt Bellamy publicaron este disco que nos lleva de vuelta a ese sonido tan característico de Muse, tal vez más duro que su anterior álbum, pero con todas esas señas tan reconocibles que hicieron a estos ingleses ser la banda de rock más grande de su generación, me refiero a esa sección rítmica que brilla con luz propia gracias al bajo de Chris Wolstenholme y la batería de Dominic Howard, especialmente en temas como “We are fucking fucked” y “You make me feel like it’s Halloween”, sin olvidarme de esos temas más íntimos que parten del piano de Bellamy y van ganado en intensidad y esto es algo que vamos a encontrar en “Liberation” y en “Ghosts”.

3 – Wet Leg de Wet leg:
Este grupo procedente de la Isla de Wight ha sido una de las sensaciones musicales de este año, su estilo de música recoge muchas influencias pero tienen algo que hace que este disco sea una auténtica maravilla. Dejando a un lado que gran parte del éxito del grupo puede relacionarse con sus carismáticas integrantes, Rhian Teasdale y Hester Chambers, hemos de destacar su manejo de la guitarra a la hora de crear riffs muy resultones. Otro punto a su favor, y que me parece algo muy interesante son las letras de sus canciones, que son igual de originales e ingeniosas que sus videoclips. Tres canciones para quienes no hayan escuchado a Wet leg: “Too late now”, “Angelica” y “Wet dream”.

2- Omnium Gatherum y Ice, death, planets, lungs, mushrooms and lava de King Gizzard & the Lizard Wizard:
En 2022 los australianos volvieron a sorprender al mundo con cinco nuevos álbumes de estudio, al igual que hicieran en el 2007, y el resultado nuevamente nos trae un par de discos que han revolucionado el panorama musical. Trabajando fuera del radar, este grupo es capaz de producir una gran variedad de canciones que recogen sus diferentes preocupaciones tanto estilísticas como temáticas, esto hace que pueda ser difícil encuadrar el disco en una determinada etiqueta, pero que nunca decepcionan.
Para mi es muy importante incluir en esta lista tanto Omnium Gatherum como Ice, Death, Planets, Lungs, Mushrooms and Lava, porque son dos discos que a pesar de sus diferencias guardan muchas similitudes, y se disfrutan mucho más al escucharlos juntos.

1 – The Car de Arctic Monkeys:
No me escondo cuando afirmo que Arctic Monkeys es tal vez mi grupo favorito, ya son muchos años escuchando sus canciones, y desde el principio he sentido que este era un grupo que crecía con cada nueva entrega, al igual que lo hacemos todos los que los descubrimos en el verano de 2006.
Pero siendo objetivo tengo que decir que la música que hacen los de Sheffield no la encontraréis en ningún otro grupo, y las canciones que firma Alex Turner no las podría haber escrito otra persona. The Car es un disco que continúa con la evolución estilística del grupo, algo que innegablemente los va separando cada vez más de sus anteriores trabajos discográficos, pero a la vez mantienen un sonido inconfundible.
Es difícil destacar una canción en un álbum tan cerrado sobre sí mismo como es The Car, pero podemos encontrar que hay algunos elementos que si consiguen destacar, empezando por una instrumentación que gana mucho gracias a la sección de cuerdas, Turner destapándose como un vocalista con un gran rango de interpretaciones, y la sutil pero infalible interpretación musical de cada uno de los miembros de Arctic Monkeys.
Todo suma, y como resultado nos encontramos con un disco que podríamos definir como una obra maestra. Mi recomendación es la de escuchar el disco con unos auriculares puestos, dejando que la música te atrape y lo envuelva todo.

King Gizzard & the Lizard Wizard en 10+1 canciones

He decidido dedicarle una entrada a King Gizzard and the Lizard Wizard, y lo quiero hacer antes de que publiquen su nuevo álbum, LW, que podremos escuchar a finales de febrero y será el primero de los tres que el grupo australiano tiene pensado publicar en este 2021. Tengo que reconocer que escuchar toda la discografía de los de Melbourne ha sido todo un placer, y un ejercicio que nos demuestra el buen estado en el que se encuentra la industria discográfica en Australia; sin embargo el tener que seleccionar diez canciones de una banda que tiene diecisiete álbumes de estudio es algo que requiere una escucha activa y más selectiva.

Algunos datos que nos ayudan a comprender la grandeza del grupo liderado por Stu Mackenzie podría ser el hecho de que su carrera está condensada en un periodo de nueve años, y no podemos dejar de mencionar que en 2017 publicaron cinco de sus diecisiete álbumes. Dejando a un lado el tema de su elevada producción artística, y centrándonos en el sonido del grupo, tenemos que enfatizar que su música es mucho más que guitarrazos y distorsiones, hay una mezcla de influencias y estilos que enriquecen su sonido y nos asegura de que nunca sabemos qué nos encontraremos en el próximo disco de King Gizzard and the Lizard Wizard.

Este grupo de Melbourne está formado por seis músicos que se caracterizan por ser capaces de tocar diferentes instrumentos, pero por lo general podemos decir que los integrantes de King Gizzard and The Lizard Wizard son: Ambrose Kenny-Smith teclados, armónica y percusión; Stuart Mackenzie cantante y guitarrista; Joey Walker y Cook Craig guitarristas; Lukas Skinner al bajo y Michael Cavanagh a la batería. Y no me quiero olvidar de Eric Moore, quien ejerció como segundo batería del grupo desde su origen y hasta el 2020, y ahora está totalmente centrado en el proyecto de Flightless Records que es sello que produce los álbumes de King Gizzard y otras bandas de la escena de Melbourne.

Antes de repasar esas canciones que he seleccionado, me gustaría hacer un pequeño análisis de una discografía en la que podemos señalar dos aspectos fundamentales: el primero es la alta producción y otro sería el hecho de que los australianos dedican un tema ya sea sonoro o conceptual a cada uno de sus trabajos discográficos. Como resultado tenemos discos que la gente conecta entre ellos, e incluso hay gente que afirma que todos los álbumes del grupo están conectados. Yo recomiendo “Nonagon Infinity” (2016), “Flying Microtonal Banana” (2017), “Polygondwanaland” (2017) y “K.G.” (2020) como los discos que todo el mundo tiene que escuchar para empezar a disfrutar de la música de este grupo.

Mi lista de diez canciones: como siempre muy personal y siendo consciente de que se han quedado fuera algunas canciones que también son muy interesantes.

«High Hopes Low» de 12 Bar Bruise (2012). Tema perteneciente al álbum debut de King Gizzard and the Lizard Wizard, esta es la típica canción que podemos seleccionar como carta de presentación del grupo, y se trata de un tema que define a la perfección ese sonido que está presente en este primer trabajo musical, pero que también apreciamos en los siguientes álbumes de la banda.

«Head On/Pill» de Float Along – Fill Your Lungs (2013). Canción con la que abre este tercer disco, y que deja una clara declaración de intenciones, además de ser una muestra de la ambición de este grupo australiano que no le tiene miedo ni a la duración de sus canciones, ni a dejarse llevar por la improvisación controlada que pueden tener los músicos que empiezan a componer a través de lo que vaya surgiendo en las sesiones de grabación de un álbum.

«I’m in Your Mind Fuzz» de I’m in Your Mind Fuzz (2014). Con su quinto álbum de estudio podemos afirmar que King Gizzard and the Lizard Wizard inician el proceso de la recogida de diferentes influencias que terminarán enriqueciendo su sonido. También es innegable el cuidado que se pone en la instrumentación de este álbum.

«Bone» de Paper Mâché Dream Balloon (2015). Este es un disco que se caracteriza por el sonido inconfundible de los instrumentos acústicos con los que los integrantes del grupo tuvieron que trabajar para este séptimo álbum. Otra de las curiosidades de Paper Mâché Dream Balloon es que Eric Moore aparece como que no ha tocado ningún instrumento, y con un escueto «nothing» en los créditos del disco.

«Gamma Knife» de Nonagon Infinity (2016). Podemos afirmar que fue en 2016 cuando la cosa se puso seria para los de Melbourne, y con la publicación de este disco consiguieron sus primeros éxitos en las listas de la ARIA (Australian Recording Industry Association) y el Billboard americano. Un reconocimiento al trabajo de este grupo, que viene tras haber conseguido completar un álbum conceptual como es Nonagon Infinity, en el que tenemos nueve canciones en las que el final de unas se difuminan con el principio de las siguientes, y el último tema nos vuelve a llevar al comienzo del álbum.

«Billabong Valley» de Flying Microtonal Banana (2017). En esta ocasión nos encontramos con un grupo de músicos que se encierran en el estudio y deciden que van a experimentar con los microtonos (cada uno de los intervalos musicales menores que un semitono y permite la utilización de más notas), e incluso han modificado sus instrumentos para llegar a esos microtonos. Y se trata de un disco de un nivel tan alto que tras varias escuchas me ha sido imposible seleccionar una canción que destaque por encima del resto; es por ello que me quedo con esta que trata sobre el tema de los forajidos australianos, y en lo sonoro tiene influencias que nos llevan hasta las costas de la península de Anatolia. Además en esta ocasión podemos escuchar a Ambrose como la voz principal.

«The Lord of Lightning» de Murder of the Universe (2017). Muchas son las personas que afirman que hay evidencias claras de que este disco y Nonagon infinity (2016) son dos álbumes que comparten el mismo tema conceptual y que están conectados entre ellos; y podemos pensar que si en el estribillo de este tema se canta “Nonagon, nonagon. Nonagon infinity.” esas personas tal vez tienen algo de razón. Un disco imprescindible en el que encontramos joyas como esta, mezcladas con la voz de dos narradores diferentes, que nos van narrando una historia de ciencia ficción utilizando la técnica del spoken word.

«Polygondwanaland» de Polygondwanaland (2017). La canción que da título al duodécimo trabajo discográfico de los aussie nos demuestra que menos es más, y que cuando se tiene todo por su sitio los resultados llegan, y en este caso con un disco redondo en el que encontramos temazos como este.

«Venusian 1» de Infest the Rats’ Nest (2019). Con este disco he tenido un pequeño dilema, y es que «Venusian 1» no es la mejor canción que podemos escuchar en Infest the Rats’ Nest; sin embargo esta es la canción que da inicio a la parte final del álbum, y es la que nos lleva al final de la historia que con una temática claramente ecologista podemos escuchar en este álbum desde el principio hasta el final del mismo. Además este disco supone la primera aproximación a un sonido más potente como es el del thrash metal.

«Oddlife» de K.G. (2020). En esta segunda aventura explorando todas las opciones que ofrecen los microtonos el grupo de Stu Mackenzie nos han deleitado con un disco que está lleno de grandes temas, pero del que podemos rescatar este “Oddlife”, marcado por un sonido dominado por la percusión y en el que nos lleva de vuelta a Flying Microtonal Banana (2017).

Y un extra, que en esta ocasión corresponde al último single del próximo álbum L.W. (2021), que lleva por título «O.N.E.«, y del que podemos decir que es una especie de continuación del álbum lanzado en 2020, además de ser un nuevo acercamiento a los microtomos, y un disco que será el primero de los tres que los australianos han prometido sacar en este 2021.

Para finalizar me gustaría decir que yo descubrí a King Gizzard & the Lizard Wizard a finales de 2019 cuando estaban presentado “Infest the rats’ nest” en la emisora de radio KEXP, y esa primera aproximación fue realmente nefasta; y tengo que confesar que tardé algo más de un año en volver a conectar con este grupo, y fue gracias a un álbum como “K.G.”, que llevó a los australianos a posicionarse en lo más alto de las listas de los mejores álbumes publicados en 2020, y de esta forma me dieron una oportunidad para volver a escuchar su propuesta musical y poder apreciarla como de verdad se merece.

Gigaton de Pearl Jam

Gigaton de Pearl Jam es un disco que se publicó a principios de año, el veintisiete de marzo, y que era muy esperado tanto por los fans de toda la vida, como aquellos que descubrieron a los de Seattle con sus últimos trabajos discográficos. En este nuevo álbum de Pearl Jam encontraremos un sonido reconocible y un comienzo potente con el que dejan claro desde el principio lo que nos vamos a encontrar en este disco.

Tengo que decir que este es un sonido que difícilmente podrá pasar de moda, y que nuevamente demuestra que Pearl Jam eran el grupo más interesante, musicalmente hablando, de todos los nacidos en la escena grunge de los noventa.

En este disco también podemos apreciar una apuesta por un estilo más actual, pero sin renunciar a esas letras cargadas de mensajes que siempre hemos podido escuchar en los discos del grupo liderado por Eddie Vedder, un Vedder por el que parece que no pasa el tiempo y canta de una manera realmente increíble.

Son muchos los que han comentado que Gigaton es tal vez el mejor trabajo discográfico de los de Seattle desde que en 1998 publicasen su celebrado álbum Yield, y tengo que decir que tras varias escuchas he notado que en esta ocasión tenemos esa continuidad que ha faltado en los discos más recientes. A pesar de ello hay varias canciones que me gustaría destacar:

Empezando por “Never destination” canción que alberga ese sonido tan característico de Pearl Jam, y en la que podemos encontrar uno de esos solos de guitarra que tan bien ejecuta Mike McCready.

Y seguimo con “Retrograde”, todos sabemos de la preocupación por la conservación del planeta que Pearl Jam han demostrado en el pasado, el ecologismo es un tema presente en su discografía que no es de extrañar que canciones como esta sean tan especiales, un medio tiempo en la que los teclados son protagonistas.

Y es en “Dance of the clairvoyants” donde Jeff Ament y Matt Cameron demuestran que han formado una de esas secciones rítmicas que es capaz de crear canciones en las que el bajo y la batería pueden ser los instrumentos principales. Además los riff de guitarra vienen y van, mientras acompañan a la voz de Eddi Vedder que canta una de esas canciones en las que nos deja varias muestras de todo su ingenio como letrista.

Pero es en “Comes then goes” cuando los sentimientos por la pérdida de un gran amigo salen a relucir, la amistad entre Eddie Vedder y Chris Cornell era algo conocido, y no estoy hablando de ese reconocimiento mutuo de dos grandes cantantes, sino de una amistad verdadera a la que le faltaba este precioso tributo tras el fallecimiento de Cornell en 2017.

Y por último destacar una canción que corre el riesgo de pasar desapercibida, me refiero a “Who ever said”, que es la encargada de abrir este excelente álbum. De este tema me quedo con esa perfecta combinación entre Stone Gossard y Mike McCready, dos excelentes guitarristas que se complementan y es algo que sólo puede lograrse con el paso de los años.

No lo niego, Gigaton es uno de los mejores álbumes de este año, y me alegra haberlo escuchado en profundidad, ya que de esta forma uno puede apreciar que este es un disco que ha nacido con el propósito de ser escuchado de principio a fin, sin bajar el nivel en ningún momento, y en el que Pearl Jam vuelven a demostrar que son uno de los mejores grupos de su generación.

Mystery Jets en ocho canciones

Con motivo del próximo lanzamiento del séptimo álbum de estudio de este grupo londinense, me gustaría dedicarles una entrada para repasar una carrera que está plagada de grandes canciones. Mystery Jets es uno de los grupos actuales que más me gustan, y a los que tengo gran estima porque han sido capaces de mejorar con cada álbum.

Personalmente tengo las expectativas muy altas con este álbum que verá la luz el tres de abril (aunque se puede escuchar un adelanto en Spotify). Todos los que conocemos un poco la historia de este grupo sabemos que el lanzamiento de este, tan esperado, disco tuvo que ser pospuesto debido a una operación de emergencia a la que se sometió Blaine Harrison en el verano de 2019, es por ello que tal vez todos queremos poder sentarnos a escuchar este “A Billion Heartbeats” desde el principio hasta el final.

Otra noticia que ha salpicado el lanzamiento de este séptimo álbum ha sido la salida del grupo de uno de sus miembros fundadores, el guitarrista y también cantante, William Rees. William se despidió de sus compañeros mediante un post en Instagram y dejando claro que seguirá vinculado a la música.

Dicho esto, ahora sí que podemos repasar todos esos temazos firmados por Mystery Jets:

Y qué mejor forma que empezar esta selección de diez canciones de los Mystery Jets que hacerlo con uno de los temas que encontraremos en el nuevo disco, y que lleva por título “Screwdriver”, esta es una canción que habla sobre los peligros del auge nacionalista que estamos viviendo en Europa.

También me gustaría destacar canciones más antiguas y que forman parte de esos primeros álbumes que vieron la luz a finales de la pasada década. Un buen ejemplo es “Young Love”, que personalmente es el tema con el que descubrí a este grupo, y todo gracias a que en la canción colabora Laura Marling cantando a dueto con William Rees.

Otro de esos temas que ya tienen unos cuantos años es “Serotonin”, tema que da nombre a uno de sus discos más ambiciosos, y que simboliza uno de los puntos de inflexión en la carrera del grupo, y además es una canción que desprende una energía especial.

Tampoco no me quiero olvidar de “Someone Purer” tal vez una de sus mejores canciones a nivel de letras, y también cómo va evolucionando con la incorporación progresiva de todos los instrumentos. Este tema fue escogido como single promocional de su quinto trabajo discográfico, y aunque pasó desapercibido en los charts de los más exitosos, les ayudó a consolidarse como un grupo más conocido llegando a colocar este álbum entre los cuarenta mejores del Reino Unido.

En 2016 aparecía “Midnight’s Mirror” tema en el que volvemos a encontrarnos con William Rees en su faceta como vocalista, y que nos demuestra una evolución en el sonido que se aleja totalmente de todo lo grabado por el grupo hasta la fecha. Un sonido más pesado, y una producción mucho más cuidada que sin duda alguna ayudaron a definir el sonido del grupo.

Otra canción que afianza la idea de que un álbum puede definir la carrera de un grupo, podría ser “Bubblegum”, tema que al igual que el anterior encontrarlos en el sexto álbum de Mystery Jets “Curve of the Earth”. Pero tal vez la diferencia es que en “Bubblegum” apreciamos una estructura más tradicional de una canción pop.

Y no podemos obviar que los orígenes del grupo estaban en la música popular, y en esas cancioncillas alegres como puede ser “Two doors down”, canción de temática relacionada con ese amor juvenil, que es algo muy presente en ese fantástico álbum que era “Twenty One”.

Y para terminar una canción que a pesar de no aparecer en ninguno de los álbumes publicados por el grupo, me parece que merece una mención especial. Me refiero a “The World Is Overtaking Me”, porque es una de esas canciones que cuando escuchas por primera vez puede pasar desapercibida, pero que luego es difícil quitarte de la cabeza.

Esto es todo por mi parte, y teniendo en cuenta lo mucho que me ha impresionado este grupo desde la publicación del anterior álbum, estoy seguro de que “A Billion Heartbeats” será uno de los discos del año.

Can’t tell me no de Summer Cannibals

Hoy me gustaría dedicarle un par de líneas a un nuevo descubrimiento musical, que me parece que no están recibiendo toda la atención que se merecen con la publicación de su cuarto álbum de estudio.

Formados en Portland, Summer Cannibals es un grupo de rock en el que destacan las potentes guitarras de Cassi Blum y Jessica Boudreaux (vocalista del grupo), y en donde la sección rítmica no se queda atrás gracias a la potente batería de Devon Shirley y el bajo de Ethan Butman. Como muchos os habréis dado cuenta, el nombre del grupo es un claro homenaje a la cantante de Chicago Patti Smith.

Este disco del que me gustaría hablar lleva por título “Can’t Tell Me No”, y a pesar de que aún no he tenido mucho tiempo de escucharlo, estoy prácticamente seguro de que es uno de los mejores discos del año, y sin ninguna duda mi favorito de este 2019. Publicado el veintiocho de Junio, este disco se compone de once temas de puro Rock and Roll.

Como decía anteriormente, Summer Cannibals es un descubrimiento muy reciente para mí, pero he de confesar que es muy fácil conectar con su música, y es que de verdad que sus temas tienen un sonido muy fresco y actual, pero sin perder ni un ápice de esa potencia y energía típica de los grupos de los noventa.

Una de las canciones que más me ha impresionado es “False anthem”, este tema que abre el disco podría funcionar perfectamente como tarjeta de presentación acerca de lo que nos iremos encontrando con el paso de las canciones, un grupo con las ideas claras y que saben tocar sus instrumentos. También muy interesante el tema que da nombre a este álbum, “Can’t tell me no” con un ritmo marcado por el bajo y en el que destacan para bien los coros del estribillo que se funden entre el riff de las guitarras.

Otro aspecto a reseñar son las letras, y es que detrás del sonido de esos amplificadores a la máxima potencia se encuentra un mensaje claro y contundente en el que Jessica Boudreaux quiere trasladar una sensación de seguridad y confianza a todos los que están escuchando este disco; un disco que se volvió a hacer desde cero, en el transcurso de 24 o 48 horas, tras no quedar satisfechas con el resultado de la primera grabación. En este apartado hay dos temas como son “Start breaking” y “Spin” que demuestran las buenas habilidades compositoras de Boudreaux.

Pero si tengo que quedarme con mis dos canciones favoritas de este maravilloso “Can’t tell me no”, elijo dos canciones que casualmente fueron las dos primeras que escuché de este grupo, la primera lleva por nombre “One of many” y la otra se titula “Behave”, y se da la casualidad que estas son las dos canciones más largas del disco, y de verdad que al escucharlas se hacen cortas. De la primera me encantan esas guitarras gemelas con las que empieza la canción, y que justamente volveremos a escuchar al final de la misma, una forma perfecta de empezar y poner fin a un tema que es realmente genial. Mientras que “Behave” es un mediotiempo que va ganando velocidad y aumentando el ritmo progresivamente hasta llegar al último estribillo.

Yo quiero decir que Summer Cannibals es un grupo que de verdad se merece mucha más atención, un grupo que está haciendo las cosas bien, con un gran futuro por delante. Pero sobretodo son capaces de hacer un gran álbum como es este “Can’t tell me no”, disco que hay que escuchar desde el principio hasta el final porque de verdad que está repleto de agradables sorpresas a modo de auténticos temazos.

Los 10 mejores discos de 2017

Esta es una entrada en la que me gustaría repasar los que yo considero que han sido los mejores álbumes publicados en este año 2017 al que ya le quedan unos pocos días para terminarse.

Agoraphobia – Incoming Noise. Me vais a permitir que empiece este repaso con el producto local, sí, uno de esos grupos Gallegos que no tienen nada que envidiarle a ningún otro grupo. Además en este caso sé exactamente de lo que estoy hablando, pues he tenido la suerte de poder ver a Agoraphonia en directo y no en una única actuación, sino que en dos ocasiones. Este grupo formado por cuatro chicas de Boiro se mantiene fiel a su estilo en esta segunda entrega en la que destacan temas como: «É unha opinión«, «Rainbows» o mi canción favorita «Karlova«.

Marika Hackman – I’m not your Man. Yo descubría a Marika gracias a aquel maravilloso Podcast que presentaba Laura Marling, creo recordar que se llamaba Reversal Of The Muse, y tras escuchar sus opiniones sobre las mujeres que trabajan en la industria musical decidí explorar su discografía y en ella encontré canciones de corte folk. Pero en este I’m not you Man no encontraréis nada de eso, y es que este es un álbum marcado por ese sonido más pop independiente, y tengo que decir que este es un disco que me ha convencido.

Vetusta Morla – Mismo sitio, distinto lugar. El último trabajo discográfico de los madrileños, ha recibido una gran acogida tanto de los fans como por parte de la crítica especializada, y es que tras tres años de espera la gente tenía ganas de Vetusta Morla. Este es un grupo que también he podido ver en directo, y aunque ya han pasado unos cuantos años, tengo que decir que estoy convencido de que es uno de los mejores representantes de la música española. Mis favoritas de este disco son: «Consejos de Sabios«, «La vieja Escuela» y «Deséame suerte» que fue escogida como single de presentación de este gran disco.

Arcade Fire – Everything Now. Confieso que en este disco tenía puestas muchas esperanzas y mis expectativas tal vez eran más altas de lo que de verdad correspondía a un álbum en el que los canadienses de Arcade Fire han tratado de repetir la misma fórmula de sus dos anteriores trabajos, y es por ello que tras escucharlo de principio a fin se nota un poco deslavazado y con falta de cohesión entre las canciones. Pero no me malinterpretéis este “Everything Now” está plagado de grandes temas que estoy convencido que sonaran muy bien en directo, temas como por ejemplo: «Signs of Life«, «Electric Blue» o «Good God Damn«.

Wolf Alice – Visions of a Life. Este segundo lanzamiento discográfico de los londinenses supone un paso adelante en la consolidación de un proyecto musical que aún sigue creyendo en el Rock de guitarras, y he decir que ver la evolución del grupo liderado por Ellie Rowsell ha sido bastante emocionante. Como suele pasar en la mayoría de los casos estos segundos lanzamientos, suelen estar acompañados de largas giras que sirven para presentar el nuevo álbum, y estoy convencido de que en los escenarios y tocadas en directo estas nuevas canciones incluso sonaran mejor.

Mark Lanegan – Gargoyle. Antes de nada he de reconocer mi incompetencia a la hora de ordenar estos últimos cinco discos, empezando con un “Gargoyle” que bien podía estar en el número 1, y condicionado porque en estas restantes posiciones se sitúan intérpretes a los que les tengo mucho aprecio. Dicho esto, me gustaría comentar esas cosas que convierten este último trabajo de Mark Lanegan en uno de los mejores discos del 2017; empezando por la voz del de Seatle. La voz de Lanegan es inconfundible, y ya sea en sus colaboraciones con Queens of the Stone Age o Isobel Campbell el bueno de Mark siempre termina apoderándose de la canción. Segundo el sonido del disco es actual, trepidante y sobretodo tiene ese sello inconfundible de los discos hechos para soportar el paso del tiempo. Tercero, y esta ya es una razón más personal, este es su mejor disco en solitario, y ya sé que es muy ventajista por mi parte hacer una afirmación de este calado, pero de los más de veinticinco años de carrera en solitario y tras diez álbumes es ahora cuando estamos disfrutando de la mejor versión de Mark Lanegan. De este álbum yo me quedaría con estas tres canciones: «Blue blue sea«, «Beehive» o «Emperor«.

Queens of the Stone Age – Villains. El séptimo de los californianos, es uno de esos discos que bien podría definir una carrera, ya que en el encontramos todos los elementos que se repiten una y otra vez en la carrera de este grupo como pueden ser las guitarras estridentes, los riffs pegadizos y ese sonido pesado marcado por el uso de los pedales de distorsión en el que la voz de Josh Homme pone el contrapunto perfecto. Este “Villains” es un disco de cuarenta y ocho minutos, y nueve canciones, en el que muchas de ellas pasan de los cuatro minutos de duración; pero que al escucharlo se te va a hacer corto, o eso es lo que me ocurre a mi cada vez que lo estoy escuchando y al llegar al último tema ya estoy pensando en volver a empezar a escucharlo otra vez.

En tercera posición. Sueños y Pan de Xoel López. Como os avance a principios de mes, este nuevo álbum del Gallego Xoel López es uno de los mejores discos del año. Este disco recoge todas esas influencias que tras el paso de los años han ido apareciendo en los anteriores álbumes del genial cantautor coruñés. Este es un disco que tengo que admitir que me gusta bastante, y no sólo por el hecho de que yo también sea gallego, sino que estamos hablando de uno de los mejores representantes de la música española y de un disco como Sueños y Pan que da gusto escuchar desde el principio hasta el final, es un disco muy completo.

Segunda posición para Laura Marling y su Semper Femina. Poniendo en perspectiva la meteórica carrera de la de Hampshire nos encontramos con una de las mejores voces del nuevo folk británico, que con apenas veintisiete años ha publicado seis álbumes de estudio; y que en 2011 ganaba su primer Brit Awards en la categoría de mejor cantante solista femenina. Ahora con este “Semper Femina” tal vez pueda sumar su primer premio Grammy al cual ha sido nominada dentro de la categoría de mejor disco de folk, aunque lo veo un poco complicado sobre todo si tenemos en cuenta el hecho de que los otros nominados son discos de estilos tan diferentes como el Country o el estilo Americana. Bueno sea como sea, “Semper Femina” es un gran disco que merece la pena escuchar, y como digo siempre Laura Marling es una persona que ha ido mejorando con cada uno de sus trabajos discográficos y eso se puede apreciar en canciones como: «The Valley«, «Don’t Pass Me By» o «Nothing, Not Nearly«.

Primera posición y mejor disco de este años 2017: Low in High School de Steven Patrick Morrissey.

Ciertamente lo nuevo de Morrissey es genial, sublime, fantástico o superlativo, lo podemos decir con todos los sinónimos que se nos ocurran, pero la verdad es que este “Low in High School” es un disco perfecto. Morrissey es una persona que muchas veces genera más noticas por sus polémicas, aunque cada vez que se decide a publicar un nuevo disco, la crítica se vuelve loca y su legión de fans lo celebra (o tal vez era al revés).

El antiguo líder de The Smith se embarcó en este proyecto en solitario allá por el año 1988 (el 14 de Marzo se cumplirán 30 años de la publicación de “Viva Hate”), y hemos de decir que mal no le ha ido durante estos años. Pero con “Low in High School” yo tengo la sensación de que este es su mejor disco, obviamente me parece mejor que el anterior “World Peace Is None of Your Business”, y me recuerda un poco a “Years of Refusal” especialmente en lo referente al apartado musical. Las letras siguen siendo tan comprometidas como siempre y el bueno de Moz sigue cuestionado todo aquello que no le gusta, sirva como ejemplo la misma portada de este álbum. A mí me es imposible elegir una canción que pueda destacar de este disco, pero os dejo un enlace a la lista de reproducción del álbum que tan inteligentemente han creado en YouTube para promocionar el nuevo disco, ya sabemos que una de las razones por las que Morrissey abandonó al sello discográfico Capitol fue la mala o mejor dicho nula promoción de “World Peace Is None of Your Business”.

Wolf Alice, segundo año.

Realmente sería más apropiado decir segundo álbum, ya que Wolf Alice se formó en el año 2012 y en 2013 publicaban su primer single Fluffy. Centrándonos en este segundo lanzamiento discográfico, el siempre temido segundo álbum de confirmación de una banda, tenemos que decir que Visions of a Life fue publicado el pasado mes de Septiembre, más específicamente el 29 de Septiembre y que es un disco que está compuesto por 12 canciones nuevas, lo que nos deja una duración aproximada de tres cuartos de hora de ese potente Rock británico independiente actual.

Pero muchos se preguntaran si es cierto que Wolf Alice sea un grupo de rock británico independiente, y ciertamente no hay una respuesta para esta pregunta porque estos Londinenses están dispuestos a desbaratar todo el sistema de etiquetas que tan bien le ha funcionado a las discográficas para clasificar los discos que publican. Wolf Alice es uno de esos grupos que beben de muchas fuentes y parece que con este nuevo álbum han querido expandir sus horizontes, y si por ejemplo su primer disco tenía una cierta influencia grunge, en Visions of a Life el abanico es muy amplio pasando desde ese pseudo punk del movimiento Riot Grrrl hasta ese toque New Age de algunas canciones.

En lo referente a las canciones de este nuevo álbum, no podemos obviar que Yuk Foo es una de las canciones que más llaman la atención y es que ya sea por la distorsión tanto en las guitarras como en la voz o por su contundente letra, es difícil que este tema pase desapercibido. Y es que si en un extremo nos encontramos con este Yuk Foo que sirvió como single de presentación, en el otro estaría una canción como Don’t Delete the Kisses con un ritmo más pausado pero con una letra más reflexiva y madura que se asemeja más a un poema que a la típica canción pop. Pero si una canción destaca en este álbum esa es Beautifully Unconventional, dos minutos de canción que puede servir perfectamente como carta de presentación de lo que te vas a encontrar en este disco y aun así esta es de las pocas canciones que me recuerda a su anterior trabajo discográfico.

Y es que muchos podrían esperar que tras el éxito de su debut (My Love Is Cool, 2015), la banda liderada por Ellie Rowsell, intentaría repetir la misma fórmula ganadora con la que habían impresionado tanto en Estados Unidos como en Europa, pero con este Visions of a Life parece que el grupo ha dado el paso definitivo de la consolidación.  Bueno pero tal vez yo no sea la persona más indicada para hablar sobre Wolf Alice porque es uno de mis grupos favoritos, y siempre he deseado que fueran más famosos y que todo el mundo escuchara sus canciones así que puede que mi fanatismo pueda ejercer una influencia en mis opiniones, pero al final de la entrada os dejo un top 10 de sus mejores temas, para que así podáis juzgar por vosotros mismos.

• Moaning Lisa Smile. Si tuviera que recomendar Wolf Alice a una persona siempre elegiría esta canción y no sólo porque sea mi favorita. Curiosidad, Wolf Alice actuó tres años seguidos en Glastombury (2014, 2015 y 2016) y en dos de ellos se presentaron (casi) sin haber publicado ningún álbum, ya que My Love Is Cool se publicó el 22 de Junio (a comienzos de semana) y ellos actuaron el viernes 26, lo que demuestra el compromiso de Michael Eavis con los grupos que están empezando.
• Giant Peach. Y fue gracias a la emisora KEXP de Seattle que yo descubrí a Wolf Alice, y es que en su página web tienen una sección donde cuelgan las actuaciones de todos los grupos que los visitan, y tú te las puedes bajar de forma gratuita y legal, así que durante muchos meses (casi tres) estuve escuchando esa grabación casi todos los días.
• Beautifully Unconventional. Esta actuación en el famoso programa de Later… with Jools Holland, ha sido el que me ha inspirado a escribir esta entrada, y es que si la comparamos con su primera aparición en la BBC podemos ver cómo ha sido ese cambio de estilo y su evolución como grupo. Por cierto está canción tiene un toque sutil que me recuerda a Tame Impala.
• You’re A Germ. En su primera aparición televisiva en Later… with Jools Holland se aprecia como la guitarra es el centro sobre el cual se construye el sonido de los londinenses, en donde los ritmos acelerados, los afilados riffs y las distorsiones se fusionan para poner el contexto musical a la angustia adolescente de la letra firmada por Rowsell.
• Yuk Foo o Wolf Alice meets Kathleen Hanna. La influencia es innegable, y se puede apreciar desde la primera escucha; el problema es que el movimiento Riot Grrrl se encuentra en una fase ya casi de desaparición y encontrarse con canciones tan buenas como está puede darle un nuevo empujón. Nuevamente la distorsión es algo que Joff Oddie domina a la perfección y es habitual verlo rodeado de pedales durante los conciertos.
• Bros. Fue junto a los dos primeras canciones de esta lista, una de las tres canciones que marcaron la carrera de estos jóvenes Londinenses, se trata de otro de esos pildorazos que si te lo pones como alarma en el teléfono móvil te ayudará a despertarte a la primera y puede que también con más energía y de mejor humor, aunque eso ya no está demostrado.
• Don’t Delete The Kisses. Esta sería una de esas canciones que marca el ritmo de Visions of a Life con unas armonías más reposadas y elaboradas, en la que el uso de los sintetizadores han ayudado a crear una mayor consistencia en lo referente al sonido del álbum en donde también resalta la voz de Ellie Rowsell, como se puede apreciar en esta actuación en esta emisora de la Universidad de Fordham del Bronx.
• Wolf Alice covers alt-J’s Matilda in the Live Lounge. Una de las primeras muestras de que este grupo podía adaptarse a cualquier cosa y que podían alcanzar cualquier registro musical que se propusieran, se vio con esta preciosa versión de un tema tan diferente a ellos como es alt-J’s. Sencillamente sobrecogedora.
• Freazy. Todos sabemos que los comienzos siempre son complicados, pero no hay que ser Phil Spector para ver que en estos chicos había un gran potencial. Freazy tras algunos pequeños retoques llegó a formar parte de su debut.
• Y ya por último un videoclip de uno de sus primeros singles, Fluffy, y quería escoger esta versión antes que la de algún concierto por tres razones. La primera es que a pesar de que es verdad de que Wolf Alice es uno de esos grupos que mejoran en directo, todos sus vídeos son una autentica pasada y realmente capturan la esencia del grupo. Segundo, aunque parezca mentira, la historia de este grupo Londinense se parece bastante a la representada en este vídeo, y es que siempre han comentado en las entrevistas que no fue hasta la llegada de Theo Ellis y Joel Amey (bajista y batería, respectivamente) que el grupo empezó a tomarse la música más en serio y de forma más profesional. Y tercero porque si os fijáis bien en el vídeo, más concretamente en el minuto 0:43 aparece un vinilo del grupo Bikini Kill que para quien no lo sepa estaba liderado por Kathleen Hanna (curiosidades de la vida) y fue el principal exponente del Riot Grrrl.

Seguro que alguno o alguna de vosotros ya os habréis dado cuenta de que Wolf Alice tomo su nombre como “homenaje” a uno de los relatos que forman parte de The Bloody Chamber, libro escrito por la escritora inglesa Angela Carter en 1979.

Save me from the villains of circumstance

Tras escuchar Villains el nuevo disco de Queens of the Stone Age unas cuantas veces he llegado a la firme conclusión de que este es uno de sus mejores trabajos discográficos; y no sólo por el hecho de que es el último disco que han publicado los de Palm Desert, sino que al escucharlo uno tiene la convicción de que este disco ha sido creado con la finalidad de ser escuchado de principio a fin y aun así tienes nueve canciones que podrían ser un hit en cualquier otro álbum.

Para quien no lo sepa Queens of the Stone Age es uno de los grupos más destacados del panorama Norte Americano de los últimos veinte años, y bajo la dirección creativa de Josh Homme han establecido un sello inconfundible que a base de riffs de guitarra y unas letras llenas de metáforas y misticismo han convertido el rock de tres acordes en algo mucho más artístico.

Como dije anteriormente lo que más destaca de este Villains es que cada canción parece formar parte de una gran canción y que las transiciones entre ellas parecen una mera línea borrosa que no nos permite distinguir si estamos en la pista tres o ya hemos llegado a la cuatro, esto se aprecia muy bien con las canciones Domesticated Animals y Fortress. Pero aun así debemos mencionar tres canciones que resaltan sobre las demás.

Empezando con la primera canción Feet Don’t Fail Me que tras más de un minuto y cuarenta y cinco segundos de introducción nos traslada a una atmosfera de sonidos industriales con un toque de sintetizadores que nos recuerda mucho a su quinto trabajo discográfico Era Vulgaris.

Luego también tendríamos que resaltar The Evil Has Landed, canción que ha sido publicada como segundo single de este Villains, y que tiene muchas semejanzas con otro de esos grandes proyectos paralelos de Josh Homme fuera de Queens of the Stone Age, me refiero al supergrupo Them Crooked Vultures, y es que en este tema nos encontramos otra vez ese mismo esquema basado en riffs de guitarras pesados y un estribillo pegadizo que se repite hasta que se te queda grabado eso de “close, como close”.

Y que puedo decir de Villains of Circumstance, última canción del álbum y el tema que da título al disco, una preciosa balada marcada por una atmosfera oscura en la que sólo la cálida voz de Homme nos da algo de luz. Sin duda alguna esta es una de sus mejores canciones y me parce que es la mejor forma de poner fin a este gran álbum.

Para terminar me gustaría decir que al final el impacto que haya podido tener Mark Ronson como productor sólo puede ser positivo, y es que este disco suene como Queens of the Stone Age y aún así nos deja ese sabor a novedad. Para mí Villains es uno de sus mejores discos y se podría decir que este es el disco perfecto para todas esas personas que aún no conocen a esta gran banda.

5+1 Discos de Morrissey que todo el mundo debería escuchar

Ahora que estoy a punto de finalizar la lectura de la autobiografía de Morrissey -ya sólo me quedan 160 paginas- el popular cantante británico conocido tanto por su carrera en solitario como por liderar a los Smiths; he decidido que antes de centrarme en los aspectos más íntimos y personales que se recogen su autobiografía deberíamos tratar de poner en perspectiva su extensa obra musical.

Aunque sí que me gustaría y ya tengo planeado hacer una reseña de este libro tan apasionante en mi blog. Y es que en esta autobiografía, publicada originalmente por Penguin Classics y aquí en Epaña por la editorial Malpaso, podemos descubrir como Steven Patrick Morrissey se convirtió en ese icono pop que ha inspirado a tantas generaciones a lo largo de los años.

Este top 5 estará ordenado cronológicamente y obviamente sin considerar el orden de preferencia. Aclarar que solo se trata de sus álbumes como solista:

1. Viva Hate: el disco de debut, publicado en 1988. En donde podemos ver como Morrissey es capaz de liderar un proyecto musical por su cuenta, un proyecto en este caso es más maduro. Se puede decir que aún se aprecia algo de ese típico sonido de los Smiths en algunas canciones, pero las letras de Morrissey son tan ingeniosas que te hacen querer escuchar este disco de principio a fin varias veces al día. Las canciones que yo sleccionaría son: «Angel, Angel Down We Go Together» una preciosa balada, «Everyday Is Like Sunday« y «Suedehead» que son dos singles con mucha pegada.
2. Your Arsenal: el tercer disco de estudio, publicado en el verano de 1992 y bajo la producción de Mick Ronson (guitarra y mano drecha de Bowie en los 70’s). Es uno de mis discos favoritos y me es imposible escoger una canción que destaque por encima de las otras. Pero puestos a seleccionar una yo me quedaría con la primera canción del álbum «You’re Gonna Need Someone on Your Side», que con un sonido muy potente rompía definitivamente con el legado de los Smiths para establecer ya por fin ese estilo Morrissey que luego se desarrollará en los siguientes temas de este gran álbum.
3. You Are the Quarry: es el disco con el que Morrissey entraba en la década del 2000 y lo hacía por la puerta grande y promocionando este “You Are the Quarry” por la gran mayoría de festivales veraniegos europeos donde sus incondicionales celebraban un regreso que serviría como declaración de intenciones, pues dos años después volvía al estudio para grabar “Ringleader of the Tormentors”. Destacar: «How Can Anybody Possibly Know How I Feel?», «I’m Not Sorry» y «Irish Blood, English Heart» que fue el single de presentación de este álbum.
4. Years of Refusal: es el noveno álbum de estudio y tal vez su trabajo más completo hasta la fecha. Este disco está lleno de grandes canciones que rápidamente se convirtieron en himnos entre los fans del ídolo mancuniano. Con un sonido más elaborado y con el respaldo de músicos de primer nivel que además se compenetran a la perfección, es normal que la voz de Morrissey también brille con luz propia. Como decía anteriormente todas las canciones son de 10, perfectas.
5. World Peace Is None of Your Business: el décimo y hasta la fecha último trabajo discográfico de Morrissey. Publicado en el verano del 2014 y con claras influencias de aquí y de allá. Podemos disfrutar de letras muy ingeniosas y de denuncia, especialmente contra los políticos, la sociedad actual o a favor de los derechos de los animales (Morrissey es un declarado vegetariano y miembro de PETA). Yo destacaría «Kiss Me a Lot«, «Istanbul» y «The Bullfighter Dies».

Y no podía faltar un extra y en esta ocasión se trata del DVD “Morrissey: 25 Live” con el que el artista inglés celebraba sus 25 años sobre los escenarios. Un DVD perfecto para todas esas personas que están descubriendo a Morrissey, pues como todos los grandes cantantes, Morrissey mejora en directo.