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El indie español en 8 canciones.

Como se suele decir no están todos los que son, pero sí son todos los que están. En este repaso a algunos de los grupos más importantes del panorama nacional de la música independiente, hay grandes ausencias de grupos míticos como los Planetas, Lori Meyers, o grandes solistas que como Cooper o Anni B Sweet quienes han sido capaces de hacer sonar su música durante años y años, además de ser una gran influencia para las siguientes generaciones.
Así que teniendo en cuenta que el propósito de esta entrada es rendirle un sentido y merecido homenaje a esos grupos españoles, que en mi opinión me parece que son unos de los que más han destacado en los últimos años entre todos los que disfrutamos de la buena música.

El primero de los grupos de los que me gustaría hablar es Supersubmarina, y se trata de una banda que viene de Jaen, y está formada por cuatro integrantes lo que en muchas canciones ocasiona que tengamos dos guitarras sonando a la vez. Lo que más me llamó la atención la primera vez que escuché a este grupo fueron sus profundas letras y esas melodías que hacen que su sonido sea tan inconfundible. Con tres álbumes publicados, yo siempre recomiendo su primer disco “Electroviral”, y es por ello que la canción que he seleccionado es LN Granada”. Personalmente tuve la oportunidad de verlos en directo en 2016, y tengo que decir que Supersubmarina era uno de esos grupos que llenaban el escenario y que eran capaces de transmitir toda la energía a un público que estaba totalmente entregado durante sus conciertos. No quiero entrar en detalles sobre el accidente automovilístico en el que se vieron implicados los integrantes del grupo, y sólo espero que un día puedan volver a hacer música, si es lo que realmente quieren hacer.

Otro de esos grupos capitales del indie es Second, y es que durante la primera década de este siglo fueron uno de los grupos que más progresó y creció, especialmente cuando decidieron dar el siempre difícil paso de empezar a cantar y componer en castellano, algo que sucedió en su tercer disco llamado “Invisible”. De estos murcianos hay una canción que nunca podré olvidar, y lleva por título Nada te dirige, que a pesar del paso del tema sigue manteniendo un sonido actual y sigue siendo una de las canciones favoritas entre todos sus seguidores. Tengo que decir que estos murcianos siguen estando muy presentes en el panorama musical español, y tras haber publicado nueve álbumes de estudio, este verano recorrerán los festivales veraniegos más importantes para presentar su último disco publicado el año pasado.

Uno de esos artistas a los que ya le he dedicado varias entradas en este blog es Xoel López, uno de los cantantes españoles más queridos y respetados a ambos lados del atlántico, algo que consiguió precisamente con el cambio producido cuando el de A Coruña decidió firmar sus temas con su propio nombre. Pero anteriormente Xoel ya había conocido el éxito gracias a su proyecto conocido como Deluxe, una etapa que abarca ocho años de la carrera de Xoel, y en la que nos dejó cinco álbumes para el recuerdo, y sin duda alguna “Fin de un viaje infinito” es el disco que mejor define su sonido durante esta etapa y su evolución como compositor, la canción a destacar es El Amor Valiente“.

A pesar de que Christina Rosenvinge no es una cantante que haya escuchado mucho, he de reconocer que es una de esas personas que uno siempre ve en todos los carteles de los festivales musicales importantes, una persona que ha tenido una carrera dilatada en el tiempo y que en este mundo de la música ha hecho de todo, desde ser la estrella de un grupo juvenil en Álex & Christina hasta recorrerse todos los pueblos de España con su último disco. Rosenvinge es una de esas artistas de contrastes en la que tiene fans acérrimos y también hay otras personas que no soportan su siempre peculiar estilo y forma de entender la música; pero personalmente me parece que esto es algo que está cambiando, especialmente coincidiendo con la publicación de sus tres últimos álbumes de estudio, y precisamente de uno de ellos he seleccionado esta canción llamada “La tejedora” que interpretó magistralmente en el Museo Reina Sofía en una grabación para Radio3.

Otro de esos grupos que a pesar de no haber visto más que una vez en directo, me ha dejado una buena impresión por su puesta en escena y por sus canciones es Izal, este grupo originario de Madrid es probablemente el que tiene la carrera más corta de todos los presentes en esta entrada, pero sin ninguna duda es el que ha tenido la carrera más meteórica, conquistando éxitos ya desde el principio y creciendo disco a disco. Con cinco álbumes en el mercado, me gustaría poner el foco en “Copacabana”, que publicado hace cinco años presenta temazos como este tema que da nombre a este álbum y es uno de sus éxitos más celebrados por sus seguidores en casa concierto.

Son muchos los nombres que se nos vienen a la cabeza cuando pensamos en quien podría ser el padrino del indie español, y para muchos es el nombre de Ivan Ferreiro el que mejor representa este título honorífico. El vigués que ya había dado mucho que hablar con su primera banda, Los Piratas; causó una gran sensación con su debut como solista, y lo hizo con un disco como “Canciones para el tiempo y la distancia” que siempre aparece citado entre los mejores disco de la pasada década. A pesar de que la carrera de Ferreiro está plagada de grandes canciones, me parece muy difícil imaginar que hubiera sido si no hubiese incluido un tema como “Turnedo” en ese primer disco en solitario, esta es una de esas canciones que gusta mucho, y se trata de una canción que cuenta una bonita historia de desamor.

Otro de esos proyectos musicales que pueden servir como carta de presentación de lo que sería el panorama independiente en este país sería el de Tulsa, proyecto que nació en 2006 de la mano de Miren Iza que es cantante y compositora, y el rostro detrás de este grupo. Con seis discos publicados e incluso una nominación a los Premios Grammy es fácil pensar que en sus discos podemos encontrar material de mucha calidad, yo he seleccionado esta pieza que lleva por título “Oda al Amor Efímero” y se puede encontrar en el disco “La Calma Chicha” publicado en el año 2015.

Y para terminar con este homenaje he decidido quedarme con una canción que aparece el álbum de debut de Vetusta Morla, la canción es “La Marea”, y aunque me parece que estamos ante uno de esos grupos que no necesita presentación, intentaré hacerlo lo mejor posible para explicar porque Vetusta Morla es lo mejor que le ha pasado a la música española en los últimos veinticinco años. Los de Tres Cantos han pasado de tener que auto publicar su primer álbum, a colgar el no hay billetes en cada uno de sus conciertos y no sólo aquí sino que también en el extranjero. La banda lidera por Pucho ha conseguido un éxito que ha conquistado no sólo al público sino que también se han sabido ganar el aprecio de la crítica especializada, y esto lo han logrado porque han alcanzado un sano equilibrio entre lo que sería la “experimentación” musical y la fidelidad a un sonido que es ya una marca registrada. Personalmente he tenido la suerte de ver a Vetusta Morla en varias ocasiones, y en cada una de estas oportunidades he sido testigo de como sus canciones ganan al ser tocadas en directo, y además de como el grupo ha ido creciendo gira a gira, hasta ser probablemente uno de los mejores grupos de música independiente de la actualidad.

10 Canciones Indie de Principios del Siglo XXI

Esta es una pequeña recopilación de diez canciones de principios del siglo XXI, o lo que es lo mismo la primera década (del 2000, al 2009), en la que he seleccionado esos diez temas que aún a día de hoy sigo escuchando y me parece que merece la pena revisitarlos de vez en cuando.

Para mí esa fue la década en la que empecé a comprar CD’s y revistas especializadas, y recuerdo esos años como un descubrimiento continuo de nuevos grupos y sonidos gracias a revistas como la Rolling Stone, y especialmente a un canal de televisión llamado Fly Music. También guardo un grato recuerdo de las retransmisiones de aquella época del Festival Internacional de Benicasim, retransmisiones que me acercaron a Radio 3 de Radio Nacional.

Centrándonos en el asunto que nos ocupa, he de decir que esta lista está compuesta por grupos que marcaron aquella primera década del Siglo XXI, pero me he tomado la licencia de excluir a varios grupos (algunos de los más populares y conocidos) que tal vez se merezcan una entrada propia, pero eso ya lo iremos resolviendo en el futuro.

  • Empezamos con “Execution Day” del supergrupo indie canadiense The New Pornographers. Este es uno de los temas que forman parte de su álbum de debut que lleva por nombre “Mass Romantic”, y que sin ninguna duda es uno de sus mejores trabajos discográficos y uno de los mejores álbumes del año 2000.
  • Y no dejamos el frio, porque ahora nos trasladamos a las tierras nórdicas de Suecia, más concretamente a Fagersta (la ciudad natal del grupo The Hives); pero no os preocupéis que con este “Walk Idiot Walk” no vais a pasar nada de frio, y es que las canciones de estos suecos tienen toda esa energía y potencia del Garage de los sesenta.
  • Más reflexiva y pausada es esta “A Time to be Small” que aparecía en el segundo álbum de los neoyorkinos Interpol. Si tenemos en cuenta que este tema compuesto por Paul Banks es el que cierra el álbum, nos podemos imaginar que este Antics es una auténtica joyita llena de temazos.
  • También desde la ciudad que nunca duerme tenemos al dúo formado por Nancy Whang y James Murphy que con sus sintetizadores, teclados y demás distorsiones pusieron a todo el mundo a bailar con un disco que llevaba por nombre el de uno de los proyectos más rompedores de aquel 2005, me refiero a LCD Soundsystem y su disco de debut en el que podemos encontrar este “Daft Punk Is Playing at My House”.
  • Dejando de lado todo ese glamur de la gran manzana, volvemos al viejo continente para hacer una parada rápida en una de las ciudades inglesas con más tradición musical, Sheffield, pero en esta ocasión no os voy a hablar de los Arctic Monkeys, ni siquiera de Jarvis Cocker. El grupo del que hoy os vengo hablar es tan bueno como desconocido, se llaman The Long Blondes y su canción era “Giddy Stratospheres”.
  • Como estamos comprobando la década de los ceros estuvo marcada por la aparición de muchas y diferentes bandas; pero de entre todos aquellos músicos, fue uno el que más titulares acaparó durante aquellos años, y muchas veces fue debido a sus excesos y a los escándalos que protagonizó nuestro siguiente protagonista. Estoy hablando, del querido y admirado por muchos, Peter Daniell Doherty, una de esas personas que tal vez no se merezca la vida que le ha tocado vivir, pues realmente pienso que es uno de los compositores más talentosos de su generación, y un cantante excepcional, como demuestra este “Delivery” que sirvió para promocionar el segundo álbum de los Babyshambles.
  • Maximo Park y su “Books from Boxes” es otro de esos temas que mejor reflejan el resurgir de la música pop en el Reino Unido. Sus canciones sin mayores pretensiones que las de reflejar las preocupaciones del día a día, son directas y van ganando con las escuchas. El dato curioso que rodea a los de Newcastle es que su líder, Paul Smith, ejerció como profesor de arte en el Stockton Riverside College.
  • Otro grupo inglés que apareció por aquellos años fue Editors, siempre comparados con Joy Division, supieron encontrar su sonido en un segundo disco que encierra temas muy festivaleros como este “The Racing Rats”.
  • Con un sonido más potente y oscuro, un grupo como The Kills aprovechó el final de la década para conquistar esa fama que se les resistía, especialmente tras haber publicado dos álbumes de estudio que habían pasado casi desapercibidos tanto para la crítica como para el público. Este “URA Fever” es un temazo en el que brillan tanto los riffs de guitarra de Jamie Hince, como la voz llena de matices de Alison Mosshart.
  • Y para terminar viajamos hasta la capital francesa, en donde no nació pero se crio Charlotte Gainsbourg. La francesa es una de esas artistas multidisciplinares, que parece que en vez de correr sangre por sus venas tuviera talento circulando por su aparato circulatorio, y esto es algo que le viene tanto de parte de padre (el cantautor Serge Gainsbourg) como de madre (la actriz Jane Birkin). En lo referente a su contribución a la música, podemos decir que su tercer álbum, IRM, publicado en 2009 bajo la producción de Beck, le permitió encontrar un sonido más internacional y moderno en el que destacan canciones como esta “Le Chat du Café des Artistes”.

Franz  Ferdinad vuelven con Always Ascending

Always Ascending de Franz  Ferdinad es un claro ejemplo de eso que suele decirse que muchas veces dar un pasa atrás, nos puede servir para avanzar dos; y es que en este quinto disco los escoceses se rescuentran con ese sonido más electrónico que tanto éxito les dio en su celebrado tercer álbum. Y parafraseando al título del álbum podemos ver como la banda liderada por Alex Kapranos ha sabido avanzar en la dirección adecuada a pesar de la salida del grupo de Nick McCarthy, quien decidía distanciarse de Franz Ferdinand para dedicarse a hacer música con su esposa.

Este nuevo disco de estudio ha estado marcado por la entrada de los dos nuevos integrantes (Julian Corrie y Dino Bardot), que no solo han ayudado a enriquecer el proceso creativo; sino que además han sido de gran ayuda para volver a conectar con ese sonido más bailable sobre el que se cimenta buena parte del éxito de este grupo. Se podría decir que con estas canciones se establece una vuelta a esas canciones pegadizas con ese sonido tan inconfundible de los de Glasgow.

La estructura del disco nos deja dos partes bien definidas. La primera de esas partes es la que tiene esa carga pesada de sintetizadores que podría decirse que ha sido influenciada por su tercer álbum Tonight; y correspondería a las cuatro primeras canciones incluyendo la pista que da título al álbum y la sorprendente “Finally”.  De estas cuatro es justamente Finally la que más me gusta, tal vez sea una de las mejores canciones del disco, y es que como digo tiene una sonido muy fresco y actual, y la letra transmite un mensaje muy positivo (Finally I found my people. Found the people who were meant to be found by me. Finally, finally, finally I’m here, in my place…).

En la segunda parte nos adentramos en este terreno del medio tiempo que tan bien le sienta a la voz de Kapranos, y aquí nos reencontramos con ese tipo de canciones que tan bien Franz Ferdinand han sabido combinar en sus anteriores trabajos discográficos, así que ninguna sorpresa en esta parte en las que uno simplemente puede relajarse y distraerse en una letras más elaboradas y un sonido que según palabras del propio Kapranos es más europeo. De entre todas estas canciones yo me quedo con: The Academy Award y con el tema que cierra el disco Slow Don’t Kill Me Slow.

Otras canciones que merece la pena destacar es la reivendicativa Huck And Jim de la que destacan tanto ese riff de guitarra del principio como unos coros en el estribillo que le dan un toque muy especial. También me ha gustado mucho Glimpse of Love, y es que en esta canción se puede apreciar claramente la influencia del grupo estadounidense Sparks con el que los escoceses se juntaron en 2015 para crear el supergrupo FFS. Además no me gustaría terminar esta entrada sin mencionar la que para mí es la mejor canción del disco, Feel the Love Go, que es sin ninguna duda una canción 100% Franz Ferdinand, y que sirva como prueba ese videoclip que sigue el canon estilístico de los de Glasgow.

En definitiva Fran Ferdinand están de vuelta, y además lo hacen con un disco perfecto tanto para los que no conocen al grupo, como para todos aquellos que como yo los llevan siguiendo desde 2004.

Los 10 mejores discos de 2017

Esta es una entrada en la que me gustaría repasar los que yo considero que han sido los mejores álbumes publicados en este año 2017 al que ya le quedan unos pocos días para terminarse.

Agoraphobia – Incoming Noise. Me vais a permitir que empiece este repaso con el producto local, sí, uno de esos grupos Gallegos que no tienen nada que envidiarle a ningún otro grupo. Además en este caso sé exactamente de lo que estoy hablando, pues he tenido la suerte de poder ver a Agoraphonia en directo y no en una única actuación, sino que en dos ocasiones. Este grupo formado por cuatro chicas de Boiro se mantiene fiel a su estilo en esta segunda entrega en la que destacan temas como: “É unha opinión“, “Rainbows” o mi canción favorita “Karlova“.

Marika Hackman – I’m not your Man. Yo descubría a Marika gracias a aquel maravilloso Podcast que presentaba Laura Marling, creo recordar que se llamaba Reversal Of The Muse, y tras escuchar sus opiniones sobre las mujeres que trabajan en la industria musical decidí explorar su discografía y en ella encontré canciones de corte folk. Pero en este I’m not you Man no encontraréis nada de eso, y es que este es un álbum marcado por ese sonido más pop independiente, y tengo que decir que este es un disco que me ha convencido.

Vetusta Morla – Mismo sitio, distinto lugar. El último trabajo discográfico de los madrileños, ha recibido una gran acogida tanto de los fans como por parte de la crítica especializada, y es que tras tres años de espera la gente tenía ganas de Vetusta Morla. Este es un grupo que también he podido ver en directo, y aunque ya han pasado unos cuantos años, tengo que decir que estoy convencido de que es uno de los mejores representantes de la música española. Mis favoritas de este disco son: “Consejos de Sabios“, “La vieja Escuela” y “Deséame suerte” que fue escogida como single de presentación de este gran disco.

Arcade Fire – Everything Now. Confieso que en este disco tenía puestas muchas esperanzas y mis expectativas tal vez eran más altas de lo que de verdad correspondía a un álbum en el que los canadienses de Arcade Fire han tratado de repetir la misma fórmula de sus dos anteriores trabajos, y es por ello que tras escucharlo de principio a fin se nota un poco deslavazado y con falta de cohesión entre las canciones. Pero no me malinterpretéis este “Everything Now” está plagado de grandes temas que estoy convencido que sonaran muy bien en directo, temas como por ejemplo: “Signs of Life“, “Electric Blue” o “Good God Damn“.

Wolf Alice – Visions of a Life. Este segundo lanzamiento discográfico de los londinenses supone un paso adelante en la consolidación de un proyecto musical que aún sigue creyendo en el Rock de guitarras, y he decir que ver la evolución del grupo liderado por Ellie Rowsell ha sido bastante emocionante. Como suele pasar en la mayoría de los casos estos segundos lanzamientos, suelen estar acompañados de largas giras que sirven para presentar el nuevo álbum, y estoy convencido de que en los escenarios y tocadas en directo estas nuevas canciones incluso sonaran mejor.

Mark Lanegan – Gargoyle. Antes de nada he de reconocer mi incompetencia a la hora de ordenar estos últimos cinco discos, empezando con un “Gargoyle” que bien podía estar en el número 1, y condicionado porque en estas restantes posiciones se sitúan intérpretes a los que les tengo mucho aprecio. Dicho esto, me gustaría comentar esas cosas que convierten este último trabajo de Mark Lanegan en uno de los mejores discos del 2017; empezando por la voz del de Seatle. La voz de Lanegan es inconfundible, y ya sea en sus colaboraciones con Queens of the Stone Age o Isobel Campbell el bueno de Mark siempre termina apoderándose de la canción. Segundo el sonido del disco es actual, trepidante y sobretodo tiene ese sello inconfundible de los discos hechos para soportar el paso del tiempo. Tercero, y esta ya es una razón más personal, este es su mejor disco en solitario, y ya sé que es muy ventajista por mi parte hacer una afirmación de este calado, pero de los más de veinticinco años de carrera en solitario y tras diez álbumes es ahora cuando estamos disfrutando de la mejor versión de Mark Lanegan. De este álbum yo me quedaría con estas tres canciones: “Blue blue sea“, “Beehive” o “Emperor“.

Queens of the Stone Age – Villains. El séptimo de los californianos, es uno de esos discos que bien podría definir una carrera, ya que en el encontramos todos los elementos que se repiten una y otra vez en la carrera de este grupo como pueden ser las guitarras estridentes, los riffs pegadizos y ese sonido pesado marcado por el uso de los pedales de distorsión en el que la voz de Josh Homme pone el contrapunto perfecto. Este “Villains” es un disco de cuarenta y ocho minutos, y nueve canciones, en el que muchas de ellas pasan de los cuatro minutos de duración; pero que al escucharlo se te va a hacer corto, o eso es lo que me ocurre a mi cada vez que lo estoy escuchando y al llegar al último tema ya estoy pensando en volver a empezar a escucharlo otra vez.

En tercera posición. Sueños y Pan de Xoel López. Como os avance a principios de mes, este nuevo álbum del Gallego Xoel López es uno de los mejores discos del año. Este disco recoge todas esas influencias que tras el paso de los años han ido apareciendo en los anteriores álbumes del genial cantautor coruñés. Este es un disco que tengo que admitir que me gusta bastante, y no sólo por el hecho de que yo también sea gallego, sino que estamos hablando de uno de los mejores representantes de la música española y de un disco como Sueños y Pan que da gusto escuchar desde el principio hasta el final, es un disco muy completo.

Segunda posición para Laura Marling y su Semper Femina. Poniendo en perspectiva la meteórica carrera de la de Hampshire nos encontramos con una de las mejores voces del nuevo folk británico, que con apenas veintisiete años ha publicado seis álbumes de estudio; y que en 2011 ganaba su primer Brit Awards en la categoría de mejor cantante solista femenina. Ahora con este “Semper Femina” tal vez pueda sumar su primer premio Grammy al cual ha sido nominada dentro de la categoría de mejor disco de folk, aunque lo veo un poco complicado sobre todo si tenemos en cuenta el hecho de que los otros nominados son discos de estilos tan diferentes como el Country o el estilo Americana. Bueno sea como sea, “Semper Femina” es un gran disco que merece la pena escuchar, y como digo siempre Laura Marling es una persona que ha ido mejorando con cada uno de sus trabajos discográficos y eso se puede apreciar en canciones como: “The Valley“, “Don’t Pass Me By” o “Nothing, Not Nearly“.

Primera posición y mejor disco de este años 2017: Low in High School de Steven Patrick Morrissey.

Ciertamente lo nuevo de Morrissey es genial, sublime, fantástico o superlativo, lo podemos decir con todos los sinónimos que se nos ocurran, pero la verdad es que este “Low in High School” es un disco perfecto. Morrissey es una persona que muchas veces genera más noticas por sus polémicas, aunque cada vez que se decide a publicar un nuevo disco, la crítica se vuelve loca y su legión de fans lo celebra (o tal vez era al revés).

El antiguo líder de The Smith se embarcó en este proyecto en solitario allá por el año 1988 (el 14 de Marzo se cumplirán 30 años de la publicación de “Viva Hate”), y hemos de decir que mal no le ha ido durante estos años. Pero con “Low in High School” yo tengo la sensación de que este es su mejor disco, obviamente me parece mejor que el anterior “World Peace Is None of Your Business”, y me recuerda un poco a “Years of Refusal” especialmente en lo referente al apartado musical. Las letras siguen siendo tan comprometidas como siempre y el bueno de Moz sigue cuestionado todo aquello que no le gusta, sirva como ejemplo la misma portada de este álbum. A mí me es imposible elegir una canción que pueda destacar de este disco, pero os dejo un enlace a la lista de reproducción del álbum que tan inteligentemente han creado en YouTube para promocionar el nuevo disco, ya sabemos que una de las razones por las que Morrissey abandonó al sello discográfico Capitol fue la mala o mejor dicho nula promoción de “World Peace Is None of Your Business”.

Wolf Alice, segundo año.

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Realmente sería más apropiado decir segundo álbum, ya que Wolf Alice se formó en el año 2012 y en 2013 publicaban su primer single Fluffy. Centrándonos en este segundo lanzamiento discográfico, el siempre temido segundo álbum de confirmación de una banda, tenemos que decir que Visions of a Life fue publicado el pasado mes de Septiembre, más específicamente el 29 de Septiembre y que es un disco que está compuesto por 12 canciones nuevas, lo que nos deja una duración aproximada de tres cuartos de hora de ese potente Rock británico independiente actual.

Pero muchos se preguntaran si es cierto que Wolf Alice sea un grupo de rock británico independiente, y ciertamente no hay una respuesta para esta pregunta porque estos Londinenses están dispuestos a desbaratar todo el sistema de etiquetas que tan bien le ha funcionado a las discográficas para clasificar los discos que publican. Wolf Alice es uno de esos grupos que beben de muchas fuentes y parece que con este nuevo álbum han querido expandir sus horizontes, y si por ejemplo su primer disco tenía una cierta influencia grunge, en Visions of a Life el abanico es muy amplio pasando desde ese pseudo punk del movimiento Riot Grrrl hasta ese toque New Age de algunas canciones.

En lo referente a las canciones de este nuevo álbum, no podemos obviar que Yuk Foo es una de las canciones que más llaman la atención y es que ya sea por la distorsión tanto en las guitarras como en la voz o por su contundente letra, es difícil que este tema pase desapercibido. Y es que si en un extremo nos encontramos con este Yuk Foo que sirvió como single de presentación, en el otro estaría una canción como Don’t Delete the Kisses con un ritmo más pausado pero con una letra más reflexiva y madura que se asemeja más a un poema que a la típica canción pop. Pero si una canción destaca en este álbum esa es Beautifully Unconventional, dos minutos de canción que puede servir perfectamente como carta de presentación de lo que te vas a encontrar en este disco y aun así esta es de las pocas canciones que me recuerda a su anterior trabajo discográfico.

Y es que muchos podrían esperar que tras el éxito de su debut (My Love Is Cool, 2015), la banda liderada por Ellie Rowsell, intentaría repetir la misma fórmula ganadora con la que habían impresionado tanto en Estados Unidos como en Europa, pero con este Visions of a Life parece que el grupo ha dado el paso definitivo de la consolidación.  Bueno pero tal vez yo no sea la persona más indicada para hablar sobre Wolf Alice porque es uno de mis grupos favoritos, y siempre he deseado que fueran más famosos y que todo el mundo escuchara sus canciones así que puede que mi fanatismo pueda ejercer una influencia en mis opiniones, pero al final de la entrada os dejo un top 10 de sus mejores temas, para que así podáis juzgar por vosotros mismos.

  • Moaning Lisa Smile. Si tuviera que recomendar Wolf Alice a una persona siempre elegiría esta canción y no sólo porque sea mi favorita. Curiosidad, Wolf Alice actuó tres años seguidos en Glastombury (2014, 2015 y 2016) y en dos de ellos se presentaron (casi) sin haber publicado ningún álbum, ya que My Love Is Cool se publicó el 22 de Junio (a comienzos de semana) y ellos actuaron el viernes 26, lo que demuestra el compromiso de Michael Eavis con los grupos que están empezando.
  • Giant Peach. Y fue gracias a la emisora KEXP de Seattle que yo descubrí a Wolf Alice, y es que en su página web tienen una sección donde cuelgan las actuaciones de todos los grupos que los visitan, y tú te las puedes bajar de forma gratuita y legal, así que durante muchos meses (casi tres) estuve escuchando esa grabación casi todos los días.
  • Beautifully Unconventional. Esta actuación en el famoso programa de Later… with Jools Holland, ha sido el que me ha inspirado a escribir esta entrada, y es que si la comparamos con su primera aparición en la BBC podemos ver cómo ha sido ese cambio de estilo y su evolución como grupo. Por cierto está canción tiene un toque sutil que me recuerda a Tame Impala.
  • You’re A Germ. En su primera aparición televisiva en Later… with Jools Holland se aprecia como la guitarra es el centro sobre el cual se construye el sonido de los londinenses, en donde los ritmos acelerados, los afilados riffs y las distorsiones se fusionan para poner el contexto musical a la angustia adolescente de la letra firmada por Rowsell.
  • Yuk Foo o Wolf Alice meets Kathleen Hanna. La influencia es innegable, y se puede apreciar desde la primera escucha; el problema es que el movimiento Riot Grrrl se encuentra en una fase ya casi de desaparición y encontrarse con canciones tan buenas como está puede darle un nuevo empujón. Nuevamente la distorsión es algo que Joff Oddie domina a la perfección y es habitual verlo rodeado de pedales durante los conciertos.
  • Bros. Fue junto a los dos primeras canciones de esta lista, una de las tres canciones que marcaron la carrera de estos jóvenes Londinenses, se trata de otro de esos pildorazos que si te lo pones como alarma en el teléfono móvil te ayudará a despertarte a la primera y puede que también con más energía y de mejor humor, aunque eso ya no está demostrado.
  • Don’t Delete The Kisses. Esta sería una de esas canciones que marca el ritmo de Visions of a Life con unas armonías más reposadas y elaboradas, en la que el uso de los sintetizadores han ayudado a crear una mayor consistencia en lo referente al sonido del álbum en donde también resalta la voz de Ellie Rowsell, como se puede apreciar en esta actuación en esta emisora de la Universidad de Fordham del Bronx.
  • Wolf Alice covers alt-J’s Matilda in the Live Lounge. Una de las primeras muestras de que este grupo podía adaptarse a cualquier cosa y que podían alcanzar cualquier registro musical que se propusieran, se vio con esta preciosa versión de un tema tan diferente a ellos como es alt-J’s. Sencillamente sobrecogedora.
  • Freazy. Todos sabemos que los comienzos siempre son complicados, pero no hay que ser Phil Spector para ver que en estos chicos había un gran potencial. Freazy tras algunos pequeños retoques llegó a formar parte de su debut.
  • Y ya por último un videoclip de uno de sus primeros singles, Fluffy, y quería escoger esta versión antes que la de algún concierto por tres razones. La primera es que a pesar de que es verdad de que Wolf Alice es uno de esos grupos que mejoran en directo, todos sus vídeos son una autentica pasada y realmente capturan la esencia del grupo. Segundo, aunque parezca mentira, la historia de este grupo Londinense se parece bastante a la representada en este vídeo, y es que siempre han comentado en las entrevistas que no fue hasta la llegada de Theo Ellis y Joel Amey (bajista y batería, respectivamente) que el grupo empezó a tomarse la música más en serio y de forma más profesional. Y tercero porque si os fijáis bien en el vídeo, más concretamente en el minuto 0:43 aparece un vinilo del grupo Bikini Kill que para quien no lo sepa estaba liderado por Kathleen Hanna (curiosidades de la vida) y fue el principal exponente del Riot Grrrl.

 

Seguro que alguno o alguna de vosotros ya os habréis dado cuenta de que Wolf Alice tomo su nombre como “homenaje” a uno de los relatos que forman parte de The Bloody Chamber, libro escrito por la escritora inglesa Angela Carter en 1979.